Cómo Mezclar una Canción

Mezclar una canción en tu estudio de grabación casero puede ser un desafío. Puedes tener equipo de baja calidad, poca experiencia, una sala sin tratar, etc.

Pero eso no es cierto. Puedes crear mezclas geniales en tu casa con un equipamiento mínimo y muy poca experiencia. No necesitas equipo de calidad de estudio profesional para mezclar canciones.

Necesitas una laptop decente, un DAW y un par de plugins para mezclar tus pistas en casa. Y estoy aquí para mostrarte cómo puedes hacerlo.

Si nunca has mezclado una canción antes, no te preocupes. Después de leer esta guía tendrás una buena comprensión de cómo funciona la mezcla, cómo hacerla y qué errores debes evitar.

Asegúrate de Que la Canción Esté Lista Para Mezclar

La mezcla es la segunda parte antes de terminar tu canción. La primera parte es la grabación. Así que, antes de mezclar una canción, por supuesto, necesitas tener una grabación. Y una buena.

Si has leído la guía sobre cómo grabar una canción, entonces ya sabes cómo grabar una canción y cómo balancearla para que esté lista para mezclar. Pero antes de empezar a mezclar, tienes que revisar tu mezcla nuevamente.

Asegúrate de que esté grabada como querías. Además, la grabación debe estar bien ejecutada y bien grabada, sin partes malas, y debe estar ajustada. Entonces, necesitas una grabación excelente con un sonido excelente. No puedes mejorar fuentes de sonido malas durante la mezcla.

Mezclar con Audífonos vs Monitores

Hay un debate interminable entre los ingenieros de mezcla. ¿Cuál es mejor para mezclar: monitores de estudio o audífonos? Podemos discutirlo pero la respuesta es: ambos.

En general, los monitores de estudio son mejores para mezclar. Tienen altavoces más grandes, la respuesta de frecuencia es más completa y más detallada. Además, escuchas tu música en el contexto de tu sala y esto afecta el sonido. Es más natural.

Pero los buenos audífonos también son geniales para mezclar. Personalmente he mezclado muchas canciones con audífonos y los resultados fueron excelentes. Todo depende de la calidad.

Si tienes un monitor de estudio barato, es mejor usar audífonos de buena calidad. Además, cuando tienes un estudio en tu casa, a veces es más conveniente usar audífonos.

Así que, ambos son buenos para mezclar. Los monitores de estudio son mejores. Pero la mejor solución es tener ambos. De esta manera puedes verificar cómo suenan tus mezclas en diferentes altavoces.

Cómo Mezclar una Canción

Ahora, si tu canción no tiene problemas y estás satisfecho con tu grabación, es momento de comenzar la sesión de mezcla. Aprenderás cómo mezclar una canción en trece pasos.

1. Escucha la Pista Completa

Cuando empieces el proceso de mezcla, el paso inicial es escuchar cuidadosamente tu canción, desde el principio hasta el final. Es crucial repetir este paso varias veces para asegurar una comprensión completa de la composición. Al hacerlo, podrás identificar y prevenir proactivamente varios problemas que puedan surgir más adelante.

La razón es que necesitas saber cómo suena tu canción, debes sentirla. Si no entiendes tu canción, no podrás mezclarla bien. Cada canción requiere un enfoque diferente porque no hay reglas estándar para mezclar.

Escuchar una canción te dará ideas de cómo abordarla. Y dependiendo de la pista o género, tienes que mezclar cada canción de manera diferente. Además, muchos ingenieros usan la pista de referencia método pero no me gusta ese método.

Además, si haces un álbum y tienes seis o siete canciones, tienes que escuchar cada canción y asegurarte de que suenen muy similares entre sí. Pero mezclar un álbum es un tema diferente. Aquí hablamos de mezclar una sola canción.

Cuando escuchas la canción completa, te acostumbras a ella, surgen ideas y el proceso de mezcla se vuelve más fácil. Porque si no sabes qué estás mezclando, no podrás producir grandes canciones.

Puede sonar aburrido, pero debes escuchar tu canción para entender qué es y qué necesita.

2. Gestiona el Gain Staging

Escuchaste tu pista, la entiendes y ya tienes un par de ideas sobre cómo quieres mezclarla. Y es hora de comenzar el proceso de mezcla real. El primer paso en la mezcla real es ajuste de ganancia.

Este es uno de los pasos más importantes en la mezcla y por eso es el número uno en esta lista. Sin gain staging, una buena mezcla es imposible. El gain staging no es difícil de hacer pero requiere atención.

El gain staging es el proceso en el que equilibras los niveles de volumen de tus instrumentos. No necesita plugins ni herramientas. Lo haces con los faders de volumen. El objetivo es crear una mezcla de sonido equilibrada con headroom para el mastering futuro.

Y aquí es donde el primer paso resulta útil. Porque has escuchado tu canción, ahora sabes qué necesita. Así que nunca te saltes el primer paso cuando mezcles una canción.

Lo que necesitas hacer durante el gain staging es ajustar cada fader de volumen de instrumentos y voces para lograr el sonido deseado. Equilibra los volúmenes entre todas las pistas. Haz que suene como quieres que sea.

Hay varias formas diferentes de abordar el gain staging, pero tengo mi favorita que uso todo el tiempo. Es muy simple y puedes implementarla en tu gain staging.

Primero que nada, bajo todos los faders completamente hasta el infinito negativo en lugar de 0 dB, que en un fader de DAW es unity gain y no silencio. Luego los subo de uno en uno hasta que estoy satisfecho con el sonido.

Siempre empiezo con la batería porque es la base de la canción. Subo los bombos lentamente hasta que alcanzan el volumen deseado. Luego la caja, el hi-hat, los toms, etc.

Después de la batería, el bajo toma el escenario. Este es mi momento oportuno para afinar los graves y asegurar una mezcla armoniosa. Mientras la batería marca el ritmo, aumento gradualmente el volumen del bajo hasta alcanzar la satisfacción deseada, logrando una fusión bien equilibrada de batería y bajo.

Después de la batería y el bajo, es hora de las guitarras. Primero aumento las guitarras rítmicas y después cualquier guitarra adicional si hay alguna. Puede ser una guitarra lead, un fill, una armonía o algo similar.

Así que continúo este proceso y lo termino con las voces. Siempre hago las voces al final. Porque necesito que la música esté equilibrada y bien. Después de tener buena música, puedes mezclar las voces. Comienza con las pistas de voces principales y luego agrega coros u otras voces.

El objetivo es tener un sonido equilibrado. Cada instrumento debe tener su lugar en la mezcla y esto cambia de canción en canción. Pero no aumentes demasiado tus instrumentos porque causará clipping en el sonido. Y eso es malo.

Pero lo que es más importante es mantener un ojo en el master bus. Puedes equilibrar cada instrumento pero como todos estos instrumentos van al master bus, puede empezar a hacer clipping. No quieres que eso suceda. Necesitas dejar headroom para que la mezcla respire. Además, el headroom es crítico para el mastering.

Así que déjate headroom en el master bus. El headroom se trata de picos, no de promedios: mi objetivo es que los picos lleguen alrededor de -6 dBFS, lo que deja bastante espacio para el mastering. Lo que importa mucho más que cualquier número exacto es que el archivo no haga clipping. Y no muevas el fader del master bus para lograrlo. Se queda sin tocar.

3. Panea los Instrumentos

La panorámica de instrumentos es el siguiente paso en la mezcla y uno muy importante. Si haces un buen gain staging y panning, puedes decir que hiciste el 60% de tu mezcla. El otro 40% es EQ, compresor y efectos. Cuando mezcles una canción, siempre piensa en la panorámica de los instrumentos.

Déjame explicar qué significa panning. Las pistas mono llegan situadas en el centro del campo estéreo, todas apiladas en el mismo lugar, y el panning es cómo las distribuyes entre los altavoces izquierdo y derecho. Una pista estéreo es diferente: ya lleva su propia anchura, sin importar lo que esté haciendo su control de panorámica.

Cada DAW tiene una pequeña perilla de panorámica. Por defecto, están en el centro y puedes moverlas a la derecha o a la izquierda. La mayoría de los DAWs miden la panorámica en porcentaje. Por ejemplo, 100% de panorámica significa que escucharás ese instrumento solo en un altavoz, 50% significa panorámica a la mitad, y así sucesivamente. 0% es el centro.

Y ese es el proceso de panning. Paneas tus instrumentos y voces a ambos lados o los dejas en el centro. Y hay una forma común de panear instrumentos. Aquí te lo explico.

Por ejemplo, las guitarras rítmicas van completamente hacia los lados. Esto se llama hard panning. Una guitarra va 100% a la izquierda y otra 100% a la derecha. Esto es muy común en música metal o música pesada en general. Pero puedes panoramizarlas al 75% o lo que te suene bien. Aunque el 100% es muy común.

El bajo, las voces y el bombo se quedan en el centro porque necesitas el golpe del bajo y el bombo, deben permanecer en el centro del espectro estéreo. Las voces adicionales pueden ir a los lados pero no es necesario hacer hard panning.

Existen diferentes preferencias en cuanto a la ubicación de la batería: algunos prefieren una disposición centrada, mientras que otros aprecian efectos de panorámica sutiles con la batería. Imagínate como el oyente, mirando la batería. El snare, por ejemplo, está posicionado ligeramente a la derecha, mientras que el hi-hat se inclina más hacia el lado derecho. Por otro lado, los toms de piso están ubicados a la izquierda, y así sucesivamente.

Así que puedes panoramizarlos exactamente de la misma manera. Por ejemplo, puedes panoramizar el snare hacia el lado derecho alrededor del 10%, el hi-hat alrededor del 15%, los toms de piso al 15-20% del lado izquierdo, y así sucesivamente. Puedes experimentar con ello. Es tu canción y lo que te suene mejor es la mejor forma de panoramizar.

Puedes panoramizar diferentes instrumentos hacia los lados o dejarlos en el centro. Todo depende de cuántos instrumentos haya en la pista y qué quieras hacer con ellos. No hay reglas en la mezcla. Solo algunas prácticas comunes de muchos años de experiencia.

4. Prepara la Pista para la Mezcla

Este paso no es muy común entre los ingenieros de mezcla. He visto muy pocas personas que lo hagan pero me gusta este método. Lo llamo preparación para la mezcla. Y es muy fácil de hacer. Siempre lo hago cuando mezclo una canción.

Esto es lo que hago. Antes de empezar a aplicar EQ y compresor en las pistas y comenzar a mezclar, inserto plugins de EQ en cada pista y solo hago HPF y LPF sutiles. En otras palabras, corto los agudos y graves extremos de cada pista. Dependiendo del instrumento, las frecuencias son diferentes.

Simplemente corta las frecuencias innecesarias. No las necesitamos. Ensucian toda la mezcla. Solo usa el plugin con el que te sientas cómodo y haz cortes simples de agudos y graves. Y luego escucha tu pista.

De esta manera escucho cómo suena mi mezcla sin frecuencias innecesarias. Se vuelve más clara. Además, de esta manera encuentro qué instrumento necesita más ajustes de EQ, cuál necesita menos, y algunos instrumentos ni siquiera requieren EQ.

Entonces, antes de empezar la mezcla real, quiero eliminar las frecuencias malas y escuchar mi canción. Me da una mejor visión de mi canción y de lo que hay que hacer.

Este es mi truco personal de mezcla y puedes usarlo u omitirlo y comenzar con la mezcla tradicional directamente.

Además, no mezcles en solo. Porque cuando mezclas en solo puedes conseguir un tono de bajo genial pero tan pronto como actives toda la mezcla, puede que no suene bien. Así que siempre mezcla en el contexto de la canción.

Sin embargo, es buena idea revisar tus instrumentos en solo. Quizás encuentres algunas frecuencias malas y las edites. Así que, a veces revisa en solo pero mezcla en el contexto de toda la pista.

5. Empieza la Mezcla con la Batería

Empieza tu mezcla con la batería porque necesitas crear una base sólida para tu canción. La batería debe ser fuerte y contundente. La batería le da potencia a las canciones.

Empieza con el bombo porque es la fuente de los graves, el golpe, y debe encajar bien con el bajo. Después de eso mezcla el snare, el hi-hat, los toms y por último los platillos.

Si hiciste el paso anterior, ya tienes un EQ en la pista con LPF y HPF activados. Ahora necesitas empezar a cortar frecuencias innecesarias y realzar las frecuencias que le dan al instrumento su sonido.

Primero, empieza cortando. Encuentra la frecuencia que es mala o que ensucia el sonido y córtala. De esta manera preservas el sonido original, solo cortando las frecuencias incorrectas.

Después de cortar, empieza a realzar las frecuencias correctas y jugosas. En general, los cortes deben tener una curva estrecha, y los realces deben ser más amplios. Puedes hacerlo con el control Q.

Simultáneamente, escucha toda la mezcla y detecta cambios. Así que no hagas cambios drásticos en tu EQ. Escucha cuidadosamente y encontrarás el mejor punto para cortes y realces.

Cuando mezclas una canción el objetivo es preservar el tono original del instrumento cortando las frecuencias incorrectas y realzando las buenas. 

6. Mezcla el bajo

Después de la batería, necesitas mezclar el bajo. Estos dos instrumentos crean los graves, el golpe y la potencia de la pista. Así que necesitas que batería y bajo estén lo más ajustados posible.

Mezclas el bajo de la misma forma que la batería. Aplica EQ y luego el compresor. También puedes agregar algún tipo de saturación si quieres que el bajo tenga un poco de distorsión. Esto también ayuda a que el bajo se destaque en la mezcla.

Puedes grabar y mezclar el bajo de varias formas. Por ejemplo, puedes tener dos pistas de bajo: una con el sonido del amplificador y otra solo con la señal DI del bajo. El enfoque será diferente en cada caso.

Una forma de usarlas es dejar que la DI lleve los graves y el amplificador lleve el carácter de medios: aplica pase-bajo a la DI, pase-alto al amplificador en el mismo punto. Revisa la fase y sincronización de ambas antes de confiar en ellas, porque una DI y un amplificador microfoneado no llegan al mismo tiempo y el par puede terminar sonando más delgado que la DI sola.

Ahora puedes controlar las frecuencias bajas por separado. Luego combinas las dos pistas de bajo y las conviertes en una. Puedes crear un bus separado para los bajos y enviar ambas señales de bajo a él. Así puedes controlar el volumen de ambos bajos juntos.

Algunas personas prefieren tener tres pistas de bajo. Una pista de amplificador de bajo y dos DI. Usan una DI para los graves y otra solo para los agudos. Tienen control de graves y agudos. Después de mezclar puedes enviar todas las pistas a un bus y usarlo como una sola pista de bajo.

Hay muchas otras formas de trabajar el bajo cuando mezclas una canción. Puedes usar cualquiera de ellas. Puedes tener una pista de bajo, dos pistas de bajo o incluso tres pistas separadas para el bajo.

7. Mezcla las guitarras rítmicas

Ahora es momento de mezclar las guitarras rítmicas, un paso muy importante. Tus guitarras deben sonar grandes y poderosas. Con batería y bajo creaste el golpe, la potencia y los graves. Es hora de agregar más energía y la potencia de los medios a tu pista.

Como con el bajo, puedes mezclar guitarras de muchas formas diferentes. No hay reglas. Cada canción necesita métodos distintos. Además, se necesita un enfoque diferente para guitarra limpia y guitarra pesada .

Tienes tus guitarras panneadas completamente a los lados. Ahora puedes mezclar ambas guitarras por separado. Corta graves y agudos innecesarios y realza las frecuencias jugosas. En general, las guitarras necesitan cortes alrededor de 500Hz. Esta sección suena acartonada.

También puedes realzar frecuencias de 1K a 3K. Pero dependiendo de tu sonido, puede variar. Así que escucha con atención tus guitarras y toma buenas decisiones. Encuentra la sección jugosa de tus guitarras y reálzala.

Otra cosa que puedes hacer al mezclar una canción es crear un bus y enviar ambas guitarras a esa pista. Ahora puedes tratar ambas guitarras como una sola. Si las guitarras están bien grabadas con buen sonido, no necesitas mezclarlas por separado. Solo envíalas al bus y mézclelas ahí.

Puedes hacer algunos ajustes menores de EQ por separado, pero haz la mezcla principal en el bus de guitarras.

Las guitarras pesadas a menudo no necesitan compresor en absoluto, porque un tono de alta ganancia ya está muy comprimido por la distorsión. Usa uno solo si la interpretación es irregular o los palm mutes sobresalen demasiado, y ve con suavidad cuando lo hagas.

Pero sí puedes agregar un compresor en una guitarra eléctrica limpia o guitarra acústica. Pero no necesitas mucha compresión. Solo un poco será suficiente.

Después de mezclar tus guitarras, llenarán los medios y tu canción se volverá más llena y poderosa.

8. Mezcla otros instrumentos y overdubs

Después de mezclar todos los instrumentos principales y tener el cuerpo de tu sonido listo, es hora de mezclar otros instrumentos y overdubs. Algunos instrumentos necesitarán más mezcla que otros.

Para mezclar una canción por completo, no necesitas usar EQ y compresor en cada pista. Algunas pistas no requieren ninguna mezcla. Si encaja en la mezcla, déjala. Porque el EQ o el compresor pueden arruinar el sonido de ese instrumento en particular.

Ahora puedes mezclar el piano, sintes o cualquier instrumento adicional que tengas. También, si tienes overdubs, armonías o guitarra líder, puedes mezclarlos ahora. Pero trata de no cambiar el sonido general de forma drástica.

Estos instrumentos complementan el sonido. Pueden añadir cierto sabor a tu canción. Así que no se requiere una mezcla drástica o quirúrgica.

9. Mezcla las Voces

Y la última pista muy importante cuando mezclas una canción es la pista vocal. Es la última pieza que falta en tu canción. Primero, mezcla las voces principales, luego mezcla las voces de apoyo o armonías.

Mezclar voces es una tarea muy delicada. Las voces deben estar bien cantadas y grabadas para que suenen bien. Solo necesitas hacerlas más impresionantes y potentes.

El objetivo es hacerlas consistentes. Deben tener potencia. Así que, con el EQ necesitas cortar todas las frecuencias malas y turbias y resaltar la esencia de las voces. Dale la potencia que necesitan.

El compresor es más importante en las voces que el EQ. Una voz bien grabada necesita muy pocos ajustes de EQ, pero como las voces son muy dinámicas, necesita buena compresión. No demasiada, pero buena.

Las voces deben ser consistentes, parejas y potentes. Y puedes lograrlo con el poder del compresor. Ya sea un plugin de compresor o un compresor analógico.

Las voces no deben perderse en la mezcla. Puedes escucharlas y escucharlas bien. Si escuchas la voz en algunas secciones y la pierdes en otras, eso necesita arreglo. Un compresor es la herramienta habitual, aunque el clip gain y la automatización de volumen a menudo hacen un trabajo más limpio, y a veces lo que realmente está mal es que algo más en el arreglo está en el camino.

Después de mezclar las voces principales, mezcla las pistas vocales adicionales.

Además, la integración es muy importante con las voces. Si tienes una voz doblada, estas deben estar muy ajustadas. Tus voces principal y doblada deben sonar como una sola. La voz doblada ayuda a que sea más potente y a que las voces corten mejor en la mezcla.

Además, nivelar el volumen es muy importante cuando integras diferentes pistas vocales. El balance lo es todo.

10. Escucha de Nuevo y Haz Ediciones Menores

Ahora es el mejor momento para escuchar tu pista y hacer los cambios finales. Porque si te pierdes el error ahora, será tarde para cambios.

Solo escucha la pista completa un par de veces e intenta encontrar cualquier cosa que no te guste y sientas que necesita alguna corrección.

Puede ser un problema de frecuencia, demasiado compresor que hace que el sonido sea muy antinatural, instrumentos que no encajan bien en la mezcla, etc.

Eres libre aquí. Encuentra cualquier cosa que no te guste y corrígela. Este es el mejor momento para hacer ediciones finales a tu canción.

Además, es buena idea escuchar tu mezcla con diferentes altavoces. Prueba diferentes monitores de estudio, auriculares, autos, etc. Puede sonar genial en tu estudio, pero no tan genial en el auto. Quizás no escuches el bajo en los auriculares pero en el auto está alto.

Regresa a tu estudio y haz cambios. Repite el proceso hasta que suene genial en cualquier entorno. Verificar el resultado final es importante cuando mezclas una canción.

11. Añade Efectos

Ahora tienes una mezcla completa. Te gusta. Y es momento de añadir efectos a tus pistas. Puedes hacer esto cuando mezclas las pistas individuales, pero entonces si no haces algo, es muy difícil hacer correcciones cuando los efectos están aplicados en la pista.

Con efectos me refiero a reverb, delay, saturación, o cualquier otro efecto que mejore el sonido. Tu mezcla ya suena bien pero necesita un toque adicional y sutil.

Usa reverb para agregar espacio a tus instrumentos, voces y pista completa. La saturación añade distorsión y ayuda a que destaque mejor en la mezcla.

Por ejemplo, la reverb hace que la batería suene viva y espaciosa. También puedes usar efectos como flanger, phaser, o lo que sientas que funciona.

No agregues efectos hasta revisar tu mezcla final. Las correcciones serán más difíciles. Agrega efectos después de hacer los ajustes finales a tu mezcla.

12. Ajustes Cosméticos en el Bus Maestro

Al mezclar una canción, es crucial hacer ajustes al bus maestro. Todas las pistas individuales se enrutan al bus maestro, que finalmente entrega el sonido por los altavoces. Por lo tanto, el bus maestro tiene una importancia significativa en la mezcla general. Sin embargo, no son necesarias modificaciones extensas, ya que ajustes sutiles pueden ser suficientes.

Primero, agrega un EQ y haz muy pocos cambios sutiles. Quizás haya una acumulación en los graves o frecuencias altas muy ásperas. Con el EQ puedes cortarlas. Pero cortes muy sutiles. Alrededor de 1 a 2dB de corte o realce.

De la misma forma, puedes usar un compresor. Cambios muy sutiles para hacer que tu pista completa sea más cohesiva y pareja. Pegará tu mezcla. A veces ni siquiera agregas nada al bus maestro. Si suena bien, no hagas nada.

No se requiere ningún otro plugin para el bus maestro. Solo EQ y compresor. Y haz muy pocos cambios. Un giro equivocado de la perilla puede arruinarlo todo.

Y finalmente, revisa el bus maestro una vez más. Picos alrededor de -6 dBFS dejan un margen cómodo para el mastering, y un archivo sin clipping importa más que alcanzar una cifra particular.

13. Exporta la Mezcla

Y el paso final en la mezcla es exportar tu canción para mastering. No es difícil de hacer pero hay un par de cosas que debes saber.

Debes exportar la canción a la misma frecuencia de muestreo con la que la grabaste. La mayoría graba y mezcla en 44.1 kHz. Entonces, si grabaste a esa frecuencia de muestreo, exporta a 44.1 kHz. Y debe estar en formato WAV. No exportes tu mezcla en MP3.

Lo siguiente es el dither, el ruido de bajo nivel que se agrega para suavizar lo que se pierde cuando reduces un archivo de audio a una profundidad de bits menor. Habrá una casilla de dither en el diálogo de exportación. Úsala solo cuando realmente estés reduciendo la profundidad de bits, y solo una vez, en la conversión final. Si vas a enviar la mezcla para masterizar, pregunta qué profundidad de bits quieren y deja el dithering a ellos.

Los DAWs modernos ya tienen la mejor configuración de exportación de calidad. Así que hay pocas posibilidades de que exportes tus archivos incorrectamente. Pero es bueno saber cómo exportar tu canción correctamente.

Conclusión

La mezcla es una parte muy importante de la creación musical. No es fácil pero tampoco es difícil. Necesitas práctica y experiencia. Mezclar una canción en tu estudio casero ya no es algo difícil. Tienes todas las herramientas que necesitas para grabar y lanzar tu canción desde casa. Necesitas una laptop, un DAW y algunos plugins y estás listo para hacer grabaciones en tu estudio casero.

Necesitas grabar tu canción y seguir estos pasos de mezcla para hacer grandes canciones. Además, hay varios errores de mezcla que debes evitar. Después de la mezcla, está el paso final que es el mastering de la canción.