R&B (rhythm and blues) ist einer der beliebtesten Musikstile überhaupt. Sein charakteristischer Sound entspringt einer Mischung aus verschiedenen Einflüssen, darunter Blues, Gospel und Jazz. Die wichtigsten Eigenschaften, die den Klang deiner RnB-Songs beeinflussen, sind die Piano-Akkorde, die verwendeten Tonleitern und Modi in der Kompositionsphase. Auch andere Faktoren wie BPM, Taktart und mehr spielen eine Rolle, aber die behandeln wir in späteren Artikeln, da das Thema ziemlich tiefgehend ist!
Die Bedeutung von R&B hat sich über die Jahrzehnte mehrfach gewandelt. Was in den 1950ern als Genre-Bezeichnung für Blues-Platten begann, stand in den 60ern für britische Rock-and-Roll-Bands wie die Rolling Stones und The Who und wurde in den 70ern zum Sammelbegriff für Soul- und Funk-Platten.
Die R&B-Variante, die wir heute am besten kennen, nennt sich Contemporary RnB. Diese modernere Form des Genres entwickelte sich ab den späten 1980ern und unterscheidet sich von ihren Vorgängern dadurch, dass sie traditionelle Elemente der Rhythm-and-Blues-Musik mit modernen Elementen aus Hip-Hop, Pop, Soul und Funk verbindet.
In diesem Artikel zeigen wir dir die musikalische Theorie – mit Fokus auf Akkorde, Tonleitern und stilistische Merkmale –, die du brauchst, um eigene, überzeugende Contemporary-R&B-Tracks zu schreiben und zu produzieren.
Was macht den charakteristischen R&B-Sound aus und wie kann ich ihn nachbilden?
Den R&B-Sound zu erreichen hängt von der Art der Tonleitern und Modi ab, die du verwendest, von deinen Akkordfolgen, dem Voicing deiner Akkorde, dem BPM und der Taktart. Feel, Vibe und die Art, wie du diese Akkorde und Tonleitern spielst , haben ebenfalls einen enormen Einfluss auf den Klang.
Um den RnB-Sound nachzubilden, wirst du hauptsächlich Erweiterungsakkorde, Akkordumkehrungen, Blues-, Jazz- und pentatonische Tonleitern und vielleicht sogar griechische Modi verwenden. Modal Interchange und andere Faktoren wie Slash-Akkorde und Akkordfolgen können ebenfalls helfen, den charakteristischen R&B-Sound zu formen, den du suchst.
Wir beginnen mit den Tonleitern und schauen uns zunächst die pentatonischen und Blues-Tonleitern an. Dann nehmen wir eine einfache Akkordfolge und zeigen dir, wie du ihr mit fortgeschrittenen Techniken wie erweiterten, alterierten und Slash-Akkorden – einschließlich Modal Interchange – einen R&B-Sound verleihst.
Abschließend geben wir dir ein paar Tipps, wie du diese Akkordfolgen und Tonleitern zum Leben erweckst und sie dem Spielstil und Feel des Genres anpasst.
Die besten R&B-Tonleitern (Neo Soul, Nu Funk & mehr)
1. Pentatonische Tonleitern
Pentatonische Tonleitern gehören wohl zu den wichtigsten Tonleitern überhaupt. Sie werden nicht nur häufig in der R&B-Musik verwendet, sondern auch ständig in Rock, Funk, Jazz und Pop.
Die meisten Tonleitern, wie Dur- und Moll-Tonleitern, bestehen aus 7 Tönen, pentatonische Tonleitern dagegen aus nur 5 Tönen – daher der Name pentatonisch.
Es gibt zwei Arten pentatonischer Tonleitern: die Dur-Pentatonik und die Moll-Pentatonik. Technisch gesehen sind beide gleich, da sie aus denselben Intervallen bestehen, aber wie bei Modi beginnen sie an unterschiedlichen Stellen innerhalb der Tonleiter und klingen daher anders.
Die Moll-Pentatonik
Die C-Moll-Pentatonik hat die Töne: C – Es – F – G – B
Dir ist vielleicht aufgefallen, dass sie wie die natürliche C-Moll-Tonleiter ist, nur ohne zwei Töne (D und As) – und genau das stimmt! Wenn du eine beliebige natürliche Moll-Tonleiter nimmst und die 2. und 6. Stufe weglässt, erhältst du die Moll-Pentatonik in derselben Tonart.
Hier ist ein weiteres Beispiel:
Zunächst die natürliche G-Moll-Tonleiter mit den Tönen: G, A, B, C, D, Es, F
Jetzt lassen wir die 2. und die 6. Stufe weg und behalten: G, B, C, D, F
Diese 5 verbleibenden Töne ergeben die G-Moll-Pentatonik! Vergleich sie mit den Tönen der C-Moll-Pentatonik und du wirst sehen, dass die Intervalle identisch sind. Diese Tonleiter kannst du immer verwenden, wenn du in Moll arbeitest, und sie klingt perfekt, wenn du Melodien und Hooks für deine R&B-Tracks brauchst.
Die Dur-Pentatonik
Hast du schon mal nur auf den schwarzen Tasten eines Klaviers gespielt und gedacht: ‚Wow! Das klingt super'. Nun, diese schwarzen Tasten sind die Töne der Dur-Pentatonik, genauer gesagt der Ges/Fis-Dur-Pentatonik.
Sie ähnelt der Moll-Pentatonik, da sie ebenfalls nur aus 5 Tönen besteht und perfekt zur R&B-Musik passt, aber diese Tonleiter klingt besser, wenn du in Dur arbeitest.
Um eine C-Dur-Pentatonik zu bilden, brauchst du die Töne: C, D, E, G, A
Die beiden fehlenden Töne in dieser Tonleiter sind die 4. und die 7. Stufe. Wenn du eine beliebige Dur-Pentatonik bilden willst, musst du einfach diese beiden Töne von einer beliebigen Dur-Tonleiter wegnehmen.
Wir sagten bereits, dass die beiden pentatonischen Tonleitern technisch identisch sind, aber auf unterschiedlichen Tönen beginnen. Um zu zeigen, wie das funktioniert, nehmen wir unsere C-Moll-Pentatonik von eben und vergleichen sie mit der Es-Dur-Pentatonik.
C-Moll-Pentatonik: C – Es – F – G – B
Es-Dur-Pentatonik: Es – F – G – B – C
Beachte, wie die Es-Dur-Pentatonik dieselben Töne wie die C-Moll-Pentatonik hat, aber an einer anderen Stelle der Tonleiter beginnt. Das gilt für alle Dur- und Moll-Pentatoniken, die zugleich Paralleltonarten zueinander sind.
Ein letzter Punkt: der Grund, warum bestimmte Töne in diesen Tonleitern fehlen. Wenn du beide betrachtest, siehst du, dass keine Halbtöne vorkommen. Stattdessen bestehen beide aus Ganztönen und großen und/oder kleinen Terz-Intervallen. Das liegt daran, dass Halbtöne recht spannungsgeladen klingen und die Tonleiter ohne sie geschmeidiger wirkt. Außerdem bedeutet das Weglassen dieser speziellen Töne, dass auch keine Tritoni entstehen.
In der R&B-Musik sind aber manchmal genau diese spanungsgeladeneren Halbtöne und Tritoni erwünscht – und hier kommen unsere nächsten Tonleitern ins Spiel.
2. Die Blues-Tonleiter
Die Blues-Tonleiter stammt von … richtig geraten … der Blues-Musik.
Wir haben gelernt, dass R&B von Blues-Musik beeinflusst wurde. Nun, in R&B-Songs wird häufig die Blues-Tonleiter verwendet. Wie bei den pentatonischen Tonleitern gibt es sowohl eine Dur- als auch eine Moll-Blues-Tonleiter. Die Blues-Tonleiter ähnelt den Pentatoniken sehr stark, daher sollte dieser Abschnitt ein Kinderspiel sein!
Die Moll-Blues-Tonleiter
Die Moll-Blues-Tonleiter ist identisch mit der Moll-Pentatonik, aber mit einem zusätzlichen Ton.
Hier ist die C-Moll-Blues-Tonleiter: C – Es – F – Fis – G – B
Der zusätzliche Ton ist das Fis und wird im Kontext dieser Tonleiter als ‚Blue Note' bezeichnet, da sie der Tonleiter ihren bluesigen Klang verleiht. Sie erzeugt auch Spannung und Charakter aus mehreren Gründen.
- Erstens, it makes a tritone between itself and the C note
- Zweitens, it’s a non-diatonic note as F# is not in the key of C minor, and, finally, it creates chromaticism within the scale.
Um die ‚Blue Note' für diese Tonleiter schnell zu finden, such erst die Quinte deiner Tonart und geh dann einen Halbton runter – das ergibt die ‚Blue Note'.
Die Dur-Blues-Tonleiter
Auch hier sind die Dur-Blues und die Dur-Pentatonik gleich, nur dass bei ersterer ein zusätzlicher Ton hinzukommt.
Es-Dur-Blues-Tonleiter: Es – F – Fis – G – B – C
Ich habe hier wieder die Tonart Es in meinem Beispiel gewählt, um zu zeigen, wie die Töne der Dur-Blues-Tonleiter identisch mit der parallelen Moll-Blues-Tonleiter sind, aber an einer anderen Stelle beginnen (genau wie bei den pentatonischen Tonleitern).
Die Blue Note ist wieder das Fis (wie in der C-Moll-Blues-Tonleiter), aber anstatt einen Halbton unter der Quinte zu liegen, liegt sie einen Halbton unter der Terz. Das erzeugt Spannung, da sowohl die große als auch die kleine Terz in dieser Tonleiter vorkommen.
Wenn du eine dieser Blues-Tonleitern in deinen R&B-Tracks verwendest, verweile nicht zu lange auf den ‚Blue Notes', sonst können sie fehl am Platz wirken. Nutz sie stattdessen für schnelle Elemente wie Triller, Läufe und Vorschlagsnoten.
Wie du geschmeidige R&B-Akkordfolgen schreibst
Die richtigen Tonleitern zu kennen ist essentiell für den R&B-Sound, aber die Akkordfolgen, über die du diese Tonleitern spielst, sind genauso wichtig. Eine einfache Akkordfolge reicht für R&B-Musik nicht immer aus, aber es gibt viele Techniken, mit denen du deine Akkorde dem Genre anpassen kannst.
Wir beginnen mit einer einfachen Akkordfolge of Fm, Bbm, Gm und C– und verwandeln sie dann in eine harmonisch R&B-typischere Variante, indem wir einige der Techniken anwenden, die wir gleich vorstellen.
1. Verwende erweiterte Akkorde
Die meisten von uns wissen, dass man mindestens drei Töne braucht, um einen Akkord zu bilden, aber du kannst noch einen Schritt weitergehen, indem du zusätzliche Akkordtöne hinzufügst und sogenannte erweiterte Akkorde bildest. Mit erweiterten Akkordenkannst du Septimen, Nonen, Undezimen und sogar Tredezimen zu deinen Akkorden hinzufügen.
Diese sind extrem einfach zu verwenden, und mit MIDI‑Akkordformelnkannst du erweiterte Akkorde im Piano Roll schreiben und so schnell professionelle Akkordfolgen erstellen.
So könnte unsere Akkordfolge aussehen, wenn wir erweiterte Akkorde hinzufügen:
Fm9, Bbm7add13, Gm7, C7
Welche Erweiterungen du deinen Akkorden hinzufügst, liegt ganz bei dir. Probier die verschiedenen Varianten aus, hör dir die unterschiedlichen Klangfarben an, die sie erzeugen, und entscheide basierend darauf, was für dich am besten klingt und dich am nächsten an den R&B-Sound bringt.
Du siehst erweiterte Akkorde entweder als Fm9 geschrieben oder als ‚add'-Akkorde wie Bbm7add13. Dieser Unterschied kann anfangs verwirrend sein, daher hier eine Erklärung zur Klarstellung.
Ein erweiterter Akkord wie Fm9 bedeutet, dass du deinen Fm-Dreiklang hast und alle weiteren Erweiterungen bis zu dieser Zahl. In diesem Fall (weil es die None ist) haben wir die Septime und die None im Akkord.
Das ergibt die Töne: F – As – C – Es – G
Ein ‚add'-Akkord wie Bbm7add13 hingegen bedeutet, dass wir unseren Bbm7-Akkord mit der hinzugefügten Tredezime haben, aber nicht die Erweiterungen dazwischen.
Das ergibt die Töne: B – Des – F – As – G
2. Verwende Slash-Akkorde
Ein typischer Akkord, wie etwa ein C-Dur-Akkord, hätte C als Basston. Mit Slash-Akkorden können wir aber einen anderen Ton als den Grundton als Basston verwenden. Das kann ein anderer Ton aus dem Dreiklang sein, wie bei einem C/E-Akkord, bei dem deine linke Hand ein E im Bass spielt statt eines C. Oder du spielst den Akkord mit der rechten Hand und verwendest eine der oben erwähnten Erweiterungen als Basston.
Hier ist dieselbe Akkordfolge mit hinzugefügten Slash-Akkorden: Fm9/Bb, Bbm7add13, Gm7, C7/D
Für unseren Fmadd9-Akkord haben wir eine Undezime (B) im Bass, da Undezimen im Bass bei Moll-Akkorden am besten klingen. Bei Dur-Akkorden sind Nonen im Bass besser, deshalb hat unser C7-Akkord jetzt ein D im Bass.
Wenn du das nächste Mal eine Akkordfolge erstellst, probier aus, einen anderen Ton als den Grundton im Bass zu verwenden. Fang mit anderen Tönen aus dem Grunddreiklang an und probier dann Septimen, Nonen, Undezimen und Tredezimen aus. Es gibt hier kein richtig oder falsch, also experimentiere und wähl, was für dich und den Klang, den du erreichen willst, am besten passt.
Es geht alles um Ausprobieren!
3. Probier 2-5-1-Akkordfolgen aus
Das ist eine weitere R&B-Technik, die aus dem Jazz stammt, und vielleicht kennst du sie schon. Falls nicht: Eine 2-5-1-Progression ist einfach eine Akkordfolge, die vom 2er-Akkord zum 5er-Akkord geht und zum 1er-Akkord zurückkehrt. Diese Progression wiederholt sich dann.
2-5-1-Progressionen klingen großartig, weil sie leicht geschmeidige Stimmführung und eingängige Melodien ermöglichen. Wenn du sie in deinen Akkordfolgen verwendest, kommst du schnell näher an den R&B-Sound.
Zum Glück enthält unsere Akkordfolge bereits eine 2-5-1. Sie steht in F-Moll, was bedeutet, dass unser 2er-Akkord ein verminderter G-Akkord und der 5er-Akkord ein C-Moll wäre.
Hier sind unsere Akkorde nochmal, damit du die 2-5-1 sehen kannst: Fm9/Bb, Bbm7add13, Gm7, C7/D
Aber Moment, habe ich nicht gerade gesagt, dass der 2er-Akkord in F-Moll ein verminderter G-Akkord sein sollte und der 5er-Akkord ein C-Moll? Warum haben wir hier also Gm7 und C7/D?
Keine Sorge, unsere nächste Technik auf der Liste wird das für dich klären!
4. Verwende geliehene Akkorde (Modal Interchange)
Das ist eine meiner Lieblingstechniken in der Harmonielehre und ich verwende sie ständig beim Komponieren. Der schicke Name dafür lautet Modal Interchange , aber wir nennen es geliehene Akkorde, da dieser Name leichter verständlich ist.
Geliehene Akkorde zu verwenden bedeutet, dass du einen Akkord nimmst, der zu einer anderen Tonart (oder einem anderen Modus) gehört, und ihn in deine Akkordfolge einfügst, während du trotzdem in deiner ursprünglichen Tonart bleibst und sicherstellst, zu ihr zurückzukehren.
Zwar stimmt es, dass vermindertes G und C-Moll diatonische Akkorde in F-Moll sind – aber wir haben die Akkorde Gm7 und C7/D tatsächlich aus anderen Tonarten/Modi geliehen! Der Gm7-Akkord ist geliehen aus der Tonart G-Moll, and the C7/D-Akkord ist geliehen aus der Tonart F-Dur.
Wir haben also bereits geliehene Akkorde in unserer Progression verwendet, aber ich möchte noch einen Schritt weitergehen und einen weiteren geliehenen Akkord nutzen. Daher ändere ich unser Bbm7add13 in ein Bb7add13.
So sieht die Progression jetzt aus: Fm9/Bb, Bb7add13, Gm7, C7/D
Es ist nur eine kleine Änderung, aber wenn man den Bb-Akkord von Moll auf Dur ändert, verändert sich die Klangfarbe des Akkords und der gesamten Progression drastisch, indem sie ein dorisches Feeling bekommt. Dorisch ist ein Modus , der in der R&B-Musik viel verwendet wird, weshalb der Dur-Bb-Akkord hier besser passt.
5. Verwende alterierte Akkorde
Das ist eine weitere Technik, die hauptsächlich aus … richtig geraten … der Jazz-Musik stammt! Diese ist ziemlich fortgeschritten, kann deinen Akkorden aber Biss und Raffinesse verleihen.
Ein alterierter Akkord ist ein Akkord, bei dem du einen oder mehrere seiner Töne um einen Halbton nach oben oder unten verschiebst. Die häufigsten Tonänderungen bei einem alterierten Akkord betreffen die Quinte und die None, die du jeweils erhöhen oder erniedrigen kannst. Das führt zu vielen Variationen.
Für unsere Akkordfolge ändere ich unseren C7/D-Akkord in C7#5#9.
Und … das sieht wirklich verwirrend aus. Also lass uns das aufschlüsseln.
Wir kennen jetzt Septakkorde, also wissen wir, dass ein C7 die Töne C-E-G-Bhat. Wir wissen auch, dass die große None in einem C-Akkord das D ist, also können wir das auch hinzufügen. Aber wir sind noch nicht ganz fertig, denn der neue alterierte Akkord heißt #5#9. Das bedeutet, dass die Quinte in unserem Akkord, das G, um einen Halbton erhöht (übermäßig gemacht) werden muss, sodass es Gis wird, und dasselbe muss mit der None passieren, die zu Dis wird.
Ein C7#5#9-Akkord sieht also so aus: C-E-Gis-B-Dis
Dieser Akkord mag anfangs seltsam aussehen, besonders die Mischung aus Kreuzen und Bes, aber er wird definitiv Würze verleihen und deinen Akkordfolgen einen R&B-Sound geben. Es ist auch wichtig zu bemerken, dass dieser Akkord sowohl die große als auch die kleine Terz von C enthält, was ihm so viel Biss und Spannung verleiht.
Sei vorsichtig, alterierte Akkorde nicht zu überstrapazieren. Zu viel davon kann kitschig wirken und die Musik harmonisch zu zweideutig machen (was du für R&B nicht willst).
Hier ist die Akkordfolge in ihrer finalen Form: Fm9/Bb, Bb7add13, Gm7, C7#5#9
Wie du das richtige Feel und den Spielstil für RnB-Musik bekommst
Wir haben die Tonleitern und harmonischen Techniken gelernt und haben unsere Akkordfolge, aber das reicht noch nicht. Ein wesentlicher Teil des R&B-Sounds ist das richtige Feel und der Spielstil für das Genre. Du kannst diese Tonleitern und Akkorde spielen, so viel du willst, aber wenn du die stilistischen Merkmale nicht beherrschst, wirst du keinen vollständig authentischen R&B-Sound haben. Zum Glück haben wir drei stilistische Merkmale von R&B, die dir helfen sollten, das richtige Gefühl für den Sound zu bekommen.
1. Verwende enge Voicings
Hierbei geht es um die Art, wie du die Töne in deinen Akkorden anordnest. Wenn du deine Akkorde voicst, gibt es zwei Ansätze, die du wählen kannst.
- Einer ist offenes Voicing, bei dem die Akkordtöne weiter auseinander liegen.
- Der andere ist enges Voicing, bei dem die Akkordtöne dichter zusammenliegen und einen kompakteren Klang ergeben.
Letzteres wird in R&B häufiger verwendet. Wenn du also einen erweiterten Akkord mit vielen Tönen hast, mach dir keine Sorgen, wenn diese Töne eng zusammenliegen, denn das hilft dir, einen vollen, warmen Klang zu erzielen (was toll für RnB ist).
2. Füg etwas Swing hinzu
Swing hinzuzufügen ist eine weitere großartige Technik (wieder aus dem Jazz), die deine R&B-Tracks authentischer klingen lassen kann.
Normalerweise spielen wir gerade Rhythmen, das heißt, unsere Achtelnoten sind zum Beispiel alle gleich lang und werden als ‚1-und-2-und-3-und-4-und' gezählt. Wenn Swing hinzugefügt wird, wird jede zweite Achtelnote leicht verzögert, was ihr ein Triolen-Feeling verleiht.
Das ist in Worten ziemlich schwer zu erklären, daher haben wir unten Audiobeispiele eingefügt, um den Unterschied zwischen beiden zu vergleichen.
3. Halte es entspannt
Eins steht bei R&B-Musik fest: Sie ist nicht starr. Stattdessen hat sie einen entspannteren und chilligeren Vibe, und wir müssen sicherstellen, dass wir das in der Art, wie wir unsere Tracks produzieren, erreichen.
Ein einfacher Weg, ein entspanntes Gefühl zu erzeugen, ist sicherzustellen, dass nicht alles präzise am Raster deiner DAW eingerastet ist. Wenn dein Track zu starr und quantisiert klingt, versuch, Teile leicht nach rechts oder links vom Beat zu verschieben.
In Ableton kannst du Noten in deiner MIDI-Spur oder deinem Audio-Kanal markieren und „Alt" gedrückt halten, während du die „Pfeiltasten" verwendest, um den Anschlagspunkt der Noten leicht zu verschieben. So kannst du Swing in deine Beats injizieren und ihnen einen viel entspannteren Vibe verleihen.
Hör dir nochmal das Drum-Beat-Beispiel mit Swing von oben an und hör, wie einige der Drum-Hits leicht hinter dem Beat liegen, was ihm ein entspanntes Gefühl verleiht.
Was sind die häufigsten R&B-Akkordfolgen?
Zum Abschluss hier eine Liste häufiger R&B-Akkordfolgen, die du verwenden kannst. Schau sie dir an, probier sie in verschiedenen Tonarten aus und wende einige der Techniken an, die wir behandelt haben, um sie aufzupeppen.
Vielleicht kreierst du mit einer davon deinen nächsten R&B-Hit.
Hier ist die vollständige Liste häufiger R&B-Akkordfolgen:
- Fmaj7 – Cmaj7
- Fmaj7 – Am7
- Dm7 – G7 – Cmaj7
- Fmaj7 – Am7 – G7
- Dm7 – Am7 – Bbmaj7 – Gm7
- Dbmaj7 – Cm7 – Cm7 – F
- Cmaj7 – Am7 – Fmaj7 – G7
- Am9 – Dm9
- Gm7 – A7#5) – Dm7 – G
- Fm9 – Cm9
- Gm – Eb – Cm7 – D
- Bm7 – Gmaj7 – F#aug7
- Em9 – Cmaj9 – Am9 – B7#9
- Fmaj7 – Em11 – Am9 – Am/F#
- F#maj11/13 – Bm9 – C#m7
- Cmaj7 – A7 – Dm7 – G7
- Cm7 – Fm7 – Bbmaj7 – Ebmaj7 – Abmaj7 – Dm7 – Bdim7
Zusammenfassung der wichtigsten Punkte
| Aspekt | Kernpunkte |
|---|---|
| R&B-Definition | Entwickelte sich aus Blues, um Rock and Roll, Soul, Funk zu repräsentieren; Contemporary R&B vermischt verschiedene Genres. |
| Charakteristische Sound-Elemente | Tonleitern, Modi, Akkordfolgen, Voicing, BPM, Taktart, Feel und Vibe sind entscheidend. |
| R&B-Tonleitern | Pentatonische Tonleitern (Dur und Moll), Blues-Tonleitern (Dur und Moll) und ihre Eigenschaften. |
| Geschmeidige Akkordfolgen | Verwende erweiterte Akkorde, Slash-Akkorde, 2-5-1-Progressionen, geliehene Akkorde (Modal Interchange), alterierte Akkorde. |
| Stilistische Merkmale | Enge Voicings, Swing-Rhythmen, entspannter Vibe. |