Musiktheorie für Anfänger

Musiktheorie ist das Vokabular für Dinge, die du bereits hörst. Du weißt, wann ein Akkord sich wie zu Hause anfühlt und wann er woanders hinwill. Du weißt, wann eine Melodie steigt und wann sie landet. Theorie gibt diesen Momenten Namen, damit du sie gezielt herbeiführen kannst, anstatt zufällig danach zu suchen.

Dieser Leitfaden behandelt die Theorie-Elemente, die ein Anfänger tatsächlich benutzt: die zwölf Noten, Tonleitern, Intervalle, Akkorde, Tonarten, Akkordfolgen, Rhythmus und Melodie, mit einem durchgearbeiteten Beispiel am Ende, damit du siehst, wie Akkorde und Melodie in einem Song zusammenwirken. Alles hier ist zum Spielen gedacht, nicht nur zum Lesen. Halte ein Keyboard oder einen DAW Piano Roll offen und spiele die Noten beim Durchgehen. Theorie, die auf dem Papier bleibt, bleibt nicht hängen; Theorie, die du gehört hast, schon.

Was Musiktheorie ist (und was nicht)

Vieles in der Musiktheorie ist eine Beschreibung dessen, was erfahrungsgemäß funktioniert, nachträglich aufgeschrieben: Leute haben Songs geschrieben, andere haben die Muster bemerkt, und die Muster bekamen Namen. (Manche Theorie liefert dir auch Verfahren, um neue Musik zu schreiben, und ein paar davon werden wir ebenfalls nutzen.) Diese Reihenfolge ist wichtig, weil sie dir zeigt, wie du Theorie einsetzen solltest: als Landkarte der Entscheidungen anderer Musiker, nicht als Gesetzbuch.

Theorie schreibt also nicht deine Musik für dich, und eine "Regel" zu brechen ist oft das Beste an einem Song. Was sie aber tut: Sie beschleunigt dich. Anstatt jede Note durchzuprobieren, bis eine passt, weißt du, welche Handvoll wahrscheinlich passt und warum. Anstatt einer Akkordfolge, die auf mysteriöse Weise funktioniert, weißt du, dass es eine I, V, vi, IV ist, und du kannst in dreißig Sekunden eine andere in einer anderen Tonart schreiben.

Noch etwas, bevor es losgeht: Du musst keine Noten lesen können, um das hier zu nutzen. Der Piano Roll einer DAW ist eine Art Notation, nur auf einem Raster statt auf Notenlinien. Wir behandeln kurz das Notensystem, damit du dich auf Akkordschemata oder Lead Sheets zurechtfindest, aber jede Idee hier funktioniert im Piano Roll.

Die zwölf Noten und das Klavier-Layout

Das System, das dein Keyboard und deine DAW verwenden (gleichstufige Stimmung, wenn du den Namen wissen willst), hat zwölf Noten, und dann wiederholen sie sich. Auf einem Klavier sind die weißen Tasten die sieben Buchstabennamen, A bis G, und die fünf schwarzen Tasten sind die Noten dazwischen. Nach G kommt wieder A, eine Oktave höher: derselbe Notenname, doppelte Frequenz, also klingt es wie dieselbe Note in höherer Lage.

Die schwarzen Tasten haben jeweils zwei Namen. Die schwarze Taste zwischen C und D ist Cis (C#), wenn du sie als erhöhtes C betrachtest, und Des (Db), wenn du sie als erniedrigtes D betrachtest. Dieselbe Taste, derselbe Klang, zwei Namen; welchen du verwendest, hängt von der Tonart ab, in der du bist, und dazu kommen wir noch. Es gibt keine schwarze Taste zwischen E und F oder zwischen H und C, und das ist das Detail, über das jeder mindestens einmal stolpert.

Der kleinste Abstand zwischen zwei Noten in diesem System ist ein Halbton (auch Halbtonschritt genannt): von jeder Taste zur direkt nächsten Taste, schwarz oder weiß. Zwei Halbtöne ergeben einen Ganzton. Jede Tonleiter und jeder Akkord in diesem Leitfaden ist nur ein Muster aus Halbtönen und Ganztönen, weshalb es sich lohnt, das Keyboard-Layout zu lernen, auch wenn du nie Klavier spielen wirst. Unsere Leitfäden zu allen Noten auf dem Klavier und den schwarzen Tasten gehen tiefer, falls du eine solide Basis willst.

Tonleitern: Die Dur-Tonleiter und ihre Moll-Verwandten

Eine Tonleiter ist eine geordnete Auswahl von Noten aus den zwölf. Wenn ein Song in einer Tonart steht, fungiert eine Note als Zuhause (die Tonika), und eine darauf aufgebaute Tonleiter liefert die Basis-Noten. Songs leihen sich ständig Noten von außerhalb dieser Menge, aber hier fängst du an. Die meisten Pop-, Rock- und elektronischen Songs nutzen sieben der zwölf gleichzeitig, und die zwei gängigsten Arten, diese sieben auszuwählen, sind die Dur-Tonleiter und die Moll-Tonleiter.

Die Dur-Tonleiter

Die Dur-Tonleiter ist ein Muster aus Ganz- (G) und Halbtonschritten (H): G G H G G G H. Beginne auf C und folge dem Muster, und du erhältst C D E F G A H C, alles weiße Tasten, weshalb C-Dur der Startpunkt für alle ist. Beginne auf G und folge demselben Muster, und du erhältst G A H C D E Fis G. Dieselbe Form, anderer Startton, eine schwarze Taste.

Nummeriere die Noten der Tonleiter von 1 bis 7 (das sind die Tonstufen). Alles Folgende, von Akkorden bis Akkordfolgen, wird mit diesen Zahlen beschrieben, weil die Zahlen gleich bleiben, egal in welcher Tonart du bist. Stufe 1 ist die Tonika, die Note, die sich wie Zuhause anfühlt.

Die natürliche Moll-Tonleiter

Spiele die Noten der C-Dur-Tonleiter, aber beginne und ende auf A, und du hast A-natürlich-Moll: A H C D E F G A. Das Muster ist G H G G H G G. Dieselben sieben Noten und dieselbe Tonart-Vorzeichnung wie C-Dur, anderer Grundton, und es klingt merklich dunkler. Jede Dur-Tonleiter hat eine parallele Moll-Tonart , deren natürliche Moll-Tonleiter dieselben Noten hat und auf Stufe 6 beginnt. Diese Beziehung ist eine der nützlichsten Abkürzungen in der Theorie, weil jeder Akkord in C-Dur auch in A-Moll verfügbar ist, auch wenn er dort eine andere Funktion hat.

Die erhöhte Septime

Es gibt einen Dreh. Spiele A-natürlich-Moll und gehe von G nach A: Der Zug Richtung Zuhause ist sanft, weil G einen Ganzton entfernt liegt. Viel Musik in Moll, besonders mit klassischem oder Jazz-Einschlag, erhöht dieses G zu Gis, einen Halbton unter A, damit die Ankunft härter landet. Diese erhöhte Septime heißt Leitton, die Tonleiter damit ist die harmonische Moll-Tonleiter, und ihr Haupteffekt betrifft die Akkorde: Der Akkord auf der fünften Stufe wird E-Dur (oder E7) statt E-Moll. Viel Pop, Rock und elektronische Musik bleibt beim natürlichen Moll und seinem E-Moll-Akkord und klingt gut; die erhöhte Septime ist eine Wahl, keine Pflicht. Eine Tonart ist also keine fixe Tonleiter: Musik in A-Moll kann G oder Gis verwenden, und manchmal auch Fis.

Moll wird "die traurige Tonleiter" genannt, und das stimmt oft genug, um ein nützlicher Ersteindruck zu sein. Aber viele Moll-Songs sind aggressiv, mysteriös oder triumphierend, und viele Dur-Songs sind herzzerreißend. Die Stimmung kommt vom gesamten Arrangement; die Tonleiter neigt sie nur.

Die pentatonische Tonleiter

Nimm eine Dur-Tonleiter und entferne die Stufen 4 und 7. Was übrig bleibt, ist die Dur-Pentatonik: fünf Noten, und fast nichts, was du damit spielst, klingt falsch. Mach denselben Trick bei der natürlichen Moll-Tonleiter (entferne die Stufen 2 und 6), und du erhältst die Moll-Pentatonik, die Tonleiter hinter einem großen Teil der Rock- und Blues-Gitarrensoli und vieler Gesangsmelodien. Wenn du bei einer Melodie feststeckst, ist die Pentatonik der sicherste Ort, um mit dem Improvisieren zu beginnen, und unser Leitfaden zum Spielen von Tonleitern auf dem Klavier enthält die Fingersätze und eine Übungsroutine.

Intervalle: Der Abstand zwischen zwei Noten

An Intervall ist der Abstand zwischen zwei Noten, gezählt in Halbtönen (streng genommen zählen auch die Buchstabennamen, aber Halbtöne bringen dich auf den Weg). Intervalle sind die eigentliche Einheit der Musiktheorie: Akkorde sind Stapel von Intervallen, Melodien sind Abfolgen davon, und "fröhlich" versus "traurig" ist meist ein Intervall, das sich um einen Halbton ändert.

Intervall	Halbtöne	Klingt wie
Kleine Sekunde	1	Das Jaws-Thema, die zwei Noten, die sich abwechseln
Große Sekunde	2	Die ersten beiden Noten von "Bruder Jakob"
Kleine Terz	3	Die ersten beiden Noten von "Greensleeves"
Große Terz	4	Die ersten beiden Noten von "When the Saints Go Marching In"
Reine Quarte	5	"Freude schöner Götterfunken" (Beginn)
Tritonus	6	Das Simpsons-Thema ("The Simp-"), instabil und spannungsgeladen
Reine Quinte	7	Der Anfangssprung von "Morgen kommt der Weihnachtsmann" und des Star-Wars-Hauptthemas
Oktave	12	Die ersten beiden Noten von "Over the Rainbow"

Du musst nicht alle heute auswendig lernen. Lerne vier nach Gehör: die Oktave, the reine Quinte (der Klang eines Powerchords), und die große Terz und kleine Terz. Die letzten beiden sind der Wechsel zwischen einem Dur- und einem Moll-Akkord, und zu hören, welchen du spielst, ist mehr wert als jede Menge Lektüre.

Akkorde: Terzen stapeln

A Akkordsist für unsere Zwecke aus drei oder mehr Noten, die zusammen klingen. Der einfachste und häufigste Akkord ist der Dreiklang: drei Noten, die in Terzen gestapelt werden können. Der einfache Weg, einen innerhalb einer Tonart zu bauen, ist, eine Tonstufe zu nehmen, eine zu überspringen, die nächste zu nehmen, eine zu überspringen, die nächste zu nehmen. In C-Dur, beginnend auf C, ist das C E G. Beginnend auf D ist es D F A. Die drei Noten heißen Grundton, Terz und Quinte.

Die vier Dreiklang-Typen

Dreiklang	Aufgebaut aus	Halbtöne	Beispiel
Dur	Grundton + große Terz + reine Quinte	4 dann 3	C E G
Moll	Grundton + kleine Terz + reine Quinte	3 dann 4	C Es G
Vermindert	Grundton + kleine Terz + verminderte Quinte	3 dann 3	C Es Ges
Übermäßig	Grundton + große Terz + übermäßige Quinte	4 dann 4	C E Gis

Dur und Moll erledigen den größten Teil der Arbeit in populärer Musik. Vermindert taucht als Durchgangsakkord und als Dreiklang auf der siebten Stufe (vii°) jeder Dur-Tonart auf. Übermäßig ist selten und dramatisch. Der ganze Unterschied zwischen Dur und Moll ist die mittlere Note, die sich um einen Halbton bewegt, weshalb sich das Gehörtraining für große versus kleine Terz sofort auszahlt.

Die Akkorde, die in einer Tonart vorkommen

Baue einen Dreiklang auf jeder der sieben Stufen einer Dur-Tonleiter, nur mit den Noten der Tonleiter, und du erhältst die sieben diatonische Akkorde dieser Tonart. Die Theorie kennzeichnet sie mit römischen Ziffern, Großbuchstaben für Dur und Kleinbuchstaben für Moll, sodass das Muster in jeder Dur-Tonart gleich ist:

Stufe	I	ii	iii	IV	V	vi	vii°
Typ	Dur	Moll	Moll	Dur	Dur	Moll	vermindert
In C-Dur	C	Dm	Em	F	G	Am	Hverm
In G-Dur	G	Am	Bm	C	D	Em	Fisverm

Diese Tabelle ist das Nützlichste in diesem Leitfaden. Wenn ein Song in C-Dur ist, kommen seine Akkorde fast sicher aus dieser Zeile, und wenn du in C-Dur schreiben willst, sind das deine ersten sieben Optionen. Unsere Klavierakkord-Übersicht zeigt jeden davon für jede Tonart, und Akkorde selbst bauen führt dich durch den Aufbau von Grund auf.

Septakkorde

Füge noch eine Terz oben auf einen Dreiklang und du erhältst einen Septakkord, vier Noten, voller und spezifischer. Drei Typen sind für Anfänger wichtig. Ein große Septime (Cmaj7: C E G H) ist weich und verträumt. Ein Dominantseptakkord (C7: C E G B) ist der spannungsgeladene, bluesige; als V-Akkord einer Tonart zieht er stark nach Hause, und im Blues wird er auf jedem Akkord verwendet, ohne sich aufzulösen. Ein kleine Septime (Cm7: C Es G B) ist der weiche in R&B und Neo-Soul. Der Unterschied zwischen ihnen liegt in der Terz und der Septime, und wir haben sie direkt verglichen in C7 vs. Cmaj7 vs. Cmin7 und Dominantsept vs. Maj7 vs. m7.

Umkehrungen und Voicings

Ein Akkord muss seinen Grundton nicht unten haben. C E G, E G C und G C E sind alle ein C-Dur-Akkord: Grundstellung, erste Umkehrung und zweite Umkehrung, benannt danach, welche Note im Bass liegt. Die Wahl, wie die Noten verteilt und angeordnet sind, ist das Voicing, und jede Note den kürzesten Weg zum nächsten Akkord zu bewegen, ist Stimmführung. Zusammen sind sie die Art, wie du zwischen Akkorden wechselst, ohne dass deine Hände (oder deine MIDI-Noten) herumspringen. Fang an, es zu bemerken: Die meisten smooth klingenden Akkordfolgen sind smooth, weil jede Note sich um einen Schritt bewegt oder liegen bleibt, nicht weil der ganze Akkord sich verschiebt.

Tonarten und Vorzeichen

A Tonart ist ein Grundton plus die darauf aufgebaute Tonleiter. Ein Song in G-Dur behandelt G als Zuhause und nutzt die Noten der G-Dur-Tonleiter, also kommen seine Akkorde aus der G-Dur-Zeile der Tabelle oben. Ein Song in A-Moll behandelt A als Zuhause und nutzt die A-Moll-Tonleitern: natürliches Moll, das seine Noten und Vorzeichen mit C-Dur teilt, plus die erhöhte Septime, wenn der Song sie will.

A Vorzeichen ist die notierte Kurzform dafür: die Kreuze oder Bs, die eine Tonart verwendet, einmal am Anfang eines Notensystems gedruckt statt neben jeder Note. C-Dur und A-Moll haben keine. G-Dur und E-Moll haben ein Kreuz (Fis). F-Dur und D-Moll haben ein B (B). Beginnend von C auf dem Quintenzirkel, dem Diagramm, das jedes Theoriebuch enthält, fügt jeder Schritt im Uhrzeigersinn ein Kreuz hinzu und jeder Schritt gegen den Uhrzeigersinn ein B.

In einer DAW siehst du selten Vorzeichen, aber du musst trotzdem wissen, in welcher Tonart du bist, weil sie dir sagt, welche Akkorde und Noten die sicheren sind. Die meisten Piano Rolls lassen dich eine Tonleiter einstellen und ihre Noten hervorheben; mach das, und die Akkorde in der Tabelle sind diejenigen, die du nur mit den leuchtenden Noten bauen kannst. Das ist auch der schnellste Weg, andere Tonarten als C zu lernen: Stelle die Tonleiter auf E-Dur ein, baue Dreiklänge auf den hervorgehobenen Noten, und du hast gerade E-Dur-Akkorde gelernt, indem du sie benutzt hast. Warum du Musiktheorie in einer DAW lernen solltest liefert die ausführlichere Begründung dafür.

Akkordfolgen: Spannung und Zuhause

Eine Akkordfolge ist eine Abfolge von Akkorden, und was sie funktionieren lässt, ist das Ziehen und Drücken zwischen Akkorden, die sich stabil anfühlen, und Akkorden, die sich bewegen wollen. In einer Dur-Tonart ist der I-Akkord Zuhause. Der V-Akkord ist der stärkste Zug zurück nach Hause. Der IV-Akkord ist ein Aufbruch, der in beide Richtungen gehen kann. Der vi-Akkord ist der Moll-Cousin von I und steht oft für ihn ein. Ein großer Teil der Pop-, Rock- und elektronischen Akkordfolgen, die du kennst, sind irgendeine Anordnung dieser vier Funktionen. In einer Moll-Tonart existieren dieselben Funktionen mit anderen Bezeichnungen: i ist Zuhause, iv ist der Aufbruch, III ist der Dur-Cousin, der für Zuhause einsteht, und der Zugakkord ist v (natürliches Moll) oder V mit erhöhter Septime.

Akkordfolgen, die du nach Ziffern kennen solltest

• I, V, vi, IV: die Vier-Akkord-Schleife hinter Hunderten von Hits, von der Strophe von "Let It Be" bis "Someone Like You". In C-Dur: C, G, Am, F.
• vi, IV, I, V: dieselben vier Akkorde, beginnend mit dem Moll-Akkord, weshalb es wehmütiger wirkt. In C-Dur: Am, F, C, G.
• I, IV, V: das Drei-Akkord-Gerüst von Blues, Folk, Punk und frühem Rock. In C: C, F, G. Der 12-Takt-Blues ist ein festes Zwölf-Takt-Muster aus denselben drei Akkorden, meist als Dominantseptakkorde gespielt.
• ii, V, I: die Jazz-Kadenz und der smootheste Weg nach Hause. In C: Dm, G, C (meist als Dm7, G7, Cmaj7).
• i, VI, III, VII in Moll: das Moll-Äquivalent der Vier-Akkord-Schleife, mit Ziffern gezählt von der Moll-Tonleiter (VI ist der Akkord auf der sechsten Stufe von A-Moll, also F-Dur). In A-Moll: Am, F, C, G.

Beachte, dass die letzte dieselben Akkorde wie die erste verwendet. Ob eine Schleife aus Am, F, C und G in A-Moll oder C-Dur ist, hängt davon ab, welchen Akkord der Song als Zuhause behandelt. Wo die Melodie ruht, wo die Schleife beginnt und endet, und worauf der Bass sich stützt, sind die Hinweise. Diese Mehrdeutigkeit ist ein Feature; viel emotionaler Pop lebt davon. Unsere Leitfäden zu nostalgischen Akkordfolgen und dem sus4-Akkord gehen mit diesen Schleifen weiter.

Kadenzen: Wie eine Phrase endet

A Kadenz ist die Akkordbewegung, die eine Phrase abschließt. V zu I (V zu i in Moll) ist die authentische Kadenz, der am endgültigsten klingende Schluss in der Musik. IV zu I (iv zu i in Moll) ist die plagale Kadenz, das "Amen" am Ende eines Kirchenlieds, weicher. V zu vi (V zu VI in einer Moll-Tonart) ist die Trugschluss: Dein Ohr erwartet Zuhause und bekommt stattdessen den Ersatz, was ein einfacher und verlässlicher Weg ist, einen Abschnitt weiterlaufen zu lassen, wenn der Hörer dachte, es wäre vorbei.

Rhythmus, Taktart und die Grundlagen des Notenlesens

Alles bisher handelte von Tonhöhe. Rhythmus ist die andere Hälfte, und Anfänger überspringen ihn viel öfter als Harmonielehre, was ein Fehler ist: Eine schlichte Akkordfolge mit großartigem Rhythmus schlägt eine clevere mit mattem Rhythmus jedes Mal.

Beats, Takte und Taktarten

Das Beat ist der gleichmäßige Puls, zu dem du mit dem Fuß tippst, und das Tempo ist, wie schnell es geht, in Beats pro Minute (BPM). Beats gruppieren sich in Takten (auch Takte genannt), und die Taktart sagt wie. 4/4 bedeutet vier Beats pro Takt, wobei die Viertelnote einen Beat bekommt; es deckt die meiste Pop-, Rock-, Hip-Hop- und elektronische Musik ab. 3/4 ist drei Beats pro Takt, das Walzer-Feeling. 6/8 ist zwei Beats pro Takt, jeder geteilt in drei gleiche Achtel-Unterteilungen, das schwingende Gefühl vieler Balladen und Folksongs.

Notenwerte

A ganze Note dauert einen vollen 4/4-Takt. Eine halbe Note ist die Hälfte davon, eine Viertelnote ist ein Beat, eine Achtelnote ist ein halber Beat und eine Sechzehntelnote ist ein Viertel eines Beats. Ein Punkt nach einer Note fügt die Hälfte ihrer Länge hinzu. Pausen sind Stille derselben Längen. Auf einem Piano Roll sind das einfach die Raster-Unterteilungen: das Viertel-Raster, das Achtel-Raster, das Sechzehntel-Raster.

Synkopierung bedeutet, einen Akzent zu setzen, wo das Metrum keinen erwartet: ein Hit auf dem "und" zwischen Beats ohne etwas auf dem Beat, oder eine Note, die über die Taktlinie hinweg gebunden ist. Das macht den Großteil dessen aus, was einen Groove lebendig fühlen lässt. Ein anderes Werkzeug ist Timing-Gefühl, ein paar Hits leicht vor oder hinter das Raster zu schieben, auf das die DAW sie einrastete. Wenn deine Drums oder Akkorde steif wirken, ist die Lösung meist eines von beiden, nicht mehr Noten.

Das Notensystem, für wenn du eins siehst

Notierte Musik steht auf einem Notensystem aus fünf Linien. Ein Notenschlüssel am Anfang sagt dir, welche Noten die Linien bedeuten: der Violinschlüssel für höhere Stimmen (rechte Hand, Melodien, die meisten Instrumente) und der Bassschlüssel für tiefere. Das mittlere C sitzt knapp unter dem Violinschlüssel-System und knapp über dem Bassschlüssel-System, so verbinden sich die beiden. Du musst nicht vom Blatt lesen können, um Musik zu produzieren. So viel zu wissen orientiert dich auf einem Lead Sheet; es fließend zu lesen erfordert mehr Übung. Die Akkordsymbole über dem System (C, Am7, G/B) sind eine separate, kleinere Fertigkeit, und dieser Leitfaden hat dir bereits das meiste davon gegeben.

Melodie: Was eine Linie singen lässt

Eine Melodie ist eine Folge einzelner Noten mit einem Rhythmus, und die Theorie der Melodie handelt hauptsächlich davon, wie sie sich auf die Akkorde darunter bezieht. Die Noten des aktuellen Akkords (sein Grundton, Terz und Quinte, plus die Septime, falls vorhanden) sind Akkordtöne; sie klingen stabil. Die anderen Tonnoten sind akkord-fremde Töne; sie klingen, als ob sie unterwegs irgendwohin wären. Die häufigste Art, der Durchgangston, geht schrittweise von einem Akkordton zum anderen und setzt die Richtung fort. Als Anfangsgewohnheit setze Akkordtöne auf die starken Beats und nutze Durchgangstöne, um zwischen ihnen zu gelangen; sobald sich das natürlich anfühlt, ist ein betonter akkord-fremder Ton eine der besten Arten, Spannung hinzuzufügen.

Drei andere Dinge unterscheiden eine Melodie, an die sich Leute erinnern, von einer, an die sie sich nicht erinnern. Kontur: die Form der Linie. Zu einem Höhepunkt aufsteigen und wieder abfallen ist die häufigste Form, aber egal welche Form, sie sollte sich absichtlich anfühlen statt ziellos. Wiederholung mit Variation: eine kurze Idee (ein Motiv), ausgesprochen, dann mit einer Änderung wiederholt, statt einem Strom neuen Materials. Und Tonumfang: Die meisten singbaren Melodien bleiben innerhalb von etwa eineinhalb Oktaven. Wir haben einen vollständigen Leitfaden zu Melodien schreibenund unser MIDI-Rezepte zerlegen echte Melodien, Basslines und Akkordfolgen aus bekannten Tracks, damit du diese Ideen im Kontext sehen kannst.

Einen Song analysieren, den du liebst

Analyse klingt akademisch, aber es ist nur Zuhören mit dem Vokabular oben. Hier ist die Routine, und sie dauert etwa zehn Minuten pro Song, sobald du es ein paar Mal gemacht hast.

1. Finde die Tonart. Spiele auf einem Keyboard mit, bis du die Note findest, die sich wie Zuhause anfühlt. Die Bassnote unter dem Akkord, auf dem der Refrain schließlich landet, ist eine gute erste Vermutung; gleiche es ab mit der Stelle, wo die Melodie zur Ruhe kommt. Der Akkord, der auf dieser Note aufgebaut ist, sagt dir Dur oder Moll.
2. Finde die Akkorde heraus und schreibe sie als römische Ziffern in dieser Tonart. Du wirst überrascht sein, wie oft es die Tabelle oben ist, ohne etwas außerhalb.
3. Kartiere die Abschnitte: Intro, Strophe, Pre-Chorus, Refrain, Bridge, und wie viele Takte jeder dauert. Beachte, wo die Akkordfolge sich ändert und wo nicht.
4. Betrachte die Melodie gegen die Akkorde. Welche Noten landen auf den Zählzeiten? Meist Akkordtöne, und die Ausnahmen sind ein zweites Hinhören wert. Wo erreicht die Melodie ihren Höhepunkt? Oft im Refrain.

Nimm "Let It Be". Die Strophe läuft C, G, Am, F, dann C, G, F, C: In C-Dur ist das I, V, vi, IV und dann I, V, IV, I, die Vier-Akkord-Schleife von vorhin, gefolgt von einer einfachen Landung auf Zuhause. Der Refrain stützt sich auf Am, G, F, C, also vi, V, IV, I, dieselben Akkorde neu gemischt. Die Melodie sitzt bei fast jeder Taktlinie auf Akkordtönen und erreicht ihren Höhepunkt beim Wort "be". Fast nichts in Strophe oder Refrain verlässt die C-Dur-Tabelle (der absteigende Lauf im Outro leiht sich ein B), und es ist einer der geliebtesten Songs, die je geschrieben wurden. Das ist die Lektion der Analyse: Die Werkzeuge sind einfach; das Handwerk liegt darin, wie sie verwendet werden.

In die Praxis umsetzen: Von Theorie zum Schreiben

Hier ist ein erstes Projekt, das alles oben Genannte verwendet, in einer Sitzung.

1. Wähle eine Tonart. C-Dur oder A-Moll auf den natürlichen-Moll-Noten, wenn du nur weiße Tasten willst.
2. Loope eine Vier-Akkord-Folge aus der Liste, zwei Takte pro Akkord, so gevoiced, dass sich jede Note so wenig wie möglich von einem Akkord zum nächsten bewegt.
3. Schreibe eine Acht-Takt-Melodie darüber mit der Pentatonik, Akkordtöne auf den Zählzeiten, ein klarer Höhepunkt.
4. Gib den Drums einen synkopierten Hit: eine Snare auf dem "und", wo das Ohr den Beat erwartete.
5. Dann verlasse absichtlich die Vorgabe: Setze einen akkord-fremden Ton auf eine Zählzeit oder beende eine Phrase auf dem vi-Akkord statt auf dem I. Höre, was es bewirkt.

Dieser letzte Schritt ist der Punkt. Theorie zeigt dir die Vorgabe, was genau das ist, was du wissen musst, um jemanden zu überraschen. Sobald sich dieses Projekt leicht anfühlt, nimmt unser Leitfaden zur Musiktheorie für Komposition von hier aus weiter mit Modulation, entliehenen Akkorden, Kontrapunkt und Form.

Wenn du lieber all das nach Gehör lernst, in einem Piano Roll, mit einem abgestuften Pfad statt einer Leseliste, dafür haben wir Building Blocks gebaut. Es lehrt dasselbe Material wie dieser Leitfaden, indem du es schreibst, ein Stück nach dem anderen.

Vier Anfängerfehler, die du vermeiden solltest

• Regeln lernen ohne Klänge. Wenn du den Unterschied zwischen einer großen und einer kleinen Terz nicht hören kannst, nützt dir das Wissen um die Halbtonzahl nichts. Spiele jedes Beispiel.
• Rhythmus als Nebensache behandeln. Harmonielehre bekommt die Aufmerksamkeit; Rhythmus bekommt den Zuhörer.
• Versuchen, jede Tonleiter und jeden Modus auswendig zu lernen. Dur, natürliches Moll und die zwei Pentatoniken decken die überwiegende Mehrheit der Musik ab, die du lange Zeit schreiben wirst. Füge andere hinzu, wenn ein Song danach fragt.
• Annehmen, Moll bedeutet traurig und Dur bedeutet fröhlich. Es ist eine Neigung, kein Gesetz. Tempo, Rhythmus, Text und Arrangement entscheiden die Stimmung; die Tonleiter neigt nur.

Häufig gestellte Fragen

Muss ich Noten lesen können, um Musik zu machen?

Nein. Jede Idee in diesem Leitfaden funktioniert auf einem Piano Roll, und viele Produzenten lesen nie vom Blatt. Die Grundlagen des Notensystems zu lernen lohnt sich trotzdem für einen Nachmittag, weil es dich auf Akkordschemata und Lead Sheets orientiert, die der schnellste Weg sind, die Songs anderer Leute zu lernen.

Wie lange dauert es, Musiktheorie zu lernen?

Die Grundlagen hier – die Noten, Dur- und Moll-Tonleitern, Dreiklänge, die diatonische Akkord-Tabelle und die üblichen Akkordfolgen – brauchen bei den meisten Leuten ein paar Wochen kurzer täglicher Übungseinheiten, um sich wohl damit zu fühlen, und ein paar Monate, um sie ohne Nachdenken zu nutzen. Sie zu hören dauert länger als sie zu lesen, also fang am ersten Tag mit dem Gehörtraining an.

Ist Musiktheorie für Klavier, Gitarre und DAWs unterschiedlich?

Die Theorie ist identisch; nur das Layout ändert sich. Das Klavier zeigt es am klarsten, weshalb Theorie darauf gelehrt wird, und ein DAW-Piano-Roll ist ein Klavier auf der Seite. Gitarre verbirgt das Muster etwas, weil dieselbe Note an mehreren Stellen auf dem Griffbrett erscheint, aber die Intervalle und Akkorde sind dieselben.

Wo sollte ich anfangen?

Lerne das Keyboard-Layout, dann die C-Dur-Tonleiter, dann die sieben Akkorde von C-Dur, dann loope I, V, vi, IV und schreibe eine pentatonische Melodie darüber. Diese einzelne Woche Arbeit gibt dir eine Basis, auf der der Großteil dieses Leitfadens aufbaut.

Fazit

Zwölf Noten, zwei Haupttonleitern, vier Dreiklang-Typen, sieben Akkorde pro Tonart, eine Handvoll Akkordfolgen und ein Rhythmus, der sich bewegt. Das ist das Anfänger-Kit, und es reicht, um sehr viele der Songs im Radio zu schreiben. Der nächste Schritt ist nicht mehr Lektüre; es ist, einen Piano Roll zu öffnen und jede Idee zu nutzen, bis sie dir gehört.