¿Qué Tan Alto Deben Estar las Voces en una Mezcla?

Pregúntale a diez ingenieros de mezcla qué tan alta debe estar la voz y obtendrás diez respuestas, y la mayoría no será un número en dB. El nivel vocal es una relación, no una lectura de medidor: se ajusta en función de la batería, el bajo y los instrumentos, y se mueve a lo largo de la canción.

Esta guía te da primero la respuesta corta y luego las decisiones detrás de ella: dónde referenciar la voz, cómo el EQ y la compresión le crean espacio, cuándo automatizar, y cómo verificarla en monitores, auriculares y un teléfono antes de dar por terminada la mezcla.

¿A Cuántos dB Deben Estar las Voces en una Mezcla?

Así de alto deben estar tus voces en una mezcla:

¿Qué Tan Alto Deben Estar las Voces en Comparación con la Instrumentación?

Como muchas cosas en el mundo de la producción musical, no hay una respuesta concreta a la pregunta de qué tan alto deben estar las voces en tu mezcla.

La voz es el instrumento que inevitablemente captará más atención de tus oyentes, en comparación con el bajo o la guitarra. Como humanos, hemos evolucionado para buscar patrones humanos en todo, ya sean voces, rostros o cualquier otra cosa, por eso somos hipersensibles a ellos.

Esto significa que si tu voz está muy atrás, escuchar tu canción puede volverse molesto para los oídos, ya que tu cerebro intentará captar lo que está haciendo la voz. Esto desvía el foco de la canción completa y fuerza a tu cerebro a intentar descifrar las voces.

Por otro lado, una voz demasiado prominente en la mezcla arrasará con tu canción, y de nuevo, tu oyente tendrá dificultades para enfocarse en el resto de la mezcla.

No es blanco o negro, haz esto o haz aquello. Entran en juego muchos factores, incluyendo: el género y estilo, así como la decisión artística, todos juegan un papel enorme en tus decisiones de mezcla vocal.

Género

El factor más grande en dónde se ubicarán tus voces es el género o vibra de la canción que estás buscando.

A veces una canción pedirá voces enterradas en la mezcla, mientras que otras necesitarán que las voces dominen el resto. Tomar esta decisión es finalmente cosa tuya, pero la pregunta sigue en pie: ¿qué tan alto deben estar tus voces en comparación con el beat?

Como punto de partida, tu voz debe estar más alta, o más enfocada, que la instrumentación, mientras queda un poco por debajo de los canales de batería. Este tipo de enfoque normalmente resulta en un buen balance en tu mezcla, sin embargo, diferentes géneros requieren diferentes enfoques.

Un tema EDM necesitará balance entre tus voces, sintes y otros instrumentos, mientras que un tema acústico de cantautor pondrá las voces al frente y en el centro.

Aunque hay decisiones que tomarás guiado por el género o estilo en el que estás trabajando, recuerda que la decisión es finalmente tuya. Si la canción pide voces enterradas, hazlo, si pide gritos distorsionados que acaparen las frecuencias, hazlo, sirve a la canción, no a la técnica.

Decisión Artística

Aunque el género tiende a ser un factor más grande, la decisión artística es la más importante. Después de todo, quieres hacer música única, ¿no?

Cuando normalmente no quieres que tus voces suenen desconectadas de la canción, o enterradas en la mezcla, a veces, eso es exactamente lo que quieres hacer.

Podemos usar los aspectos negativos de estas decisiones a nuestro favor. En una mezcla estándar, intentarías alejarte de las voces enterradas, porque atraen demasiada atención cercana a una parte de tu mezcla a la que no quieres que se le preste atención.

Sin embargo, dado que las voces más bajas avivarán un poco los oídos del oyente, podemos usarlas como una forma de crear energía. Una de nuestras canciones favoritas hace esto perfectamente. El increíble productor brasileño Marcioz usa esta técnica exacta en su tema, "Mate Um Bonito Hoje Mesmo".

Antes de la parte principal de la canción, Marcioz inserta una voz baja, separada de todo lo demás en la mezcla. La voz está al fondo de la mezcla y sirve para bajar tu umbral percibido de volumen.

En términos más simples, pasar de una voz más baja a una parte fuerte y dinámica crea una transición extremadamente poderosa y dinámica. La voz baja sirve para aumentar la energía de todo el coro/drop.

Dicho esto, estas decisiones solo pueden tomarse cuando sabes lo que estás haciendo. Saber qué es "correcto" te ayudará a romper las reglas de manera informada, llevando a música más única.

Para continuar con esta saga de mezcla vocal, veamos cómo puedes hacer que tus voces destaquen en una mezcla.

¿Cómo Mezclan Sus Voces los Profesionales? (Pasos Rápidos):

Pasos comunes para mezclar voces profesionales que destacan:

1. Graba tus voces correctamente con un buen micrófono, buen tratamiento acústico, etc.
2. Ecualiza tu señal de audio para resaltar elementos y eliminar sonidos desagradables.
3. Usa compresores para pegar las voces a tu pista.
4. Referencia las voces en mono.
5. Reverb, Delay, Echo. Para crear espacio y una sensación de inmersión para tus voces.

Aunque las listas rápidas como esa son útiles, probablemente quieras saber exactamente qué debes hacer para empezar a mezclar voces que destaquen. No te preocupes, estamos aquí para ayudar, así que empecemos con lo más importante en las voces: la grabación.

1. ¿Cómo Debo Grabar Mis Voces?

El paso más importante de cualquier producción vocal es la grabación del sonido en sí. Una mala grabación no se puede salvar con una buena mezcla vocal.

Entonces, ¿cómo consigues una buena grabación vocal?

Primero, está la configuración de grabación. Es necesaria la menor reflexión acústica posible, para obtener un sonido limpio y dry que esté listo para ser procesado.

El micrófono en este caso es probablemente el elemento más importante de tu configuración de grabación. Un mejor micrófono significa una mejor grabación, así de simple.

Nuestros micrófonos vocales favoritos son el Shure SM7B, así como el Electrovoice RE20.

No importa qué tan bueno sea tu micrófono, la interpretación vocal es la reina. Si tu intérprete no está acostumbrado a grabar, no importa qué calidad de micrófono uses, si tu intérprete no va a aprovecharlo completamente.

El problema más grande con intérpretes nuevos en un entorno de grabación es la energía. Es bastante fácil que los vocalistas den una interpretación apagada si su mezcla de auriculares no está bien. La mejor y más fácil manera de dar más confianza y energía a un vocalista es la reverb. Esta no es la reverb que usarás en la pista, puede que no quieras nada de reverb, entonces, ¿por qué deberías usar reverb?

Si pones una buena reverb en la mezcla de auriculares del vocalista, se escucharán a sí mismos "más lejos". Esto básicamente hace que tu vocalista, subconscientemente, cante con más energía y confianza.

En resumen, nunca envíes una mezcla vocal dry a tu intérprete, es la forma más fácil de obtener una interpretación débil.

Haz que se escuchen bien a sí mismos y dales una ventaja de confianza. Es algo muy estresante.

2. ¿Cómo Ajustas el EQ para las Voces?

Entonces ya tienes tu voz grabada. Tienes una gran interpretación, ahora, ¿cómo aprovechas eso?

Primero que todo, el EQ. Usamos el EQ, menos para dar forma al audio en las voces, y más para separación y claridad. Usando un EQ de precisión, como el FabFilter Pro-Q 4, necesitamos crear espacio para las voces, así como mejorar la claridad y eliminar frecuencias no deseadas.

Como dijimos antes, tus voces deben ubicarse en el punto medio entre tu batería e instrumentación. Para lograr esto, podemos hacer una serie de cortes en otros instrumentos, para crear espacio para nuestras voces.

El rango de frecuencias de 2.5-3.5kHz es la frecuencia más sensible banda para nosotros los humanos. Hemos evolucionado para escuchar este rango más prominentemente que otros porque un niño pequeño llora en esta frecuencia exacta. Con eso en mente, esta banda va a ser donde vivirán todo el foco y los transitorios principales de tu voz.

Crear una hendidura en la instrumentación en el rango de 2.5-3.5kHz creará un buen hueco sólido para que tus voces se ubiquen. De manera similar, el rango de 300-700 Hz es donde viven las frecuencias fundamentales de tu voz, así que despejar espacio en tu mezcla para estas frecuencias es una gran manera de lograr que tus voces se ubiquen perfectamente.

Por último, eliminar los graves innecesarios es necesario para mejorar la claridad y eliminar lo embarrado, mientras que domar las resonancias te ayuda a reducir cualquier aspereza en tu voz.

Por si necesitas un repaso, aquí está nuestra guía para arreglar la resonancia.

3. ¿Cómo Debo Comprimir las Voces?

La compresión vocal es menos directa que el EQ. Los ajustes para tus compresores siempre van a depender de tus mezclas.

En general, preferimos usar compresión media a ligera en nuestras voces lead, para preservar la mayor claridad y tono posible, mientras las pegamos con la mezcla. La compresión también ayuda a separar tus voces de los instrumentos y la batería.

También nos encanta usar una voz en capas, con compresión fuerte, para agregar densidad y un tono con textura a la voz general. Esto también se puede hacer con compresión paralela.

Por separado, los coros y cualquier otra capa vocal adicional que agregues necesitarán diferentes ajustes de compresión. Una canción que necesita más intensidad requerirá ajustes de compresión más fuertes en los coros y capas, mientras que una pieza más íntima y cruda requiere dinámicas más sutiles.

CONSEJO: No copies simplemente el mismo compresor a nuevas pistas, usa nuevos cada vez y repasa los pasos de compresión cada vez. No hay dos pistas iguales, y todo necesita un tipo diferente de compresión.

4. Usar Sidechain para Crear Espacio Vocal en una Mezcla Ocupada

Si realmente estás batallando para que tus voces destaquen más, puede haber momentos en que el EQ simplemente no sea suficiente.

Algo interesante para probar con las voces, si estás batallando para encajarlas, es el sidechain. Hacer sidechain de tus voces a tus acordes, o cualquier otro canal de instrumento, trae forzosamente las voces al frente.

Esto obviamente se puede hacer con un sidechain estándar, o automatización de ganancia, pero normalmente es mejor usar herramientas más sutiles al hacer ducking de buses o grupos de audio.

Nuestra forma favorita de hacer esto es con el plugin Trackspacer de WavesFactory.

Trackspacer toma una entrada de sidechain y hace ducking de las frecuencias exactas de tu audio, basándose en el audio de sidechain. En términos simples. Es como un EQ dinámico multibanda, con una entrada de sidechain.

Pon un Trackspacer en un bus de instrumentos. Normalmente, son los sonidos armónicos más ricos (guitarra, piano, etc.) los que sobrepasan tu voz. Hacer sidechain de tus voces a ellos creará espacio, sin interrumpir el sonido original de los instrumentos. También introducirá dinámicas interesantes en ganancia y ayudará a que tu mezcla pegue bien.

Si no tienes Trackspacer, puedes lograr un resultado similar haciendo sidechain a un compresor multibanda, y seleccionando las bandas de frecuencia manualmente.

CONSEJO: Hacer sidechain de tu tarola a tu voz también puede ayudar a controlar tus voces y pegarlas mejor en tus mezclas.

5. ¿Qué Reverb Deberías Usar en las Voces?

Qué reverbs uses depende completamente de tu estilo musical, así como de la decisión artística. La reverb puede tender a ser extremadamente subjetiva la mayor parte del tiempo, así que decir con seguridad qué está bien y qué no, está más allá del alcance de este artículo.

Sin embargo, las cosas principales son bastante concretas. Si quieres un sonido vocal más claustrofóbico y en-tu-cara , una reverb de cuarto pequeño será perfectamente desorientadora.

Si buscas algo más exuberante, y que tu reverb ponga una manta para las voces, ve por una reverb de sala grande o plate.

Adicionalmente, las reverbs shimmer pueden traer mucho brillo agradable a tus voces.

6. ¿Debería Usar Echo en las Voces?

Respuesta corta, sí deberías. Pero OH ESPERA, ¿qué es esa explicación más matizada que viene? ¿Quién lo hubiera pensado?

Los ecos se pueden usar de varias formas diferentes, para hacer que tus mezclas vocales suenen más espaciales o proporcionen más anchura y profundidad.

Los ecos rápidos se pueden usar para engañar al oyente haciéndolo pensar que has grabado muchos más overdubs de los que hay. Usar un eco pequeño de 1/64, y mezclarlo con tu voz original (en un bus), puede agregar mucha anchura y profundidad.

La anchura en las voces normalmente viene de hacer overdubs y colocarlos en capas por separado. Esto significa que tienes dos pistas que hacen lo mismo, con pequeñas diferencias musicales.

Esa es la razón por la que usamos el eco aquí. Agrega un buen grosor a nuestras voces y ayuda a que peguen mejor con el resto de la mezcla.

7. ¿Debería Usar Delay en las Voces?

La falta de inmersión en las voces normalmente viene de poder escuchar demasiado del cuarto de grabación. Enmascararlo tanto como sea posible, en el contexto de tu mezcla, es cómo crearás la mejor inmersión.

Los delays son increíbles cuando intentas llenar tu imagen estéreo y hacer el sonido más inmersivo. Piensa por ejemplo en grandes temas EDM, el delay ayuda a crear una sensación de espacio para las voces.

Automatizar tus delays también es excelente cuando quieres acentuar una parte en tu canción. Hacer que un delay crezca durante una sección B ayuda a crear movimiento en tu arreglo, así como crear la ilusión de un espacio grandioso para tus voces.

Resumen

Para recapitular: En general, tu nivel vocal debe estar por debajo de la batería, pero más alto que la instrumentación. Sin embargo, mezclar voces al estándar de un ingeniero de mezcla profesional requiere decisiones más matizadas que eso, para que tus voces se ubiquen bien.

Ahora que has llegado hasta aquí, esperamos que tengas al menos una idea general de cómo mezclar voces en tu música.

Es necesario decir que, como con todo en la música, la experimentación es clave para crear un sonido único. Sin embargo, antes de experimentar, necesitas tener un dominio sólido de los básicos para saber qué reglas romper, y cuáles seguir.

Una decisión informada siempre será mejor.