Cómo mezclar voces

Cuando se trata de mezclar, una de las cosas más difíciles de dominar es la mezcla de voces. Las voces pueden ser complicadas de encajar en mezclas densas, y tendrás que trabajar para conseguir un gran tono vocal.

Dicho esto, la mezcla de voces puede ser muy divertida y creativa, ¡así que no tengas miedo de abordar las voces desde cero! En este artículo te mostraremos exactamente cómo mezclar tus voces como un profesional.

1. Consigue una buena grabación

Lo más importante que debes recordar de este artículo es que ninguna cantidad de mezcla puede arreglar una mala grabación, y nada supera conseguir una grabación excelente.

Si empiezas con una grabación vocal impresionante, no tendrás que hacer casi nada. De hecho, muchas de las "mejores" interpretaciones vocales de la historia apenas están procesadas. Dicho esto, una grabación vocal perfecta debe cumplir muchos requisitos, y es bastante raro conseguir una grabación vocal perfecta.

Como ingeniero de mezcla, necesitarás saber cómo lidiar tanto con grabaciones malas como con las excelentes, para que puedas ser flexible y sacar el máximo provecho de cualquier trabajo que te envíen los artistas.

Sin embargo (si puedes), dedica una hora extra al grabar para hacerlo bien: te puede ahorrar horas durante la mezcla.

2. Aplica automatización de ganancia para nivelar tus voces

No importa lo buenos que sean, ningún vocalista puede ajustar perfectamente su tono, volumen y energía para darte una grabación consistente y nivelada.

Así que, para empezar a mezclar voces, necesitarás aplanar la toma y hacerla lo más uniforme en volumen posible.

Esto significa asegurarte de que la voz alcance las mismas amplitudes durante toda la grabación, de modo que ninguna parte sea más alta que otra. Normalmente puedes hacer esto automatizando la ganancia de tu clip de audio. Lo mejor es seleccionar un punto medio entre tus frecuencias altas y bajas.

Baja las partes más altas mientras subes las partes bajas, hasta llegar a ese punto medio donde suenan consistentes en volumen. De esta manera haces el ajuste mínimo posible, pero aun así consigues una señal más uniforme.

La automatización de ganancia es importante para aplicar procesamiento de dinámica un poco más adelante, pero también añadiremos otra etapa de automatización que ayudará a que las voces encajen mejor con el resto de la pista. Al principio, simplemente escucha tus voces en solo e intenta que suenen más uniformes.

¿Qué hago con múltiples voces?

Digamos que estás trabajando con un rapero o alguien a quien le gusta cantar armonías o sobregrabaciones. Seguramente terminarás con muchas pistas vocales que luego tendrás que reensamblar en un sonido cohesivo.

Esto puede ser bastante difícil, pero es factible. El clave para hacer que diferentes tomas encajen es la panorámica y el EQ. Si todas tus pistas vocales suenan igual, necesitarás introducir algunas diferencias para permitir que destaquen, evitar choques de frecuencias y también sonar cohesivas.

Un buen truco para hacer que la voz principal sea el centro de atención es usar un plugin de saturación para añadir más saturación que al resto de tus tomas vocales. Esto le da un sonido más áspero y con más presencia, que corta mejor a través de la mezcla. Cosas como la saturación de válvulas suenan genial en voces y te recomendamos experimentar con eso.

Otro truco genial que nos gusta usar es jugar con la dinámica vocal. Por ejemplo, en lugar de usar una voz principal enérgica al frente, haces que una voz sutil y calmada sea el punto focal, mientras mezclas la energía con la principal en el fondo.

Esto puede crear un contraste interesante para tus voces, y solemos probarlo cada vez que queremos hacer la mezcla más emocionante.

3. Limpia y afina la toma

Antes de moldear una sola frecuencia, elimina lo que no forma parte de la interpretación. Pon la voz en solo y escucha de principio a fin buscando clics, chirridos de silla, sangrado de auriculares, ruidos de boca y las plosivas que pasaron el filtro antipop, luego revisa tus ediciones otra vez en la mezcla. Parte de lo que resalta en solo nunca fue molesto en contexto.

Baja los problemas con clip gain y corta solo lo que debe desaparecer por completo. Aplica fades cortos en los límites de edición expuestos, o la edición misma se convierte en el clic que intentabas eliminar. Una plosiva a menudo necesita un pase-alto o reparación espectral en lugar de solo bajar el nivel.

No borres cada respiración. Las respiraciones son lo que hace que una voz suene humana, y una toma sin ellas suena ensamblada en lugar de cantada. Baja las que distraen de la letra y deja el resto.

Un noise gate limpia rápido el silencio entre frases, pero es una herramienta tosca. Si ajustas el threshold muy alto, se traga los finales de palabras y las consonantes suaves que hacen inteligible la letra. Un gate tampoco hace nada contra un zumbido constante, porque el ruido sigue ahí cada vez que el gate se abre. Para eso necesitas una herramienta dedicada de de-hum o reparación espectral.

Corrección de tono

Afina la voz aquí, antes del EQ, compresión, saturación, reverb y delay. La corrección de tono rastrea una señal dry limpia más confiablemente que una ya cubierta de efectos, y todo lo que viene después debe responder a la interpretación corregida.

Melodyne, Auto-Tune Pro y Waves Tune hacen ambos trabajos: edición gráfica nota por nota cuando unas pocas notas necesitan moverse, y corrección automática en toda la toma cuando la interpretación es sólida en general. Para corrección automática, ajusta primero la tonalidad y la escala, luego revisa la canción por notas prestadas que caen fuera de ella, o el plugin las arrastrará a donde la canción nunca va.

La velocidad de retune es el control que más decide si alguien lo nota. Un retune lento corrige donde la nota se asienta y deja pasar el vibrato y los deslizamientos del cantante. Un retune rápido o a cero ajusta cada nota instantáneamente, y ese es el sonido que la gente identifica cuando dice que una voz está autotuneada. La cantidad de corrección y los controles de vibrato y transición también importan, así que comienza lento y acelera solo hasta que las notas molestas dejen de serlo. Ambos extremos del rango son válidos, solo asegúrate de elegir uno.

La corrección de tono corrige el tono. No corregirá el timing, una interpretación débil o una melodía equivocada, y una mala toma fuertemente corregida sigue sonando a mala toma. Si tienes otra toma, úsala.

4. Usa EQ quirúrgico para eliminar resonancias

Una vez que hayas nivelado la ganancia de tu pista, necesitarás empezar a prestar atención a las frecuencias individuales.

Las frecuencias problemáticas son algo que puede arruinar fácilmente una mezcla vocal, así que dominarlas puede ser clave para conseguir una gran mezcla. Aunque no es algo del 100% todo el tiempo, necesitarás hacerlo más veces de las que no, así que ganarás mucho si aprendes cómo lidiar con la resonancia.

Existen herramientas, como Soothe 2, diseñadas para este propósito exacto, ¡pero es muy útil saber cómo hacerlo manualmente!

La parte más difícil de hacer esto manualmente es escuchar. Necesitas poder oír los problemas en tu audio, así como localizarlos, para poder hacer algo. Esto viene con el tiempo, ¡así que no te preocupes si no lo consigues al principio!

Si eres nuevo en la producción, una buena idea es hacer algo de entrenamiento auditivo para aprender a localizar frecuencias más instantáneamente.

Para localizar frecuencias problemáticas, tendrás que reproducir tus voces y empezar a escuchar cualquier parte del espectro de frecuencias que suene demasiado potente o excesivamente resonante.

Luego, usando un EQ gráfico (nosotros usamos Pro-Q 4), recorrerás el espectro de frecuencias y pondrás en solo frecuencias individuales hasta que encuentres la resonancia problemática.

Esto es más fácil de hacer si creas una curva de campana estrecha con +10dB de ganancia y la pones en solo. Entonces podrás barrer todo el espectro de frecuencias mientras escuchas la frecuencia resonante. Esto sonará horriblemente molesto y difícil de escuchar, y sabrás cuándo la has encontrado.

Una vez que hayas localizado tu frecuencia, baja tu curva de campana de -1 a -4 dB. Esto ayudará a reducir la resonancia de tu toma vocal. Asegúrate de no cortar demasiado, o tu voz puede empezar a sonar muy apagada y sin inspiración.

Haz esto para todas las frecuencias problemáticas que puedas oír. También puedes usar EQ dinámico para resonancias excesivamente problemáticas que arruinan la grabación cuando se eliminan. El EQ dinámico te permite eliminar la resonancia, pero aun así mantenerla en la voz.

5. Aplica EQ musical a las voces

Después de haber nivelado y ecualizado tus voces, ahora puedes empezar a moldear tu voz, comenzando con EQ musical.

Así que abre otro EQ en tu voz y úsalo para moldear la calidad tonal. Lo que hagas en esta etapa depende completamente del tipo de vocalista, grabación, etc., así que no tomes lo que hacemos como algo inamovible: esto es simplemente una guía para mostrarte cómo pensamos y cómo lo abordamos.

Recortando graves

Hay algunos pasos generales que puedes seguir que te llevarán a un buen punto para tu voz, empezando con un recorte de graves.

Elimina hasta 60-80Hz del extremo grave con un filtro pase-alto. Esto asegurará que no dejes pasar ningún grave no deseado.

Tratamiento del efecto de proximidad y turbidez

A continuación, debido al efecto de proximidad, siempre que tu vocalista esté muy cerca del micrófono, puedes empezar a obtener algunas plosivas turbias y retumbantes alrededor de 200Hz-500Hz.

Para ayudar con esto, normalmente nos gusta usar un filtro de campana ancha filtropara quitar alrededor de 1 a 1.5dB de la señal aquí.

Añadiendo presencia y aire

La presencia y el aire son muy importantes para una voz, y aseguran que lo que estás escuchando suene claro. La presencia está en el rango de 3-5kHz para las voces, que es el rango de frecuencias más sensible para el oído humano.

Sube esto si tus voces se sienten un poco perdidas en la mezcla

El aire son las altas frecuencias en tu voz, esto aporta brillo y carácter a una voz, así que si quieres un sonido más "cristalino", haz un ajuste sutil aquí. Asegúrate de no exagerar, o tu voz empezará a sonar muy áspera.

Por último, nos gusta recortar nuestras voces alrededor de 17-18kHz, dependiendo de la fuente. No queremos dejar pasar ninguna frecuencia más allá de este punto, porque ya no hay más voces ahí, solo ruido y artefactos sónicos no deseados.

En este punto, prácticamente has terminado con el EQ. Asegúrate de escuchar tu voz y compararla con A-B, para oír exactamente lo que estás haciendo y verificar si es una mejora del original o no.

6. Aplica de-essing para eliminar la sibilancia

Siempre que trabajas con voces, es inevitable encontrarte con plosivas y sibilancia. Estos son sonidos que aparecen naturalmente en el lenguaje, las plosivas son las p's, b's, y la sibilancia son las s y c ásperas.

Mientras nos ocupamos de las plosivas con EQ, la sibilancia debe tratarse por separado, con un de-esser.

Los de-essers son controladores de dinámica súper simples que domestican los sonidos de 's' en tu voz, haciéndolos sonar menos ásperos y más redondeados.

Los de-essers son una parte importante en la mezcla vocal, y van en casi todas las voces que tocamos. Los de-essers normalmente tienen solo un par de controles, y la mayoría de los DAWs vienen con uno por defecto, así que no hay razón para no utilizarlos.

Tendrás que jugar con los ajustes de un de-esser para obtener el máximo beneficio. Funciona mejor cuando puedes poner en solo el audio que estás eliminando. Entonces podrás barrer y aplicar el área de procesamiento al área de ancho de banda correcta que te está causando problemas.

Normalmente, las frecuencias problemáticas se encuentran entre 4-8kHz. Asegúrate de que al aplicar de-essing, no te excedas con el umbral, ¡o tu vocalista podría empezar a sonar como si tuviera un ceceo!

7. Añade compresión a tu voz

Para las voces en la música moderna, la consistencia en el volumen es extremadamente importante. Aunque podrías pensar que mucha perfección podría llevar a una voz poco natural, en la mezcla, realmente no es así

Cuando intentamos tener tanto control como sea posible sobre la dinámica vocal, necesitamos usar diferentes herramientas y técnicas para lograrlo. (Esta es la razón por la que automatizamos la ganancia en nuestra voz, antes de hacer cualquier otra cosa)

Después de esto, para obtener un control dinámico más preciso, usamos compresión. La compresión no solo te da ese control dinámico sino que también te permite realzar y moldear el tono de tu voz.

La cantidad de control que necesitarás en tu dinámica depende completamente del género. Mientras que puede que necesites tener una voz más procesada y controlada para música electrónica, pop y hip hop, para estilos como rock y jazz, necesitas abordar la compresión con más equilibrio.

Los géneros íntimos como el jazz sonarán raros instantáneamente cuando haya procesamiento notable, lo que restará experiencia. El rock, por otro lado, necesita una voz más enérgica y comprimida, con mucho cuerpo y menos agudos.

Así que empecemos configurando nuestro compresor, comenzaremos con el FabFilter Pro-C2 como nuestro compresor base, y pasaremos a compresores más característicos más adelante.

Dependiendo del audio, pondremos el compresor antes o después del EQ tonal, pero asegúrate de tener tu de-esser después de cualquier compresión que tengas en tu cadena.

Para poder utilizar completamente tu compresor, necesitarás tener un objetivo en mente. ¿Qué intentas hacer con este compresor?

En este caso, abordaremos la primera etapa de compresión con un toque ligero, moldeando sutilmente el tono vocal y añadiendo un poco de control dinámico para suavizar los picos vocales. No estamos intentando exprimir los transitorios aquí, así que usaremos un ataque y release lentos. En nuestro caso, estamos usando 25ms en nuestro tiempo de ataque, y 40ms en el tiempo de release.

Ahora, ajusta tu umbral para que el compresor se active en cada palabra de tu voz. Esto te dará una característica de compresión muy cohesiva en toda la voz.

Por último, ajusta una ratio muy baja, para que no estés aplicando más de 3dB de reducción de ganancia.

Esto asegura que solo estamos afectando ligeramente la voz, y dándole más tono y control, ¡lista para una compresión más característica!

8. Usa compresión en serie

Los géneros más sutiles estarán bien con solo un poco de control dinámico en tu voz, pero para géneros que requieren procesamiento más pesado, usaremos múltiples compresores en serie.

Por eso vamos a complementar nuestra etapa de compresión inicial con un par de compresores más característicos. Los compresores característicos normalmente tienen un cierto tono que le dan a la señal, lo que puede añadir mucho carácter a tus voces.

Nuestra combinación favorita (y probablemente la de todos) de compresores vocales es el 1176 seguido de un LA-2A.

Esta es probablemente una de las cadenas de compresión vocal más utilizadas en la música moderna, y por una buena razón: suena increíble.

En nuestro caso, estamos usando el pack de compresores Waves CLA, que tiene emulaciones de ambos compresores, pero puedes encontrar otras versiones.

Para nuestro 1176, usaremos el CLA-76 Mono, y el CLA-2A Mono para la emulación del LA-2A.

1176

El CLA-76 es un compresor FET, lo que significa que puede ser muy rápido y agresivo. El 1176 es otro compresor FET y es amado por los ingenieros porque puede mejorar prácticamente cualquier sonido que le eches.

Para nuestra voz, empezaremos seleccionando una ratio de 4:1 (puedes subir más para obtener más carácter y energía). El CLA-76 también tiene una función que es la ratio "ALL", que proviene de ingenieros de audio que literalmente intentaban presionar todos los botones de ratio al mismo tiempo.

La ratio "All" tiene una sensación muy agresiva y enérgica y puede ser genial para obtener una voz muy controlada y con carácter.

Después de haber ajustado la ratio a 4:1, querrás ajustar un ataque lento y un release rápido. Esto depende completamente de la voz, así que tendrás que saber cómo ajustar los tiempos de release del compresor.

El perilla de entrada del CLA-76 es también el umbral, así que súbela hasta que empieces a ver alrededor de 3-5dB de reducción de ganancia.

Luego, ajusta la perilla de salidapara compensar cualquier ganancia añadida o perdida.

LA-2A

Usaremos el LA-2A para suavizar la voz después del 1176, lo que resultará en una voz mucho más controlada y cohesiva.

El LA-2A es famoso por tener una característica de compresión cálida, gorda y suave. Tanto la unidad de hardware original como las versiones del CLA-2A pueden subirse bastante, mientras permanecen musicales y añaden una distorsión agradable a la señal.

Para nuestros propósitos, usaremos el CLA-2A para nuestra última etapa principal de compresión, así que lo usaremos para subir sutilmente las voces a casi exactamente donde queremos que estén.

El LA-2A es una unidad muy simple de usar, que solo tiene dos controles principales, una perilla de ganancia y de reducción de picos. También puede funcionar tanto como limitador como compresor. Para nuestros propósitos, lo estamos usando en modo compresión.

Sube la "Reducción de picos" hasta que estés alcanzando alrededor de 2-3dB de reducción de ganancia, y luego ajusta tu ganancia para compensar cualquier ganancia añadida o perdida.

9. Añade compresión paralela a tu voz

La compresión paralela es muy diferente de lo que hemos hablado hasta este punto. En lugar de intentar ser sutil y controlada, la compresión paralela es donde puedes divertirte muchísimo y realmente machacar la señal. No siempre necesitas tener compresión paralela, puede ser una técnica situacional, pero mejora prácticamente todo lo que toca.

Digamos que tienes una voz muy limpia y agradable: quieres conservar el tono limpio y sin comprimir de la voz, pero sin bastante compresión, se pierde en la mezcla y simplemente suena mal en contexto.

Aquí es cuando la compresión paralela puede ser tu salvación. En lugar de comprimir nuestra voz, vamos a añadir señal comprimida encima. Para decirlo más simplemente, solo vamos a añadir el carácter y el tono de la compresión encima de tu voz, para que puedas tener lo mejor de ambos mundos.

En el compresor, querrás ajustar un umbral muy bajo, ratio alta y ataque y release rápidos : esencialmente quieres machacar el compresor tan duro como puedas. Esto crea un sonido contundente y compacto que luego se mezcla con la señal original.

Luego, enrutas tu voz al envío (como se explicó arriba), y usas los faders para mezclar la compresión paralela con la toma vocal original.

¡Asegúrate de usar un compresor con carácter para la compresión paralela! Esto le dará mucho más tono y carácter, que es exactamente por qué quieres usarlo.

10. Aplica saturación a tu voz

Si a estas alturas tu voz todavía no tiene suficiente presencia y cuerpo, puedes recurrir a la saturación. Una cantidad sutil de saturación puede dar toneladas de energía a una voz, y hacer que corte a través de la mezcla como mantequilla. La saturación debe usarse con bastante moderación después de que ya hayas hecho toneladas de compresión a tu voz.

En nuestro caso, nos falta un poco de calidez y cuerpo en nuestra voz, así que intentaremos añadirlo de vuelta con algo de saturación.

Usaremos el SoundToys Decapitator ya que es nuestro plugin de saturación favorito, pero si estás haciendo lo mismo, ten cuidado de no exagerar. Decapitator hace honor a su nombre, así que lo usaremos muy sutilmente.

Hemos ajustado Decapitator en el modo E, que está modelado después de las consolas Chandler EMI, y tiene toneladas de calidez en los graves, con agudos sedosos y limpios.

Luego, ajustaremos el Drive, para que solo estemos impulsando la voz un poquito, añadiendo solo el carácter del plugin, en lugar de cualquier distorsión. Y, si quieres obtener más tono del plugin, sube el drive más alto y baja el nivel de mix, esto resulta en un efecto casi de saturación paralela.

La clave con la saturación es la sutileza, ¡y no queremos arruinar nuestra voz hacia el final de la mezcla!

11. Aplica limitación para subir los niveles de tu voz

Un limitador será lo último que añadas a tu cadena de dinámica. Aunque no siempre es necesario, un limitador nos da una forma muy limpia de controlar los picos de la señal, así como hacerla más fuerte. Normalmente dejamos un limitador después de nuestra compresión y saturación, en caso de que necesitemos obtener más volumen o atrapar algunos picos que de alguna manera hayan pasado a través de la compresión.

Si estás intentando que tu voz sea lo más plana y comprimida posible, también puedes usar un limitador para recortar todos los picos y nivelar completamente la voz. Esto empezará a sonar poco natural pero puede ser muy adecuado para géneros de música más procesados.

Juega con los ajustes de tu limitador y asegúrate de no exagerar. La limitación puede distorsionar y comprimir el audio horriblemente si se hace mal.

12. Usa distribución espectral para crear cohesión

Después de haber seguido los pasos anteriores, tu mezcla vocal está prácticamente lista. Sin embargo, lo que puede pasar en este punto es que la voz puede estar tan presente y llena, que en lugar de mezclarse con el resto de la pista, tu voz se sienta encima de todo lo demás.

Una voz desconectada generalmente se debe a que has mezclado tus voces sin escuchar cómo suenan en contexto con la mezcla. Aquí es donde puedes usar la distribución espectral, que es esencialmente solo una forma elegante de decir: crea espacio para que tus voces y otros instrumentos se ubiquen, para que no choquen.

Las voces no deben estar desconectadas de la mezcla y deben sentirse como si estuvieran en medio de ella.

En la mayoría de los casos normalmente eliminamos el extremo grave de toda la cadena vocal, para dejar espacio para cualquier otra frecuencia grave que pueda chocar con la voz, evitando la turbidez.

Luego, nos aseguraremos de que los niveles de volumen estén ajustados correctamente, para que la voz sea audible, pero suene incrustada en la mezcla.

Siguiente, un truco que nos gusta usar es aplicar sutilmente sidechain a los elementos de percusión agudos, como hi-hats y cajas, a nuestra voz, para que la voz se atenúe ligeramente cada vez que haya elementos de percusión agudos presentes. Esto normalmente hace que la voz se sienta más asentada en la mezcla casi instantáneamente.

Otra técnica útil es usar una herramienta de supresión dinámica de resonancia como TrackSpacer, Soothe 2 o Smooth Operator para hacer sidechain de instrumentos fuera del camino de los demás.

Usadas en modo sidechain, estas se encargarán de las frecuencias que chocan atenuándolas fuera del camino de las demás sobre una base tipo multibanda.

También puedes usar EQ en todos tus instrumentos para esculpir espacio para tus voces y hacer que se asienten mejor, pero esto puede ser un proceso laborioso.

13. Añade reverb y delay

Una vez que hayas terminado de mezclar tu voz, puedes empezar a añadir reverbs y delays. Esto será una tarea completamente creativa, sin embargo, hay algunas reglas generales que necesitarás recordar.

Más importante, no pongas plugins de reverb y delay directamente en tu canal vocal. Acabas de pasar mucho tiempo haciendo que tu voz encaje en la mezcla, así que añadir reverb o delay en la cadena solo lavará todo el buen trabajo que has hecho.

Asegúrate de poner tus reverbs y delays en una pista de envío. ¡Esto añadirá el reverb y el delay encima de la voz, en lugar de lavarla! Muchas veces los reverbs de placa son perfectos para las voces, así que recomendamos jugar con algunos presets de placa primero.

El tiempo de decaimiento realmente depende del estilo que buscas y del contexto de la voz. Juega con los ajustes hasta que consigas algo que encaje con el resto de tu pista. Normalmente nos gusta alrededor de 2-3s de decaimiento en las voces, pero no es un escenario único para todos.

Para el delay puedes añadir algunas técnicas de doblaje vocal para añadir ancho y profundidad extra a tu voz. Usando un eco o delay de 1/16 – 1/32 de nota en una cadena paralela (como con la compresión), puedes mezclar el eco a bajo volumen y dar cierto impacto a tus voces.

Un delay creativo subyacente también puede usarse en un marco de tiempo de delay más largo para dar ambiente al sonido. Como con el reverb, esto depende del contexto y de lo que suene bien con la pista.

TIP: Cuando pongas reverbs o delays en una pista de envío, asegúrate de tener el control de mix completamente en wet, ¡para que no estés duplicando tu señal original en absoluto!

14. Añade algo más de automatización de volumen

Lo último que haremos será otra etapa de automatización de volumen. ¡Esto debe hacerse solo después de que toda la mezcla esté terminada! Antes de pasar al mastering, repasa la voz de nuevo y automatiza el volumen del canal, para nivelar la voz, en contexto con la mezcla.

Por ejemplo, en las secciones de estribillo, la instrumentación se volverá más fuerte y tendrás que automatizar el volumen de tu voz hacia arriba para que pueda permanecer presente en la mezcla.

Es el último control de calidad para asegurarte de que tu voz esté en el nivel exacto que quieres que esté, a lo largo de toda la pista.

Para terminar

La mezcla vocal es algo bastante difícil de dominar. Ya seas principiante o un profesional experimentado, nunca dejas de aprender, y siempre seguirás encontrando nuevos trucos y técnicas para aplicar a tus cadenas vocales.

Además, podrías decidir que nada de esto funciona para ti, y crear tu propia forma de mezclar voces. ¡Lo importante es que continuemos haciendo música y haciéndola sonar mejor y mejor con cada intento!

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