Vocals mischen

Beim Mischen gehört das Vocal-Mixing zu den schwierigsten Disziplinen. Vocals in volle Mixe einzufügen kann anspruchsvoll sein, und für einen guten Vocal-Sound musst du hart arbeiten.

Trotzdem macht Vocal-Mixing viel Spaß und bietet kreative Freiheiten – hab also keine Scheu, Vocals von Grund auf anzugehen! In diesem Artikel zeigen wir dir, wie du deine Vocals wie ein Profi mischst!

1. Sorge für eine gute Aufnahme

Das Wichtigste, was du aus diesem Artikel mitnehmen solltest, ist: Kein noch so gutes Mixing kann eine schlechte Aufnahme retten – und nichts schlägt eine gute Aufnahme.

Wenn du mit einer großartigen Vocal-Aufnahme startest, musst du kaum etwas tun. Tatsächlich sind viele der „besten" Vocal-Performances aller Zeiten kaum bearbeitet. Allerdings muss eine perfekte Vocal-Aufnahme viele Kriterien erfüllen, und das ist ziemlich selten.

Als Mixing-Engineer musst du sowohl mit schlechten als auch mit großartigen Aufnahmen umgehen können, damit du flexibel bleibst und das Beste aus dem Material herausholst, das dir Künstler schicken.

Falls möglich: Investiere beim Aufnehmen eine Stunde mehr, um es richtig hinzubekommen – das spart dir beim Mischen viele Stunden.

2. Nutze Gain-Automation, um deine Vocals auszugleichen

Egal wie gut ein Sänger ist – niemand kann Klangfarbe, Lautstärke und Energie so perfekt kontrollieren, dass die Aufnahme durchgehend gleichmäßig pegelt.

Um mit dem Vocal-Mixing zu starten, musst du die Aufnahme also angleichen und so gleichmäßig wie möglich in der Lautstärke machen.

Das bedeutet: Der Vocal soll über die gesamte Aufnahme hinweg die gleichen Amplituden treffen, sodass keine Stelle lauter ist als eine andere. Das erreichst du meist, indem du den Gain deines Audioclips automatisierst. Am besten wählst du einen Mittelwert zwischen deinen lauten und leiseren Passagen.

Senke die lauteren Stellen ab, während du die leiseren anhebst, bis du diesen Mittelwert erreichst, wo alles gleichmäßig laut klingt. So nimmst du nur minimale Anpassungen vor, bekommst aber trotzdem ein einheitlicheres Signal.

Gain-Automation ist wichtig für die spätere Dynamikbearbeitung, aber wir fügen noch eine weitere Automation-Stufe hinzu, die die Vocals besser in den Rest des Tracks einfügt. Höre dir am Anfang deine Vocals solo an und versuche, sie gleichmäßiger klingen zu lassen.

Was mache ich bei mehreren Vocal-Spuren?

Angenommen, du arbeitest mit einem Rapper oder jemandem, der gerne Harmonien oder Overdubs singt. Dann landest du schnell bei vielen Vocal-Spuren, die du wieder zu einem zusammenhängenden Sound zusammensetzen musst.

Das kann ziemlich anspruchsvoll sein, ist aber machbar. Das Schlüssel, um verschiedene Takes zusammenzubringen, sind Panorama und EQ. Wenn alle deine Vocal-Spuren gleich klingen, musst du Unterschiede schaffen, damit sie sich abheben, Frequenzkonflikte vermieden werden und sie trotzdem zusammenhängend klingen.

Ein guter Trick, um den Haupt-Vocal in den Mittelpunkt zu rücken, ist ein Saturation-Plugin, das mehr Sättigung hinzufügt als auf den anderen Vocal-Spuren. Das verleiht ihm einen raueren, kantigen Sound, der sich besser im Mix durchsetzt. Röhrensättigung klingt großartig auf Vocals – wir empfehlen, damit zu experimentieren.

Ein weiterer toller Trick ist, mit der Dynamik der Vocals zu spielen. Zum Beispiel machst du einen subtilen, ruhigen Vocal zum Fokuspunkt, während du die Energie mit dem Haupt-Vocal im Hintergrund einmischst – statt eines energetischen Haupt-Vocals vorne.

Das erzeugt interessante Kontraste für deine Vocals, und wir probieren das gerne aus, wenn wir den Mix spannender machen wollen.

3. Aufnahme säubern und stimmen

Bevor du auch nur eine Frequenz bearbeitest, entferne alles, was nicht zur Performance gehört. Höre dir die Vocal-Spur im Solo von Anfang bis Ende an und achte auf Klicks, Stuhlknarren, Kopfhörer-Übersprechen, Mundgeräusche und Plosive, die am Poppschutz vorbeigeschlüpft sind. Prüfe deine Schnitte dann nochmal im Mix. Manches, was im Solo auffällt, stört im Kontext überhaupt nicht.

Ziehe störende Stellen mit Clip Gain runter und schneide nur, was komplett verschwinden muss. Setze kurze Fades an freiliegende Schnittgrenzen, sonst wird der Schnitt selbst zum Klick, den du eigentlich entfernen wolltest. Bei einem Plosiv brauchst du oft eher einen Hochpass oder Spectral Repair als nur eine Pegelabsenkung.

Lösche nicht jeden Atemzug. Atemzüge lassen eine Vocal menschlich klingen, und eine Aufnahme ohne sie wirkt zusammengestückelt statt gesungen. Drehe die runter, die vom Text ablenken, und lass den Rest stehen.

Ein Noise Gate räumt die Stille zwischen Phrasen schnell auf, ist aber ein grobes Werkzeug. Setzt du die Schwelle zu hoch, verschluckt es Wortenden und die leisen Konsonanten, die Texte verständlich machen. Außerdem bringt ein Gate nichts gegen konstantes Brummen oder Summen, weil das Störgeräusch da ist, sobald das Gate offen ist. Dafür brauchst du ein dediziertes De-Hum- oder Spectral-Repair-Tool.

Tonhöhenkorrektur

Stimme die Vocal hier, vor EQ, Kompression, Sättigung, Reverb und Delay. Tonhöhenkorrektur trackt ein sauberes Trockensignal zuverlässiger als eins, das schon voller Effekte ist, und alles danach sollte auf die korrigierte Performance reagieren.

Melodyne, Auto-Tune Pro und Waves Tune können beides: grafisches Note-für-Note-Editing, wenn ein paar Töne verschoben werden müssen, und automatische Korrektur über die ganze Aufnahme, wenn die Performance grundsätzlich passt. Bei automatischer Korrektur stellst du zuerst Tonart und Skala ein und checkst dann, ob im Song geliehene Noten auftauchen, die außerhalb liegen – sonst zieht das Plugin sie irgendwohin, wo der Song nie hingeht.

Die Retune-Geschwindigkeit ist der Regler, der am meisten entscheidet, ob es jemandem auffällt. Ein langsames Retune korrigiert, wo die Note landet, und lässt Vibrato und Scoops des Sängers durch. Ein schnelles oder Null-Retune schnappt jede Note sofort ein, und das ist der Sound, den Leute meinen, wenn sie eine Vocal "autogetuned" nennen. Auch Correction Amount und die Vibrato- und Transition-Regler sind wichtig – fang also langsam an und beschleunige nur so weit, bis die störenden Noten aufhören zu stören. Beide Enden des Spektrums sind valide, nur musst du dich bewusst für eins entscheiden.

Tonhöhenkorrektur repariert die Tonhöhe. Sie repariert kein Timing, keine schwache Darbietung und keine falsche Melodie, und eine stark korrigierte schlechte Aufnahme klingt immer noch wie eine schlechte Aufnahme. Wenn du eine andere Aufnahme hast, nimm die.

4. Nutze chirurgisches EQ, um Resonanzen zu entfernen

Sobald dein Track-Gain ausgeglichen ist, musst du anfangen, auf einzelne Frequenzen zu achten.

Problematische Frequenzen können einen Vocal-Mix schnell ruinieren, also ist es entscheidend, sie in den Griff zu bekommen. Das ist zwar nicht immer zu 100 % nötig, aber meistens schon – wenn du lernst, mit Resonanzen umzugehen, wirst du enorm profitieren.

Es gibt Tools wie Soothe 2, die genau dafür entwickelt wurden, aber es ist sehr nützlich zu wissen, wie man es manuell macht!

Das Schwierigste beim manuellen Vorgehen ist das Hören. Du musst die Probleme in deinem Audio hören und lokalisieren können, um etwas tun zu können. Das kommt mit der Zeit – mach dir also keine Sorgen, wenn es anfangs nicht klappt!

Wenn du noch neu in der Produktion bist, ist Gehörbildung eine gute Idee, um Frequenzen schneller lokalisieren zu lernen.

Um Problemfrequenzen zu finden, spiele deine Vocals ab und achte auf Bereiche im Frequenzspektrum, die zu stark klingen oder übermäßig resonieren.

Dann gehst du mit einem grafischen EQ (wir nutzen Pro-Q 4) durch das Frequenzspektrum und solost einzelne Frequenzen, bis du die störende Resonanz gefunden hast.

Am einfachsten geht das, wenn du eine enge Glockenkurve mit +10 dB Gain erstellst und sie solost. Dann kannst du durch das gesamte Frequenzspektrum sweepen, während du auf die resonierende Frequenz achtest. Das klingt furchtbar nervig und schwer anzuhören – und du wirst merken, wenn du sie gefunden hast.

Wenn du die Frequenz lokalisiert hast, setze deine Glockenkurve auf etwa -1 bis -4 dB. Das reduziert die Resonanz in deiner Vocal-Aufnahme. Schneide aber nicht zu viel weg, sonst klingt dein Vocal schnell dumpf und langweilig.

Mache das mit allen Problemfrequenzen, die du hörst. Bei besonders problematischen Resonanzen, die die Aufnahme ruinieren würden, wenn du sie komplett entfernst, kannst du auch dynamischen EQ nutzen. Dynamischer EQ entfernt die Resonanz, behält sie aber im Vocal bei.

5. Nutze musikalischen EQ auf den Vocals

Nachdem du deine Vocals ausgeglichen und EQ'd hast, kannst du jetzt anfangen, deinen Vocal zu formen – beginnend mit musikalischem EQ.

Öffne also einen weiteren EQ auf deinem Vocal und nutze ihn, um die Klangqualität zu formen. Was du an dieser Stelle tust, hängt komplett von Sänger, Aufnahme usw. ab, also nimm das, was wir tun, nicht als in Stein gemeißelt – das ist lediglich eine Anleitung, wie wir denken und vorgehen.

Bass-Roll-off

Es gibt einige allgemeine Schritte, die dich zu einem guten Punkt für deinen Vocal bringen, angefangen mit einem Bass-Roll-off.

Entferne bis zu 60–80 Hz im Tieftonbereich mit einem Hochpass. So stellst du sicher, dass kein unerwünschter Tieftonbereich durchkommt.

Proximity Effect & Muddy-Bearbeitung

Als Nächstes entstehen durch den Proximity Effect, wenn dein Sänger sehr nah am Mikrofon ist, matschige und dröhnende Plosive im Bereich 200–500 Hz.

Um dem entgegenzuwirken, nutzen wir meist einen breiten Glocken- Filter, um etwa 1 bis 1,5 dB herauszunehmen aus dem Signal hier.

Präsenz & Air hinzufügen

Präsenz und Air sind sehr wichtig für einen Vocal und sorgen dafür, dass alles klar klingt. Präsenz liegt bei Vocals im Bereich 3–5 kHz, dem empfindlichsten Frequenzbereich für das menschliche Ohr.

Hebe diesen Bereich an , wenn deine Vocals im Mix etwas untergehen

Air sind die hohen Frequenzen in deinem Vocal und bringen Glanz und Charakter in einen Vocal. Wenn du einen „kristallineren" Sound willst, nimm hier eine subtile Anpassung vor. Übertreibe es aber nicht, sonst klingt dein Vocal schnell sehr harsch.

Zu guter Letzt rollen wir unsere Vocals bei etwa 17–18 kHz ab, je nach Quelle. Wir wollen keine Frequenzen über diesem Punkt durchlassen, weil dort keine Vocals mehr sind, sondern nur Rauschen und unerwünschte Klangartefakte.

An diesem Punkt bist du mit dem EQ im Wesentlichen fertig. Höre dir deinen Vocal an und mache einen A-B-Vergleich, um genau zu hören, was du tust, und zu prüfen, ob es eine Verbesserung gegenüber dem Original ist oder nicht.

6. Nutze De-Essing, um Zischlaute zu entfernen

Wenn du mit Vocals arbeitest, wirst du zwangsläufig auf Plosive und Zischlaute stoßen. Das sind Laute, die natürlicherweise in der Sprache vorkommen. Plosive sind die P's und B'sund Zischlaute sind die harschen S- und Z-Laute.

Während wir Plosive mit EQ behandeln, müssen Zischlaute separat mit einem De-Esser behandelt werden.

De-Esser sind sehr einfache Dynamik-Controller, die die S-Laute in deinem Vocal zähmen und sie weicher und runder klingen lassen.

De-Esser sind ein wichtiger Bestandteil des Vocal-Mixings und kommen bei fast jedem Vocal zum Einsatz, den wir anfassen. De-Esser haben meist nur wenige Regler, und die meisten DAWs bringen standardmäßig einen mit – es gibt also keinen Grund, sie nicht zu nutzen.

Du musst mit den Einstellungen eines De-Essers herumspielen, um das Beste herauszuholen. Er funktioniert am besten, wenn du das Audio, das du entfernst, solost. Dann kannst du durchsweepen und den Bearbeitungsbereich auf den korrekten Frequenzbereich anwenden, der dir Probleme bereitet.

Normalerweise liegen die Problemfrequenzen zwischen 4 und 8 kHz. Achte beim De-Essing darauf, nicht zu hart mit dem Threshold zu arbeiten, sonst klingt dein Sänger schnell, als hätte er einen Sprachfehler!

7. Füge Kompression zu deinem Vocal hinzu

Bei Vocals in moderner Musik ist Konsistenz in der Lautstärke extrem wichtig. Du magst denken, dass zu viel Perfektion zu einem unnatürlichen Vocal führt – im Mix ist das aber wirklich nicht der Fall

Wenn wir so viel Kontrolle wie möglich über die Vocal-Dynamik haben wollen, müssen wir ein paar verschiedene Tools und Techniken einsetzen, um das zu erreichen. (Deshalb haben wir den Gain auf unserem Vocal automatisiert, bevor wir irgendetwas anderes gemacht haben)

Danach nutzen wir Kompression, um noch präzisere Dynamikkontrolle zu bekommen. Kompression gibt dir nicht nur diese Dynamikkontrolle, sondern lässt dich auch den Ton deines Vocals verstärken und formen.

Wie viel Kontrolle du über deine Dynamik brauchst, hängt komplett vom Genre ab. Während du für elektronische Musik, Pop und Hip‑Hop einen stärker bearbeiteten und kontrollierten Vocal brauchst, musst du bei Stilen wie Rock und Jazz mit Kompression behutsamer umgehen.

Intime Genres wie Jazz klingen sofort merkwürdig, wenn spürbare Bearbeitung stattfindet, was vom Erlebnis ablenkt. Rock hingegen braucht einen energetischeren und komprimierten Vocal mit viel Körper und weniger Höhen.

Also starten wir mit dem Einrichten unseres Kompressors. Wir beginnen mit dem FabFilter Pro-C2 als Basis-Kompressor und gehen später zu klangfarbenreicheren Kompressoren über.

Je nach Audio setzen wir den Kompressor entweder vor oder nach dem tonalen EQ, aber achte darauf, dass dein De-Esser hinter jeglicher Kompression in deiner Kette liegt.

Um deinen Kompressor voll auszunutzen, musst du ein Ziel vor Augen haben. Was willst du mit diesem Kompressor erreichen?

In diesem Fall gehen wir die erste Kompressor-Stufe mit leichter Hand an, formen subtil den Vocal-Ton und fügen etwas Dynamikkontrolle hinzu, um die Vocal-Spitzen zu glätten. Wir wollen hier nicht die Transienten quetschen, also nutzen wir einen langsamen Attack und Release. Bei uns sind wir bei 25 ms bei der Attack Timeund 40 ms bei der Release Time.

Als Nächstes stellst du deinen Threshold so ein , dass der Kompressor bei jedem Wort in deinem Vocal aktiv ist. Das gibt dir eine sehr gleichmäßige Kompressionscharakteristik über den gesamten Vocal.

Zuletzt stellst du eine sehr niedrige Ratio ein, sodass du nicht mehr als 3 dB Gain Reduction triffst.

So stellen wir sicher, dass wir den Vocal nur leicht beeinflussen und ihm mehr Ton und Kontrolle geben – bereit für klangfarbigere Kompression!

8. Nutze serielle Kompression

Bei subtileren Genres reicht etwas Dynamikkontrolle auf deinem Vocal, aber für Genres, die stärkere Bearbeitung erfordern, nutzen wir mehrere Kompressoren hintereinander.

Deshalb ergänzen wir unsere erste Kompressor-Stufe mit ein paar klangfarbenreicheren Kompressoren. Klangfarbenreiche Kompressoren haben meist einen bestimmten Ton, den sie dem Signal verleihen, was deinen Vocals viel Charakter geben kann.

Unsere Lieblingskombination (und wahrscheinlich die von allen anderen auch) bei Vocal-Kompressoren ist der 1176 in einen LA-2A.

Das ist wahrscheinlich eine der meistgenutzten Vocal-Kompressionsketten in moderner Musik, und das aus gutem Grund – sie klingt großartig.

In unserem Fall nutzen wir das Waves CLA Compressors Pack, das Emulationen beider Kompressoren enthält, aber du findest auch andere Versionen.

Für unseren 1176 nutzen wir den CLA-76 Mono und den CLA-2A Mono für die LA-2A-Emulation.

1176

Der CLA-76 ist ein FET-Kompressor, was bedeutet, dass er sehr schnell und aggressiv sein kann. Der 1176 ist ebenfalls ein FET-Kompressor und wird von Engineers geliebt, weil er so ziemlich jeden Sound verbessern kann, den du ihm gibst.

Für unseren Vocal starten wir, indem wir eine 4:1 Ratio wählen (du kannst höher gehen für mehr Charakter und Energie). Der CLA-76 hat auch ein Feature namens „ALL" Ratio, das daher kommt, dass Audio-Engineers buchstäblich versucht haben, alle Ratio-Knöpfe gleichzeitig zu drücken.

Die „All"-Ratio hat ein sehr aggressives und energisches Gefühl und kann großartig sein, um einen sehr kontrollierten und charaktervollen Vocal zu bekommen.

Nachdem du die Ratio auf 4:1 gesetzt hast, willst du einen langsamen Attack und schnellen Release einstellen. Das hängt komplett vom Vocal ab, also musst du wissen, wie man Kompressor-Release-Zeiten einstellt.

Das Input-Regler des CLA-76 ist gleichzeitig der Threshold, also drehe ihn hoch, bis du etwa 3–5 dB Gain Reduction siehst.

Dann stellst du den Output-Regler ein, um hinzugefügten oder verlorenen Gain auszugleichen.

LA-2A

Wir nutzen den LA-2A, um den Vocal nach dem 1176 zu glätten, was zu einem viel kontrollierteren und stimmigeren Vocal führt.

Der LA-2A ist berühmt für seine warme, fette und geschmeidige Kompressionscharakteristik. Sowohl das originale Hardware-Gerät als auch die CLA-2A-Versionen können ziemlich stark aufgedreht werden, bleiben dabei aber musikalisch und fügen dem Signal angenehme Verzerrung hinzu.

Für unsere Zwecke nutzen wir den CLA-2A für unsere letzte Haupt-Kompressionsstufe, also verwenden wir ihn, um die Vocals subtil dorthin zu bringen, wo wir sie haben wollen.

Der LA-2A ist ein sehr einfaches Gerät mit nur zwei Hauptreglern: Gain und Peak Reduction. Er kann sowohl als Limiter als auch als Kompressor arbeiten. Für unsere Zwecke nutzen wir ihn im Kompressions-Modus.

Drehe die „Peak Reduction" hoch , bis du etwa 2–3 dB Gain Reduction triffst, und stelle dann deinen Gain ein, um hinzugefügten oder verlorenen Gain auszugleichen.

9. Füge Parallel-Kompression zu deinem Vocal hinzu

Parallel-Kompression unterscheidet sich stark von dem, worüber wir bisher gesprochen haben. Statt subtil und kontrolliert zu sein, kannst du bei Parallel-Kompression richtig Spaß haben und das Signal ordentlich zerquetschen. Du brauchst nicht immer Parallel-Kompression – es ist eine situative Technik –, aber sie verbessert so ziemlich alles, was sie berührt.

Angenommen, du hast einen sehr sauberen und schönen Vocal – du willst den sauberen, unkomprimierten Ton des Vocals behalten, aber ohne ausreichend Kompression geht er im Mix unter und klingt im Kontext einfach schlecht.

Hier kann Parallel-Kompression dein Retter sein. Statt unseren Vocal zu komprimieren, fügen wir komprimiertes Signal obendrauf. Einfach gesagt: Wir fügen nur den Charakter und Ton der Kompression zu deinem Vocal hinzu, sodass du das Beste aus beiden Welten bekommst.

Auf dem Kompressorwillst du einen sehr niedrigen Threshold, hohe Ratio und schnellen Attack und Release einstellen – du willst den Kompressor im Grunde so hart wie möglich zerquetschen. Das erzeugt einen knackigen, boxigen Sound, der dann mit dem Originalsignal gemischt wird.

Dann routest du deinen Vocal zum Send (wie oben erklärt) und nutzt die Fader, um die Parallel-Kompression mit der originalen Vocal-Aufnahme zu mischen.

Achte darauf, einen klangfarbenreichen Kompressor für Parallel-Kompression zu nutzen! Das gibt ihm viel mehr Ton und Charakter – genau deshalb willst du ihn verwenden.

10. Füge Sättigung zu deinem Vocal hinzu

Wenn dein Vocal an diesem Punkt noch nicht genug Biss und Körper hat, kannst du zu Sättigung greifen. Eine subtile Menge Sättigung kann einem Vocal enorm viel Energie verleihen und ihn wie Butter durch den Mix schneiden lassen. Sättigung solltest du recht sparsam einsetzen, nachdem du bereits viel Kompression auf deinen Vocal angewendet hast.

In unserem Fall fehlt unserem Vocal etwas Wärme und Körper, also versuchen wir, das mit etwas Sättigung zurückzugeben.

Wir nutzen den SoundToys Decapitator , da er unser liebstes Saturation-Plugin ist, aber wenn du das Gleiche tust, übertreibe es nicht. Decapitator macht seinem Namen alle Ehre, also nutzen wir ihn sehr subtil.

Wir haben den Decapitatorauf den E-Modusgestellt, der nach Chandler-EMI-Konsolenmodelliert ist und jede Menge Wärme in den Tiefen hat, mit seidig sauberen Höhen.

Wir stellen dann den Drive ein, sodass wir den Vocal nur ganz leicht anfahren und nur den Charakter des Plugins hinzufügen, statt wirklicher Verzerrung. Und wenn du mehr Ton aus dem Plugin herausholen willst, drehe den Drive höher und senke den Mix-Pegel ab – das ergibt einen fast Parallel-Saturation-artigen Effekt.

Das Wichtigste bei Sättigung ist Subtilität – und wir wollen unseren Vocal nicht am Ende des Mixes ruinieren!

11. Nutze Limiting, um deine Vocal-Pegel anzuheben

Ein Limiter ist das Letzte, was du zu deiner Dynamik-Kette hinzufügst. Auch wenn es nicht immer nötig ist, gibt uns ein Limiter eine sehr saubere Möglichkeit, die Spitzen des Signals zu kontrollieren und es lauter zu machen. Wir lassen meist einen Limiter nach unserer Kompression und Sättigung, falls wir mehr Lautheit brauchen oder ein paar Spitzen auffangen müssen, die irgendwie durch die Kompression gekommen sind.

Wenn du versuchst, deinen Vocal so flach und komprimiert wie möglich zu bekommen, kannst du auch einen Limiter nutzen, um alle Spitzen abzuschneiden und den Vocal komplett zu leveln. Das klingt dann zwar unnatürlich, kann aber für stärker bearbeitete Musikgenres sehr passend sein.

Spiele mit deinen Limiter-Einstellungen herum und übertreibe es nicht. Limiting kann Audio furchtbar verzerren und komprimieren, wenn es falsch gemacht wird.

12. Nutze spektrales Slotting, um Zusammenhalt zu schaffen

Nachdem du die obigen Schritte befolgt hast, ist dein Vocal-Mix im Wesentlichen fertig. Was an dieser Stelle aber passieren kann, ist, dass der Vocal so präsent und voll ist, dass er nicht mit dem Rest des Tracks mischt, sondern oben auf allem anderen sitzt.

Ein abgekoppelter Vocal entsteht meist, weil du deine Vocals gemischt hast, ohne zu hören, wie sie im Kontext mit dem Mix klingen. Hier kannst du spektrales Slotting nutzen, was im Grunde nur eine ausgefallene Art ist zu sagen: Schaffe Raum für deine Vocals und andere Instrumente, damit sie nicht kollidieren.

Vocals sollten nicht abgekoppelt vom Mix sitzen, sondern sich anfühlen, als wären sie mittendrin.

In den meisten Fällen entfernen wir den Tieftonbereich aus der gesamten Vocal-Kette, um Platz für andere Tieftonfrequenzen zu lassen, die mit dem Vocal kollidieren könnten, und Matschigkeit zu vermeiden.

Dann stellen wir sicher, dass die Lautstärkepegel richtig eingestellt sind, sodass der Vocal hörbar ist, aber sich in den Mix eingebettet anhört.

Als Nächstes nutzen wir gerne den Trick, die hohen Percussion-Elemente subtil zu sidechainen, wie Hi-Hats und Snares, zu unserem Vocal, sodass der Vocal jedes Mal leicht duckt, wenn hohe Percussion-Elemente vorhanden sind. Das lässt den Vocal meist sofort eingefügter im Mix anfühlen.

Eine weitere nützliche Technik ist, ein dynamisches Resonanzunterdrückungs-Tool wie TrackSpacer, Soothe 2 oder Smooth Operator zu nutzen, um Instrumente gegenseitig aus dem Weg zu sidechainen.

Im Sidechain-Modus verwendet, kümmern sich diese um kollidierende Frequenzen, indem sie sie auf Multiband-Basis gegenseitig aus dem Weg ducken.

Du kannst auch EQ auf all deinen Instrumenten nutzen, um Raum für deine Vocals auszuschneiden und sie besser sitzen zu lassen, aber das kann ein mühsamer Prozess sein.

13. Füge Reverb und Delay hinzu

Sobald du mit dem Mischen deines Vocals fertig bist, kannst du anfangen, Reverbs und Delays hinzuzufügen. Das ist ein komplett kreatives Unterfangen, aber es gibt ein paar Faustregeln, die du dir merken solltest.

Am wichtigsten: setze Reverb- und Delay-Plugins nicht direkt auf deinen Vocal-Kanal. Du hast gerade viel Zeit damit verbracht, deinen Vocal in den Mix einzufügen – wenn du jetzt Reverb oder Delay in die Kette einfügst, verwäschst du nur all die gute Arbeit, die du gemacht hast.

Setze deine Reverbs und Delays auf eine Send-Spur. So fügst du Reverb und Delay auf den Vocal obendrauf, statt ihn auszuwaschen! Sehr oft sind Plate-Reverbs perfekt für Vocals, also empfehlen wir, zuerst mit ein paar Plate-Presets herumzuspielen.

Das Decay-Zeit hängt wirklich vom Stil ab , den du anstrebst, und vom Kontext des Vocals. Spiele mit den Einstellungen herum, bis du etwas findest, das zum Rest deines Tracks passt. Wir mögen meist etwa 2–3 s Decay auf Vocals, aber das ist nicht für alle Fälle gleich.

Beim Delay kannst du einige Vocal-Doubling-Techniken nutzen, um deinem Vocal zusätzliche Breite und Tiefe zu geben. Indem du ein 1/16- bis 1/32-Noten-Echo oder Delay auf einer parallelen Kette nutzt (wie bei der Kompression), kannst du das Echo in niedriger Lautstärke einmischen und deinen Vocals einen gewissen Punch geben.

Subtiles, kreatives Delay kann auch mit längerer Delay-Zeit genutzt werden, um dem Sound Ambiente zu geben. Wie beim Reverb hängt das vom Kontext ab und davon, was zum Track passt.

TIPP: Wenn du Reverbs oder Delays auf eine Send-Spur setzt, stelle sicher, dass du den Mix-Regler ganz auf Wet stellst, damit du dein Originalsignal nicht doppelst!

14. Füge noch mehr Lautstärke-Automation hinzu

Das Letzte, was wir tun, ist eine weitere Stufe der Lautstärke-Automation. Das sollte erst gemacht werden, wenn der gesamte Mix fertig ist! Bevor du zum Mastering übergehst, gehe den Vocal noch einmal durch und automatisiere die Lautstärke des Kanals, um den Vocal im Kontext mit dem Mix auszugleichen.

Zum Beispiel wird in Refrain-Teilen die Instrumentierung lauter, und du musst die Lautstärke deines Vocals nach oben automatisieren, damit er im Mix präsent bleibt.

Das ist die letzte Qualitätssicherung, um sicherzustellen, dass dein Vocal über den gesamten Track hinweg auf genau dem Pegel sitzt, den du haben willst.

Zusammenfassung

Vocal-Mixing zu meistern ist ziemlich schwierig. Egal ob du Anfänger oder erfahrener Profi bist – du hörst nie auf zu lernen, und du wirst immer neue Tricks und Techniken finden, die du auf deine Vocal-Ketten anwenden kannst.

Außerdem kann es sein, dass du entscheidest, dass nichts davon für dich funktioniert, und deinen eigenen Weg findest, Vocals zu mischen. Das Wichtigste ist, dass wir weiterhin Musik machen und sie mit jedem Versuch besser und besser klingen lassen!

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