Comment mixer des voix

Quand il s'agit de mixage, l'une des choses les plus difficiles à maîtriser, c'est le mixage des voix. Les voix peuvent être difficiles à intégrer dans des mix chargés, et tu devras travailler pour obtenir un excellent timbre vocal.

Cela dit, le mixage vocal peut être très amusant et créatif, alors n'aie pas peur de t'attaquer aux voix depuis zéro ! Dans cet article, nous allons te montrer comment mixer tes voix comme un pro !

1. Obtiens un bon enregistrement

La chose la plus importante à retenir de cet article, c'est qu' aucun mixage ne peut rattraper un mauvais enregistrement, et rien ne vaut un excellent enregistrement de base.

Si tu pars d'un enregistrement vocal exceptionnel, tu n'auras presque rien à faire. En fait, beaucoup des « meilleures » performances vocales de tous les temps sont à peine traitées. Cela dit, un enregistrement vocal parfait doit cocher beaucoup de cases, et il est assez rare d'obtenir un enregistrement vocal parfait.

En tant qu'ingénieur de mixage, tu dois savoir comment gérer les mauvais enregistrements, ainsi que les excellents, pour être flexible et tirer le meilleur parti de tout ce que les artistes t'envoient.

Cependant (si tu le peux), passe une heure supplémentaire à l'enregistrement pour bien faire les choses – ça peut te faire économiser des heures lors du mixage.

2. Applique une automation de gain pour uniformiser tes voix

Peu importe à quel point il ou elle est bon(ne), aucun chanteur ne peut ajuster parfaitement son timbre, son volume et son énergie pour te donner un enregistrement uniformément nivelé.

Donc, pour commencer à mixer les voix, tu dois aplatir la prise et la rendre aussi uniforme en volume que possible.

Cela signifie s'assurer que la voix atteint les mêmes amplitudes sur l'ensemble de l'enregistrement, de sorte qu'aucune partie ne soit plus forte qu'une autre. Tu peux généralement faire ça en automatisant le gain de ton clip audio. Il est préférable de sélectionner un point médian entre tes fréquences fortes et moins fortes.

Baisse les parties les plus fortes, tout en remontant les parties douces, pour atteindre ce point médian où elles sonnent de manière cohérente en volume. De cette façon, tu fais un ajustement aussi minime que possible, tout en obtenant un signal plus uniforme.

L'automation de gain est importante pour appliquer un traitement de la dynamique un peu plus tard, mais nous ajouterons également une autre étape d'automation, qui aidera à mieux intégrer les voix au reste du morceau. Au début, écoute simplement tes voix en solo, et essaie de les rendre plus uniformes.

Que faire avec plusieurs pistes vocales ?

Disons que tu travailles avec un rappeur ou quelqu'un qui aime chanter des harmonies ou des overdubs. Tu vas inévitablement te retrouver avec beaucoup de pistes vocales que tu dois ensuite réassembler en un son cohérent.

Ça peut être assez difficile, mais c'est faisable. Le clé pour assembler différentes prises, c'est la panoramique et l'EQ. Si toutes tes pistes vocales sonnent pareil, tu dois introduire des différences pour leur permettre de se démarquer, éviter les conflits de fréquences et sonner de manière cohérente.

Une bonne astuce pour que la voix principale attire l'attention, c'est d'utiliser un plugin de saturation pour ajouter plus de saturation que sur le reste de tes prises vocales. Ça lui donne un son plus rugueux et plus incisif, qui perce mieux le mix. Des choses comme la saturation à lampes sonnent très bien sur les voix et nous te recommandons d'expérimenter avec ça.

Une autre astuce géniale que nous aimons utiliser, c'est jouer avec la dynamique vocale. Par exemple, au lieu d'utiliser une voix principale énergique au premier plan, tu fais d'une voix subtile et calme le point focal, tout en mélangeant l'énergie avec la principale en arrière-plan.

Ça peut créer un contraste intéressant pour tes voix, et nous avons tendance à l'essayer chaque fois que nous voulons rendre le mix plus excitant.

3. Nettoyer et corriger la prise

Avant de façonner la moindre fréquence, débarrasse-toi de tout ce qui n'est pas la performance. Écoute la voix en solo du début à la fin pour repérer les clics, les grincements de chaise, les fuites du casque, les bruits de bouche et les plosives qui ont échappé au filtre anti-pop, puis vérifie à nouveau tes éditions dans le mix. Certains détails qui ressortent en solo ne dérangeaient jamais dans le contexte.

Abaisse les éléments gênants avec le clip gain et ne coupe que ce qui doit disparaître complètement. Place de courts fondus sur les limites d'édition exposées, sinon l'édition elle-même devient le clic que tu voulais supprimer. Une plosive nécessite souvent un filtre passe-haut ou une réparation spectrale plutôt qu'une simple baisse de niveau.

Ne supprime pas toutes les respirations. Les respirations sont ce qui rend une voix humaine, et une prise dont elles ont toutes été retirées sonne assemblée plutôt que chantée. Baisse celles qui détournent l'attention des paroles et laisse les autres.

Un noise gate nettoie rapidement le silence entre les phrases, mais c'est un outil grossier. Si tu règles le seuil trop haut, il avale les fins de mots et les consonnes douces qui rendent les paroles intelligibles. Un gate ne fait aussi rien contre un bourdonnement constant, car le bruit est toujours là quand le gate est ouvert. Pour ça, il te faut un outil dédié de de-hum ou de réparation spectrale.

Correction de hauteur

Corrige la voix ici, avant l'EQ, la compression, la saturation, la reverb et le delay. La correction de hauteur suit un signal dry propre de façon plus fiable qu'un signal déjà couvert d'effets, et tout ce qui suit devrait réagir à la performance corrigée.

Melodyne, Auto-Tune Pro et Waves Tune font les deux : édition graphique note par note quand une poignée de notes doivent être déplacées, et correction automatique sur une prise entière quand la performance est globalement solide. Pour la correction automatique, règle d'abord la tonalité et la gamme, puis vérifie si le morceau contient des notes d'emprunt qui en sortent, sinon le plugin les traînera là où le morceau ne va jamais.

La vitesse de retune est le paramètre qui détermine le plus si quelqu'un le remarque. Un retune lent corrige là où la note se stabilise et laisse passer le vibrato et les glissements du chanteur. Un retune rapide ou instantané verrouille chaque note immédiatement, et c'est le son que les gens désignent quand ils disent qu'une voix est autotuned. Le taux de correction et les contrôles de vibrato et de transition comptent aussi, donc commence lent et accélère seulement jusqu'à ce que les notes gênantes cessent de l'être. Les deux extrêmes sont valides, assure-toi juste d'avoir choisi.

La correction de hauteur corrige la hauteur. Elle ne corrigera pas le timing, une interprétation faible ou une mélodie fausse, et une mauvaise prise lourdement corrigée sonne toujours comme une mauvaise prise. Si tu as une autre prise, utilise-la.

4. Utilise un EQ chirurgical pour retirer les résonances

Une fois que tu as uniformisé le gain de ta piste, tu dois commencer à prêter attention aux fréquences individuelles.

Les mauvaises fréquences peuvent facilement gâcher un mix vocal, donc les dompter peut être la clé pour obtenir un excellent mix. Bien que ce ne soit pas systématique à 100%, tu devras le faire plus souvent qu'autrement, donc tu gagneras beaucoup si tu apprends à gérer les résonances.

Il existe des outils, comme Soothe 2, qui sont conçus exactement pour ça, mais c'est très utile de savoir comment le faire manuellement !

La partie la plus difficile quand on le fait manuellement, c'est l'écoute. Tu dois être capable d'entendre les problèmes dans ton audio, ainsi que de les localiser, pour pouvoir faire quoi que ce soit. Ça vient avec le temps, donc ne t'inquiète pas si tu n'y arrives pas tout de suite !

Si tu es nouveau dans la production, une bonne idée est de faire un entraînement auditif pour apprendre à localiser les fréquences plus instantanément.

Pour localiser les fréquences problématiques, tu dois jouer tes voix et commencer à écouter toutes les parties du spectre de fréquences qui sonnent trop puissantes ou excessivement résonnantes.

Ensuite, en utilisant une EQ graphique (nous utilisons Pro-Q 4), tu parcours le spectre de fréquences et mets en solo les fréquences individuelles, jusqu'à ce que tu trouves la résonance gênante.

C'est plus facile à faire si tu crées une courbe en cloche serrée avec +10dB de gain et que tu la mets en solo. Tu peux ensuite balayer l'ensemble du spectre de fréquences tout en écoutant la fréquence résonnante. Ça sonnera horriblement agaçant et difficile à écouter et tu sauras quand tu l'auras trouvée.

Une fois que tu as localisé ta fréquence, abaisse ta courbe en cloche de -1 à -4 dB environ. Ça aidera à réduire la résonance de ta prise vocale. Assure-toi de ne pas trop couper cependant, sinon ta voix peut commencer à sonner très terne et sans inspiration.

Fais cela pour toutes les fréquences problématiques que tu peux entendre. Tu peux également utiliser une EQ dynamique pour les résonances trop problématiques qui gâchent l'enregistrement quand elles sont supprimées. L'EQ dynamique te permet de supprimer la résonance, tout en la gardant dans la voix.

5. Applique une EQ musicale aux voix

Après avoir nivelé et égalisé tes voix, tu peux maintenant commencer à sculpter ta voix, en commençant par l'EQ musicale.

Donc, ouvre une autre EQ sur ta voix, et utilise-la pour sculpter la qualité tonale. Ce que tu fais à ce stade dépend entièrement du type de chanteur, d'enregistrement, etc. donc ne prends pas ce que nous faisons comme parole d'évangile – c'est simplement un guide pour te montrer comment nous réfléchissons et procédons.

Atténuation des basses

Il y a quelques étapes générales que tu peux suivre, qui te mèneront à un bon point de départ pour ta voix, en commençant par une atténuation des basses.

Supprime jusqu'à 60-80Hz des basses avec un passe-haut. Cela garantira que tu ne laisses pas passer de basses indésirables.

Traitement de l'effet de proximité et du flou

Ensuite, à cause de l' effet de proximité, chaque fois que ton chanteur est très proche du micro, tu peux commencer à avoir des plosives sourdes et boursouflées autour de 200Hz-500Hz.

Pour remédier à cela, nous aimons généralement utiliser un filtre en cloche large filtre, pour retirer environ 1 à 1,5dB du signal ici.

Ajout de présence et d'air

La présence et l'air sont très importants pour une voix, et garantissent que ce que tu entends sonne clair. La présence se situe dans la plage de 3-5kHz pour les voix, qui est la plage de fréquences la plus sensible pour l'oreille humaine.

Remonte cette zone si tes voix se sentent un peu perdues dans le mix

L'air, ce sont les hautes fréquences dans ta voix, cela apporte de l'éclat et du caractère à une voix, donc si tu veux un son plus « cristallin », fais un ajustement subtil ici. Assure-toi de ne pas en faire trop, sinon ta voix commencera à sonner très dure.

Enfin, nous aimons atténuer nos voix autour de 17-18kHz, selon la source. Nous ne voulons pas laisser passer de fréquences au-delà de ce point, car il n'y a plus de voix là, juste du bruit et des artefacts sonores indésirables.

À ce stade, tu as pratiquement fini avec l'EQ. Assure-toi d'écouter ta voix et de faire un A-B, pour entendre exactement ce que tu fais, et vérifier si c'est une amélioration par rapport à l'original ou non.

6. Applique du de-essing pour éliminer les sibilantes

Chaque fois que tu travailles avec des voix, tu vas forcément rencontrer des plosives et des sibilantes. Ce sont des sons qui apparaissent naturellement dans le langage, les plosives ce sont les p, b, et les sibilantes ce sont les s et c durs.

Alors qu'on s'occupe des plosives avec l'EQ, les sibilantes doivent être traitées séparément, avec un de-esser.

Les de-essers sont des contrôleurs de dynamique super simples qui domptent les sons « s » dans ta voix, les rendant moins durs et plus arrondis.

Les de-essers sont une partie importante du mixage vocal, et se retrouvent sur presque toutes les voix que nous touchons. Les de-essers n'ont généralement que quelques contrôles, et la plupart des DAW en ont un par défaut, donc il n'y a aucune raison de ne pas les utiliser.

Tu devras jouer avec les réglages du de-esser pour en tirer pleinement profit. Il fonctionne mieux lorsque tu peux mettre en solo l'audio que tu retires. Ensuite, tu pourras balayer et appliquer la zone de traitement à la bande de fréquences correcte qui te cause des problèmes.

Généralement, les fréquences problématiques se situent entre 4 et 8kHz. Assure-toi lors de l'application du de-essing de ne pas y aller trop fort sur le seuil, sinon ton chanteur pourrait commencer à sonner comme s'il zézayait !

7. Ajoute de la compression à ta voix

Pour les voix dans la musique moderne, la cohérence en volume est extrêmement importante. Bien que tu puisses penser que beaucoup de perfection pourrait conduire à une voix artificielle, dans le mix, ce n'est vraiment pas le cas

Quand nous essayons d'avoir autant de contrôle que possible sur la dynamique vocale, nous devons utiliser quelques outils et techniques différents pour y parvenir. (C'est la raison pour laquelle nous avons automatisé le gain sur notre voix, avant de faire quoi que ce soit d'autre)

Après cela, pour obtenir un contrôle dynamique plus précis, nous utilisons la compression. La compression te donne non seulement ce contrôle dynamique, mais te permet également d'améliorer et de sculpter le timbre de ta voix.

Le niveau de contrôle dont tu auras besoin sur ta dynamique dépend entièrement du genre. Alors que tu peux avoir besoin d'une voix plus traitée et contrôlée pour la musique électronique, la pop et le hip hop, pour des styles comme le rock et le jazz, tu dois aborder la compression avec plus de modération.

Les genres intimes comme le jazz sonneront instantanément bizarres quand il y a un traitement notable, ce qui enlèvera de l'expérience. Le rock, en revanche, a besoin d'une voix plus énergique et compressée, avec beaucoup de corps et moins d'aigus.

Donc, commençons par configurer notre compresseur, nous allons commencer avec le FabFilter Pro-C2 pour notre compresseur de base, et nous passerons à des compresseurs plus colorés par la suite.

Selon l'audio, nous placerons le compresseur soit avant, soit après l'EQ tonale, mais assure-toi d'avoir ton de-esser après toute compression dans ta chaîne.

Pour pouvoir pleinement utiliser ton compresseur, tu dois avoir un objectif en tête. Qu'essaies-tu de faire avec ce compresseur ?

Dans ce cas, nous allons aborder la première étape de compression avec légèreté, en sculptant subtilement le timbre vocal, et en ajoutant un peu de contrôle dynamique, pour lisser les pics vocaux. Nous n'essayons pas d'écraser les transients ici, donc nous utiliserons une attaque et un release lents. Dans notre cas, nous visons 25ms sur notre temps d'attaque, et 40ms sur le temps de release.

Ensuite, règle ton seuil de sorte que le compresseur soit engagé sur chaque mot de ta voix. Cela te donnera une caractéristique de compression très cohérente sur l'ensemble de la voix.

Enfin, règle un ratio très faible, de sorte que tu n'atteignes pas plus de 3dB de réduction de gain.

Cela garantit que nous n'affectons la voix que légèrement, et lui donnons plus de timbre et de contrôle, prête pour une compression plus colorée !

8. Utilise une compression en série

Les genres plus subtils se contenteront d'un peu de contrôle dynamique sur ta voix, mais pour les genres qui nécessitent un traitement plus lourd, nous utiliserons plusieurs compresseurs en série.

C'est pourquoi nous allons compléter notre première étape de compression avec quelques compresseurs plus colorés. Les compresseurs colorés ont généralement un certain timbre qu'ils donnent au signal, ce qui peut ajouter beaucoup de caractère à tes voix.

Notre combinaison préférée (et probablement celle de tout le monde) de compresseurs vocaux est le 1176 suivi d'un LA-2A.

C'est probablement l'une des chaînes de compression vocale les plus utilisées dans la musique moderne, et pour de bonnes raisons – ça sonne génial.

Dans notre cas, nous utilisons le pack de compresseurs Waves CLA, qui contient des émulations de ces deux compresseurs, mais tu peux trouver d'autres versions ailleurs.

Pour notre 1176, nous utiliserons le CLA-76 Mono, et le CLA-2A Mono pour l'émulation du LA-2A.

1176

Le CLA-76 est un compresseur FET, ce qui signifie qu'il peut être très rapide et agressif. Le 1176 est un autre compresseur FET et est adoré des ingénieurs parce qu'il peut améliorer pratiquement n'importe quel son sur lequel tu le mets.

Pour notre voix, nous commencerons par sélectionner un ratio de 4:1 (tu peux aller plus haut pour plus de caractère et d'énergie). Le CLA-76 a également une fonction qui est le ratio "ALL", qui vient du fait que les ingénieurs du son essayaient littéralement d'appuyer sur tous les boutons de ratio en même temps.

Le ratio "All" a une sensation très agressive et énergique et peut être génial pour obtenir une voix très contrôlée et pleine de caractère.

Après avoir réglé le ratio sur 4:1, tu voudras régler une attaque lente et un release rapide. Cela dépend entièrement de la voix, donc tu devras savoir comment régler les temps de release du compresseur.

Le potard d'entrée du CLA-76 est aussi le seuil, donc monte-le jusqu'à ce que tu commences à voir environ 3 à 5dB de réduction de gain.

Ensuite, ajuste le potard de sortie, pour compenser tout gain ajouté ou perdu.

LA-2A

Nous utiliserons le LA-2A pour lisser la voix après le 1176, ce qui donnera une voix beaucoup plus contrôlée et cohérente.

Le LA-2A est célèbre pour avoir une caractéristique de compression chaleureuse, grasse et lisse. L'unité matérielle originale et les versions CLA-2A peuvent être poussées assez loin, tout en restant musicales, et en ajoutant une belle distorsion au signal.

Pour nos besoins, nous utiliserons le CLA-2A pour notre dernière étape de compression principale, donc nous l'utiliserons pour pousser subtilement les voix presque exactement là où nous voulons qu'elles soient.

Le LA-2A est une unité très simple à utiliser, avec seulement deux contrôles principaux, un potard de gain et un potard de réduction des pics. Il peut également fonctionner à la fois comme limiteur et comme compresseur. Pour nos besoins, nous l'utilisons en mode compression.

Pousse le "Peak Reduction" vers le haut jusqu'à ce que tu atteignes environ 2 à 3dB de réduction de gain, puis ajuste ton gain, pour compenser tout gain ajouté ou perdu.

9. Ajoute une compression parallèle à ta voix

La compression parallèle est très différente de ce dont nous avons parlé jusqu'à présent. Au lieu d'essayer d'être subtil et contrôlé, la compression parallèle est l'endroit où tu peux t'amuser énormément et vraiment écraser le signal. Tu n'as pas toujours besoin de compression parallèle, ça peut être une technique situationnelle, mais elle améliore à peu près tout ce qu'elle touche.

Disons que tu as une voix très propre et agréable – tu veux conserver le timbre propre et non compressé de la voix, mais sans beaucoup de compression, elle se perd dans le mix et sonne simplement mal en contexte.

C'est là que la compression parallèle peut être ta bénédiction. Au lieu de compresser notre voix, nous allons ajouter un signal compressé par-dessus. Pour le dire plus simplement, nous allons juste ajouter le caractère et le timbre de la compression par-dessus ta voix, pour que tu puisses avoir le meilleur des deux mondes.

Sur le compresseur, tu veux régler un seuil très bas, ratio élevé et attaque et release rapides – tu veux essentiellement écraser le compresseur aussi fort que tu peux. Cela crée un son percutant et cartonné qui est ensuite mélangé au signal original.

Ensuite, tu achemines ta voix vers le départ (comme expliqué ci-dessus), et tu utilises les faders pour mixer la compression parallèle avec la prise vocale originale.

Assure-toi d'utiliser un compresseur coloré pour la compression parallèle ! Cela lui donnera beaucoup plus de timbre et de caractère, c'est exactement pourquoi tu veux l'utiliser.

10. Applique de la saturation à ta voix

Si à ce stade ta voix n'a toujours pas assez de mordant et de corps, tu peux te tourner vers la saturation. Une quantité subtile de saturation peut donner énormément d'énergie à une voix, et la faire percer le mix comme du beurre. La saturation doit être utilisée avec parcimonie après avoir déjà fait beaucoup de compression sur ta voix.

Dans notre cas, il manque un peu de chaleur et de corps à notre voix, donc nous allons essayer de l'ajouter avec de la saturation.

Nous allons utiliser le SoundToys Decapitator car c'est notre plugin de saturation préféré, mais si tu fais pareil, fais attention de ne pas en faire trop. Decapitator porte bien son nom, donc nous l'utiliserons très subtilement.

Nous avonsréglé Decapitator sur le mode E, qui est modelé d'après les consoles Chandler EMI, et qui ont énormément de chaleur dans les basses, avec des aigus soyeux et propres.

Nous allons ensuite ajuster le Drive, pour que nous ne fassions que pousser la voix un tout petit peu, en ajoutant juste le caractère du plugin, plutôt qu'une distorsion. Et, si tu veux obtenir plus de timbre du plugin, pousse le drive plus haut, et baisse le niveau de mix plus bas, cela donne un effet de type saturation presque parallèle.

La clé avec la saturation, c'est la subtilité, et nous ne voulons pas ruiner notre voix vers la fin du mix !

11. Applique un limiteur pour augmenter les niveaux de ta voix

Un limiteur sera la dernière chose que tu ajouteras à ta chaîne de dynamique. Bien que ce ne soit pas toujours nécessaire, un limiteur nous donne un moyen très propre de contrôler les pics du signal, ainsi que de le rendre plus fort. Nous laissons généralement un limiteur après notre compression et notre saturation, au cas où nous aurions besoin d'obtenir plus de volume ou d'attraper des pics qui ont d'une manière ou d'une autre traversé la compression.

Si tu essaies d'obtenir une voix aussi plate et compressée que possible, tu peux également utiliser un limiteur pour couper tous les pics et niveler complètement la voix. Cela commencera à sonner artificiel mais peut être très approprié pour les genres de musique plus traités.

Joue avec les réglages de ton limiteur et assure-toi de ne pas en faire trop. Le limiting peut distordre et compresser l'audio horriblement s'il est mal fait.

12. Utilise le découpage spectral pour créer de la cohésion

Après avoir suivi les étapes ci-dessus, ton mix vocal est pratiquement prêt. Ce qui peut arriver à ce stade, cependant, c'est que la voix peut être si présente et riche, qu'au lieu de se mélanger avec le reste du morceau, ta voix se pose au-dessus de tout le reste.

Une voix détachée est généralement due au fait que tu as mixé tes voix sans entendre comment elles sonnent en contexte avec le mix. C'est là que tu peux utiliser le découpage spectral, qui est essentiellement juste une façon sophistiquée de dire – crée de l'espace pour que tes voix et tes autres instruments s'installent, pour qu'ils n'entrent pas en conflit.

Les voix ne doivent pas être détachées du mix et doivent donner l'impression d'être au milieu de celui-ci.

Dans la plupart des cas, nous supprimons les basses de toute la chaîne vocale, pour laisser de l'espace à d'autres basses fréquences qui pourraient entrer en conflit avec la voix, évitant ainsi le flou.

Ensuite, nous nous assurons que les niveaux de volume sont correctement réglés, de sorte que la voix soit audible, mais sonne intégrée dans le mix.

Ensuite, une astuce que nous aimons utiliser, c'est le sidechain subtil des éléments de percussion aigus, comme les hi-hats et les caisses claires, vers notre voix, de sorte que la voix baisse légèrement, chaque fois qu'il y a des éléments de percussion aigus présents. Cela fait généralement que la voix se sent plus installée dans le mix presque instantanément.

Une autre technique utile consiste à utiliser un outil de suppression dynamique de résonance comme TrackSpacer, Soothe 2 ou Smooth Operator pour mettre en sidechain les instruments hors du chemin les uns des autres.

Utilisés en mode sidechain, ceux-ci s'occupent des fréquences conflictuelles en les baissant l'une de l'autre sur une base de type multibande.

Tu peux également utiliser l'EQ sur tous tes instruments pour creuser de l'espace pour tes voix et les faire mieux s'asseoir, mais cela peut être un processus laborieux.

13. Ajoute de la reverb et du delay

Une fois que tu as fini de mixer ta voix, tu peux commencer à ajouter des reverbs et des delays. Ce sera une entreprise entièrement créative, cependant, il y a quelques règles de base que tu devras te rappeler.

Le plus important, ne mets pas de plugins de reverb et de delay directement sur ton canal vocal. Tu viens de passer beaucoup de temps à faire en sorte que ta voix s'adapte au mix, donc ajouter de la reverb ou du delay dans la chaîne va juste diluer tout le bon travail que tu as fait.

Assure-toi de mettre tes reverbs et delays sur une piste de départ. Cela ajoutera la reverb et le delay par-dessus la voix, au lieu de la diluer ! La plupart du temps les reverbs plate sont parfaites pour les voix, donc nous te recommandons de jouer d'abord avec quelques presets plate.

Le temps de decay dépend vraiment du style que tu vises et du contexte de la voix. Joue avec les réglages jusqu'à ce que tu obtiennes quelque chose qui correspond au reste de ton morceau. Nous aimons généralement un decay d'environ 2-3s sur les voix, mais ce n'est pas une solution universelle.

Pour le delay, tu peux ajouter quelques techniques de doublage vocal pour ajouter de la largeur et de la profondeur supplémentaires à ta voix. En utilisant un écho ou un delay de 1/16 – 1/32 de note sur une chaîne parallèle (comme avec la compression), tu peux mixer l'écho à faible volume et donner un certain punch à tes voix.

Un delay créatif sous-jacent peut également être utilisé sur une durée de delay plus longue pour donner de l'ambiance au son. Comme avec la reverb, cela dépend du contexte et de ce qui sonne bien avec le morceau.

ASTUCE : Quand tu mets des reverbs ou des delays sur une piste de départ, assure-toi d'avoir le contrôle de mix complètement sur wet, pour ne pas doubler du tout ton signal original !

14. Ajoute encore de l'automation de volume

La dernière chose que nous ferons sera une autre étape d'automation de volume. Cela ne doit être fait qu'après que l'ensemble du mix soit terminé ! Avant de passer au mastering, repasse la voix et automatise le volume du canal, pour uniformiser la voix, en contexte avec le mix.

Par exemple dans les sections de refrain, l'instrumentation deviendra plus forte et tu devras automatiser le volume de ta voix vers le haut pour qu'elle puisse rester présente dans le mix.

C'est le dernier contrôle qualité pour t'assurer que ta voix est au niveau exact où tu veux qu'elle soit, tout au long du morceau.

Pour conclure

Le mixage vocal est une chose assez difficile à maîtriser. Que tu sois débutant ou professionnel expérimenté, tu n'arrêtes jamais d'apprendre, et tu continueras toujours à trouver de nouvelles astuces et techniques à appliquer à tes chaînes vocales.

De plus, tu pourrais décider que rien de tout cela ne fonctionne pour toi, et trouver ta propre façon de mixer les voix. L'important, c'est que nous continuions à faire de la musique, et à la faire sonner de mieux en mieux, à chaque tentative !

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