So fängst du mit Musikproduktion an

Was ist Musikproduktion

Vom Komponieren über Mixing bis Mastering – Music Producer sind die Alleskönner der Musikbranche. Man unterscheidet meist zwischen Artist Producern und Studio-Producern; in diesem Artikel konzentrieren wir uns auf Artist Producer, sprechen aber auch über andere Produktionsrollen.

Wie steige ich ohne Erfahrung in die Musikproduktion ein?

Für die meisten ist der Einstieg in die Musikproduktion erstmal überwältigend. Bei uns war's genauso! Aber keine Sorge – der Einstieg in die Welt der Produktion ist wirklich einfach.

Wenn du den Weg als Tontechniker einschlagen willst, arbeite ehrenamtlich in Studios mit. Versuch einen Job als Runner oder Kaffee-Junge zu bekommen. Wenn du lange genug bleibst, lernst du nach und nach dazu und steigst auf.

Wenn du einfach nur Beats in deinem Zimmer machen willst, solltest du als Erstes ein kostenloses DAW herunterladen– oder eins kaufen. Lerne dann die Grundlagen deines DAW und fang an, einen Song zu bauen. Es ist egal, wie schlecht der Song ist oder wie weit er von dem entfernt klingt, was du dir vorstellst. Fang einfach an.

Wenn du auf etwas stößt, das du nicht kannst oder verstehst, schau dir auf YouTube ein paar Tutorials dazu an.

Wenn du einen Song fertig hast, versuch ihn zu mischen und danach zu mastern.

Fang erstmal nur mit Lautstärke-Anpassungen an, um deine Songs zu mischen, und entwickle ein Gefühl dafür, auf welchem Pegel jedes Instrument liegen sollte. Dann lerne, was Kompression ist, was EQ ist usw.

Schau dir unbedingt Tutorials an, wie man bestimmte Instrumente mischt – z. B. Vocals – oder wie man bestimmte Tools benutzt, die du noch nicht verstehst. Aber bleib nicht in der Tutorial-Falle hängen, ohne selbst aktiv zu werden.

Am besten lernst du durchs Machen.

Nachdem du deine ersten paar Songs gemacht hast, fang an, dich mit Sounddesign zu beschäftigen. Such dir einen Synth aus und lerne ihn in- und auswendig. Wir empfehlen Serum zum Lernen, weil er anfängerfreundlich und gleichzeitig ein absolutes Kraftpaket ist.

Mach weiter neue Songs und probiere die Sachen aus, die du in Tutorials gelernt hast. So wirst du schnell besser. Es hilft auch, deine Sessions zu trennen und an verschiedenen Wochentagen verschiedene Dinge zu machen, um dein Lernen zu verbessern.

Weiter unten in diesem Artikel findest du eine Beispiel-Übungsroutine , an der du dich orientieren kannst.

Ist Musikmachen schwer?

Wie bei den meisten kreativen (oder überhaupt allen) Vorhaben ist Musikmachen wirklich schwer. Aber das heißt nicht, dass du es nicht auf einfache Weise lernen kannst, sodass der Prozess viel angenehmer wird.

Du solltest Musikproduktion in kleinen Häppchen lernen, damit du nicht überfordert wirst oder ausbrennst. Kreative Berufe sind stark mit tiefer, mental anstrengender Arbeit verbunden.

Es wird dir schwerfallen, täglich 4 oder mehr Stunden wirklich tiefes, konzentriertes Üben zu schaffen (selbst ohne Vollzeitjob).

Sei also nicht zu hart zu dir selbst. Du wirst nicht über Nacht zum Superstar – und vergleich dich nicht mit Profis.

Konzentriere dich darauf, immer nur eine Sache zu lernen. Lerne zuerst die Grundlagen deines DAW, dann das Songwriting, dann Sounddesign, dann Mixing und Mastering usw. Setze dir für jede Session ein konkretes Ziel und fokussiere dich nur darauf.

Das macht den Lernprozess einfacher und viel angenehmer!

Was du je nach Rolle zum Einstieg brauchst

Die Equipment-Liste hängt davon ab, was du machst. Drei typische Startpunkte:

Beat Maker oder elektronischer Producer

• Computer
• DAW (Ableton Live, FL Studio, Logic Pro, Reaper)
• Kopfhörer
• Audio-Interface (am Anfang optional)
• MIDI-Keyboard oder Pad-Controller (optional)

Solange du einen Computer und ein DAW hast, kannst du loslegen. Alles andere ist Luxus, bis du merkst, dass du es wirklich brauchst.

Singer-Songwriter

• Computer
• DAW (Logic Pro, Reaper, Ableton Live, Pro Tools)
• Audio-Interface
• Ein vielseitiges Mikrofon (Shure SM7B oder ein SM58, wenn's günstiger sein soll)
• Kopfhörer

Ein portabler Field Recorder (Zoom H-Serie) dient gleichzeitig als Interface, Mikrofon und Recorder, um Ideen unterwegs festzuhalten.

Mixing- oder Mastering-Engineer

• Computer
• DAW (Pro Tools, Reaper, Logic Pro, Ableton Live)
• Audio-Interface
• Studio-Monitore
• Referenz-Kopfhörer
• Akustikbehandlung

Engineers hören meistens auf Monitoren, deshalb ist der Raum genauso wichtig wie die Boxen: Bass Traps hinter den Monitoren, Absorber an den ersten Reflexionspunkten, ein großer Teppich und kein blankes Glas direkt vor oder hinter dir. Pro Tools zu lernen ist immer noch der sicherste Weg in ein kommerzielles Studio; zu Hause reicht jedes DAW, das du gut kennst.

So fängst du mit Musikproduktion an

Hier ist eine kurze Schritt-für-Schritt-Anleitung, die dir zeigt, wie du mit Musikproduktion anfängst:

1. Hol dir ein DAW
2. Fang an, Sounddesign zu lernen
3. Lerne Mixing und Mastering
4. Fang an, Arrangement zu lernen
5. Lerne Datei- und Export-Einstellungen kennen
6. Bau deine Plugin- und Hardware-Sammlung aus
7. Beschäftige dich mit Studio-Equipment
8. Erstelle eine Übungsroutine, an die du dich hältst
9. Hol dir Feedback zu deinen Tracks

1. Hol dir ein DAW

Das DAW ist das Herzstück deines Musikproduktions-Setups. Egal, ob du Bedroom Producer bist oder in einem großen Studio arbeitest – alles läuft am Ende in einem DAW zusammen. Selbst teure Mischpulte werden letztlich über ein DAW geroutet.

Hier kannst du deine Musik arrangieren, Sounds erstellen, Drums bauen usw.

Zum Glück ist der DAW-Markt in den letzten Jahren lebendiger denn je geworden und bietet richtig gute Optionen zu niedrigen Einstiegspreisen.

Unsere Favoriten für den Einstieg in die Musikproduktion sind:

• Ableton Live
• Logic Pro
• Reaper
• GarageBand (kostenlos)

Wenn du absolut knapp bei Kasse bist, gibt es auch eine unglaubliche Auswahl an kostenlosen DAWs zum Download. Und außerdem gibt es auch richtig gute mobile DAWs, falls du keinen Zugang zu einem Computer hast.

• Für Android-Smartphones ist Caustic eine großartige App, mit der du komplette Songs mit verschiedenen Instrumenten, Synths und Effekten machen kannst.
• Für iPhone hast du direkt Zugriff auf GarageBand, was ein tolles DAW ist – aber wenn du ein Upgrade willst, ist der FLIP Sampler ein unglaubliches mobiles DAW.

Irgendwann wirst du für ein vollwertiges DAW Geld ausgeben wollen, also schauen wir uns ein paar der besten Optionen genauer an.

Ableton Live

Kompatibilität: Windows & Mac – Preis: drei Editionen, Einmallizenz oder Ratenzahlung, 30 Tage kostenlose Testversion

Ableton Live ist unser Lieblings-DAW und das schnellste von allen – mit einem unglaublichen Workflow.

Es bietet eine inspirierende Freiheit, alles zu kreieren, was du dir vorstellen kannst. Mit extrem guten eingebauten Synthesizern, Effekten und tonnenweise professionellen Sounds gibt es keine bessere Option für Leute, die mit Musikproduktion anfangen wollen.

Allerdings ist es nicht die intuitivste Software für Anfänger und kann auf den ersten Blick ziemlich abschreckend wirken. Wir finden Live zwar toll – aber wir sind es gewohnt. Und … Anfänger können von Ableton Lives riesiger Anzahl an Optionen und Bedienelementen leicht überfordert werden.

Die Vollversion von Ableton Live Suite kann auch ziemlich teuer sein, aber es gibt eine 30-Tage-Testversion sowie eine kostenlose Version von Ableton Live .

Schau dir diesen großartigen Artikel an, wenn du mehr darüber erfahren willst, wie du Ableton Live KOSTENLOS bekommst!

Logic Pro

Kompatibilität: nur Mac – Preis: Einmalkauf oder Apple Creator Studio Abo, kostenlose Testversion

Logic Pro ist wahrscheinlich das DAW deiner Wahl, wenn Ableton dir nicht zusagt. Tatsächlich sind Live und Logic seit Jahren enge Konkurrenten.

Allerdings kommt Logic Pro mit jedem Update Ableton näher, sodass man die beiden nur noch im Detail vergleichen kann.

Logic Pro ist für Anfänger sofort ansprechender. Logic war tatsächlich das, womit wir selbst angefangen haben. Die Benutzeroberfläche ist schön, und es hat alles, was du brauchst. Es ist großartig für Metering, Mixing, Mastering, Recording und elektronische Produktion.

Es ist wirklich ein Allrounder.

Mittlerweile sind wir auf Ableton umgestiegen, aber das kam erst nach jahrelangem Logic Pro-Gebrauch. Und Logic würde ich Anfängern immer noch eher empfehlen als Ableton.

Logic gibt dir viel mehr visuelles Feedback darüber, was du gerade machst. Wenn du z. B. ein Keyboard zu einem MIDI-Kanal hinzufügst, siehst du ein Keyboard-Symbol.

Logic Pro eignet sich auch besser für Leute, die viel aufnehmen. Wenn du also Sänger bist oder Musik für deine Band produzierst, ist Logic Pro wahrscheinlich das richtige DAW für dich.

Aber als Ergebnis davon ist Logic deutlich umständlicher bei Automation, MIDI-Mapping und anderen Dingen. Wenn du Apple-Fan bist, wirst du mit dem Workflow wahrscheinlich klarkommen, aber es gibt viele nervige Engpässe, die

Ableton Live ist besser für elektronische Musik geeignet, Logic Pro glänzt in einem Hybrid-Szenario, das sowohl großartige Aufnahme- als auch digitale Instrumentierungsmöglichkeiten bietet.

Genau wie Ableton Live bietet auch Logic Pro eine kostenlose Testversion , die du nutzen kannst. Anders als Live ist Logic Pro jedoch exklusiv für MacOS – wenn du also Windows benutzt, ist Ableton vielleicht die beste Option für dich.

Reaper

Kompatibilität: Windows, Mac, Linux – Preis: vergünstigte Privatlizenz oder kommerzielle Lizenz, 60 Tage kostenlose Testversion

Normalerweise würde dieser Platz Pro Tools gehören, das beliebteste „Studio"-DAW überhaupt. Aber wir denken hier an Anfänger, und Pro Tools ist als Anfänger-DAW nicht ideal.

Reaper hingegen ist eines der günstigsten DAWs, die du bekommen kannst.

Es ist extrem anpassbar, und du kannst Reaper im Grunde so aussehen und sich anfühlen lassen, wie du willst.

Basierend auf einer Open-Source-Architektur hat Reaper sich als eines der besten DAWs überhaupt etabliert – zu einem Bruchteil des Preises anderer professioneller Softwarepakete.

Tatsächlich steigen einige Studios komplett von Pro Tools auf Reaper um. Teils wegen Avids Preisgestaltung und Geschäftsmodell, aber auch weil Reaper sich einfach weniger verstaubt anfühlt als Pro Tools.

Wenn du dich für Recording, Bandarbeit, Mixing usw. interessierst, ist Reaper eine extrem solide Wahl. Es ist auch sehr anfängerfreundlich, mit unzähligen Tutorials online.

GarageBand

Kompatibilität: nur Mac – Preis: Kostenlos

Zu guter Letzt: Wenn du einen Apple-Computer besitzt, hast du Zugriff auf das native macOS-Programm GarageBand. Was mal als rudimentäre Loop-Station angefangen hat, ist zu einem richtig guten kleinen DAW herangewachsen.

Seit Apples Übernahme von Logic Pro ist GarageBand zu dessen kleinem Bruder geworden. Mit einem sehr ähnlichen Workflow und Layout fehlen GarageBand eigentlich nur Synth-Plugins, Presets und fortgeschrittene Plugins.

Du bekommst ein paar richtig gute Instrumente und auch Effekte wie:

• Reverb
• Delay
• Kompression

Mit GarageBand und einer Auswahl an kostenlosen Plugins kannst du richtig gute Musik machen. Tatsächlich gibt es jede Menge professionelle Musiker, die mit GarageBand so gut geworden sind, dass sie nichts anderes mehr brauchen.

Und du kannst damit echt Wahnsinnssachen machen. Sam Gellaitry hat oft GarageBand-Phone-Sessions gepostet, und die klingen unglaublich.

Wenn du dann noch bedenkst, dass du GarageBand auch auf deinem iPhone haben kannst, wird der Reiz dieses tollen kleinen DAW klar.

Wenn du GarageBand schon nutzt und den Workflow liebst, aber mehr Content und Möglichkeiten willst, solltest du dir Logic Pro holen. Die beiden Programme sind sich mittlerweile sehr ähnlich, sodass der Wechsel einfach und schmerzlos ist.

Du kannst auch GarageBand-iPhone-Projekte in Logic öffnen. Du könntest also eine Idee festhalten und sie dann in Logic fertigstellen.

2. Fang an, Sounddesign zu lernen

Bei Musikmachen dreht sich alles um Klang – aber das mussten wir dir wahrscheinlich nicht sagen. Der Punkt ist: Sounds zu erstellen wird einen großen Teil deiner Arbeit als Music Producer ausmachen, deshalb musst du Sounddesign lernen.

Egal, ob du Synth-Loops machst oder Samples zerschneidest – zu lernen, wie du Klang nach deinen Vorstellungen manipulierst, ist der Schlüssel zu deinem eigenen Produktionsstil oder Signature-Sound.

Der Lernprozess ist bei jedem anders, aber die Kernkonzepte bleiben gleich.

Zuallererst musst du Effekte kennen. Ein Verständnis der Grundlagen der Audioverarbeitung hilft dir enorm beim Sounds-Erstellen.

Zu lernen, wie man Saturators, Reverb, Chorus usw. einsetzt, sind nur ein paar der Dinge, die du draufhaben musst.

Was du am Ende täglich benutzt, liegt ganz bei dir – aber zu wissen, was möglich ist, ist der beste Weg herauszufinden, was du machen willst.

Als Nächstes ist es extrem wichtig, die Grundlagen von Synthesizern zu lernen, wenn du eigene Patches und Sounds zum Spielen erstellen willst. Zwar wirst du für deinen ersten Song wahrscheinlich ein paar Regler aufs Geratewohl verstellen, aber zu lernen, wie du deine digitalen Instrumente kontrollierst, ist wichtig.

Wir empfehlen, mit Serum anzufangen, weil er benutzerfreundlich ist und es massenhaft Online-Tutorials gibt, wie man damit Sounds erstellt – dir werden also die Lernressourcen nicht ausgehen.

Wir haben ein paar Tutorials zu Mr Carmack, Medasin, 53 Thieves gemacht und fügen ständig neue hinzu!

Außerdem gibt es auf dieser Seite auch jede Menge Musiktheorie-Stuff, der große Artists analysiert:

• Medasin
• Mr Carmack
• Sam Gellaitry
• 53 Thieves

Versuch auch, deine Lieblingssounds rückwärts zu analysieren. Hol dir Serum Presets, öffne sie und versuch, sie nachzubauen. Das hilft dir zu verstehen, warum der Sounddesigner gemacht hat, was er gemacht hat.

YouTube-Tutorials von Kanälen wie Andrew Huang, SynthHacker und Mr. Bill sind ebenfalls eine große Hilfe!

Andrew Huang ist richtig gut darin, Konzepte wie Sounddesign und Synthese schnell und intuitiv zu erklären.

Mr. Bill ist unsere Lieblingsquelle für Sounddesign-Techniken und Tutorials. Obwohl er sich hauptsächlich auf Dubstep und IDM konzentriert, sind seine Tipps extrem hilfreich für alle Genres synthetisierter Sounds.

Einige andere großartige YouTube-Kanäle über Musikproduktion: Dan Worrall, SpectreSoundStudios, RedMeansRecording, Adam Neely sowie Kenny Beats.

3. Lerne Mixing & Mastering

Während Anfänger in der Musikproduktion Mixing oft erst mal hinten anstellen, ist es genauso wichtig zu lernen, wie deine Musik gut klingt, wie überhaupt zu wissen, wie man sie macht.

Außer du hast das Geld, um jedes Mal für Mixing und Mastering zu bezahlen, wenn du einen Song veröffentlichst – dann solltest du es besser selbst lernen.

Mixing und Mastering können sich manchmal wie schwarze Magie anfühlen, sind es aber nicht. Sobald du die Grundkonzepte von Gain Structure, Panning und Dynamik verstanden hast, hast du den größten Teil des Mixing-Lernens schon hinter dir. Danach geht's nur noch ums Üben.

Der beste Weg, Mixing zu lernen, ist Schritt für Schritt.

Fang damit an, zu lernen, wie du deinen Mix zuerst auspegelst. Eine ordentliche Gain Structure für deine Instrumente aufzubauen, sodass sie eine gute Balance in der Lautstärke erreichen, ist der Schlüssel zu einem zusammenhängenden Mix.

(Falls du noch keine Tracks zum Bearbeiten hast, keine Sorge! Du kannst komplette Stems von Cambridge Music Technologyherunterladen, um zu üben. Das sind Songs, die veröffentlicht und von Profis gemischt und gemastet wurden. Du kannst deine Version mit der veröffentlichten vergleichen und weiterlernen!)

Dann lerne Equalization, also EQ, um jedes Element so zu formen, wie du es willst. EQs lassen dich das gesamte Frequenzspektrum jedes Sounds kontrollieren und erlauben dir im Grunde, bestimmte Frequenzen lauter oder leiser zu machen.

Frequenztabellen können beim EQ'en eine riesige Hilfe sein, weil du sofort siehst, wo ein Instrument klanglich sitzen sollte. Fang mit unserer Audio-Frequenzbereich-Tabelle an, die oben verlinkt ist.

Zuletzt – Dynamik. Das umfasst Kompressoren, Limiter und Multiband-Prozessoren. Ein grundlegendes Verständnis von Kompression bringt dich weit. Während neue Producer oft Schwierigkeiten haben, Kompression zu verstehen, verschafft es dir einen Vorteil gegenüber anderen Producern, wenn du es so früh wie möglich lernst.

Kompressoren sind wahrscheinlich das mächtigste Mixing-Tool, das du hast – sie zu lernen hat eine Lernkurve, aber sie werden deinen Sound auf ein neues Level bringen.

Danach lerne Clipping, Verzerrung, Reverbs und kreative Effekte kennen, die deinen Mixes Wärme geben.

Wir haben auch ein paar großartige Artikel, die dir beim Einstieg in Mixing und Mastering helfen:

• Was ist EQ – Alles, was du wissen musst
• Was ist Kompression – Und wie setze ich sie ein?
• Wie komprimiere ich Bass
• 6 saftige Sub-Bass-Mixing-Tipps
• 6 Experten-Sidechain-Kompression-Tipps für makellose Mixes
• & 20+ weitere Tutorials, für die diese Seite ewig lang würde, wenn wir sie hier alle auflisten würden.

Schau dir unsere Tutorials-Sektion auf der Website an oder nutze die Suchfunktion, um Tutorials zu finden, die dich interessieren. Wir haben alles getaggt, damit du richtig interessante Sachen finden kannst.

4. Fang an, Arrangement zu lernen

Als Musiker ist unser Ziel, Songs zu machen. Aber als wir mit dem Produzieren anfingen, hingen wir an 8-Takt-Loops fest, die cool klangen – aber was dann?

Das ist eine der wenigen Sachen, auf die neue Producer stoßen und die wie die erste große Hürde wirkt. Zu lernen, wie du deine Instrumente und Tracks so arrangierst, dass ein fesselnder Song entsteht, wird dich aus der Loop-Hölle holen.

Schauen wir uns unsere Lieblingsarten an, Musik zu arrangieren!

Subtraktives Arrangement

Subtraktives Arrangement ist wahrscheinlich der einfachste Weg, von einem 8-Takt-Loop zu einem ganzen Song zu kommen. Kopiere deinen Loop, bis er so lang ist, wie dein Track sein soll. Jetzt kannst du anfangen, Teile aus deinem großen Block loopender Instrumente rauszuschneiden.

Bass und Top-Loops im Intro und der Bridge rauszuschneiden und sie dann für eine Strophe wiederzubringen, ist ein guter Weg, Bewegung zu erzeugen.

Bewegung ist in diesem Fall das Wichtigste in deinen Arrangements.

Subtraktives Arrangement kann den Nachteil haben, dass es zu blockig wirkt und Bewegung fehlt. Verschiedene Parts für verschiedene Sections in deinem Song zu erstellen, ist ein guter Weg, deinen Arrangements Abwechslung zu geben.

Du kannst ein rhythmisches Pattern ändern oder es auf Halftime verlangsamen. Der Schlüssel ist, es in Bewegung zu halten – niemand will sich einen 3-Minuten-Loop mit Intro und Outro anhören.

Kreatives Rausschneiden von Parts aus einzelnen Tracks kann zu interessanten Rhythmen und Sections führen, die Erwartungen brechen. Bewegung und Spannung in deinem Arrangement zu erzeugen, ist das, was einen Hörer dazu bringt, den ganzen Track zu hören und nicht nur zu den besten Teilen zu skippen.

Additives Arrangement

Additives Arrangement ist das komplette Gegenteil von subtraktivem Arrangement. Es ist auch schwerer umzusetzen, wenn du noch keine bombenfeste musikalische Idee im Kopf hast.

Additives Arrangement ist eine großartige Methode, um ein sehr fesselndes und interessantes Arrangement zu erstellen.

Schritt für Schritt vorzugehen und entweder neue Parts reinzukopieren oder für jeden Takt Variationen zu machen, wird mit der Zeit ein zusammenhängendes Arrangement ergeben.

Wenn du so arrangierst, kannst du Übergänge im Voraus vorbereiten, was insgesamt zu einem besseren Flow führt.

Allerdings ist das nicht der einfachste Weg, Musik zu machen, wenn du ein neuer Producer bist.

Ohne eine sehr klare Vorstellung davon, wohin du willst, kann der Song leicht anfangen, überall zu sein und jegliches melodisches Zentrum zu verlieren.

Wie auch immer du deine Musik arrangierst, liegt an deinem persönlichen Produktionsstil. Manche Producer arbeiten in Drum Racks, manche mit einzelnen Audio-Clips. Keine Methode ist besser – es ist alles Geschmackssache.

Das Gleiche gilt fürs Arrangement – du findest vielleicht eine einzigartige Art, deine Arrangements zusammenzustellen, die für dich funktioniert, aber für andere nicht. Solange du fesselnde und großartige Musik machst, ist der Prozess egal.

5. Lerne Datei- und Export-Einstellungen kennen

Wenn alles gesagt und getan ist und dein Song fertig ist – wie exportierst du deine Musik richtig? Beschwerden darüber, dass Exporte anders klingen als im DAW, sind nichts Neues und werden meist durch falsche Export-Einstellungen verursacht.

Die grundlegenden Einstellungen, auf die du achten solltest, sind: Dateityp, Bittiefe und Abtastrate.

Für professionelles Audio musst du deine Musik als .WAV- oder .AIFF-Dateien exportieren. Das sind unkomprimierte Audiodateien, im Gegensatz zu MP3, das dein Audio auf 320 kbps komprimiert.

Die besten Export- und Recording-Einstellungen sind 32-Bit-Floating-Dateien. Die sind großartig, und es gibt einen super Artikel, der erklärt, warum.

Allerdings musst du die Sache nicht komplizierter machen, wenn du gerade erst anfängst. Deine Exporte sollten meistens 24-Bit sein, also stell sicher, dass du das in deinem DAW richtig eingestellt hast.

Die Anforderungen an die Abtastrate hängen von deiner Plattform oder deinem Medium ab.

Wenn du Musik auf CD bringst, solltest du mit einer Abtastrate von 44,1 kHz exportieren. Für jede andere Anwendung, ob Streaming oder Download, reichen 48 kHz.

Zusammengefasst: Solange deine Dateien 24-Bit, 48 kHz .WAV oder .AIFF Dateien sind, sollten deine Exporte genauso gut klingen wie in deinem DAW

6. Bau deine Plugin-Sammlung aus

Seien wir ehrlich: Plugins sind Fluch und Segen jedes Producers. Sie sind zwar großartig, bieten unglaublich viele Optionen und Sounds – aber es ist viel zu leicht, sich im Gear-Acquisition-Syndrome zu verlieren.

Wenn du DAWs wie Ableton Live oder Logic Pro benutzt, hast du bereits alles, was du brauchst, um Musik zu machen.

Normalerweise mit Hunderten von Möglichkeiten, deinen Sound zu formen, sowie mehreren verschiedenen Synths und Gigabytes an Samples – Stock-Libraries sind mittlerweile so fortgeschritten, dass du eigentlich nichts anderes mehr brauchst.

Das gesagt, wirst du an einem bestimmten Punkt deiner Produktionsreise auf einige Hindernisse stoßen, für die du deine Plugin-Sammlung erweitern willst.

Du willst vielleicht ein besseres Synth-Plugin oder coole digitale Audio-Effekte. Und normalerweise helfen sie dir, bessere Musik zu machen.

Anfänger können sich beim Plugin-Kauf aber leicht hinreißen lassen – sei also gewarnt!

Es gibt immer fantastische kostenlose Plugins zum Download – schau dir die zuerst an und stell sicher, dass du ein Plugin aus einem guten Grund kaufst.

• Zum Beispiel: "Ich brauche einen Kompressor, um meine Vocals wärmer zu machen" – das ist ein guter Grund.
• Nicht: "Dieses Plugin wird meine Musik sofort besser machen, weil ich gesehen habe, wie jemand anderes es benutzt hat und was Großartiges gemacht hat".

Zu viel Bedeutung auf Plugins zu legen, kann zu leblosen Mixes führen. Zum Beispiel ist Sausage Fattener ein toller Saturator, aber sehr situationsabhängig. Zu lernen, wie man den Ableton-integrierten Saturator benutzt, wird für dich wertvoller sein, als Sausage Fattener zu kaufen.

Solange du Plugins kaufst, wenn du sie brauchst, bist du auf der sicheren Seite. Sei nur nicht einer von diesen Kids, die Drip auf alles packen.

*2 CLiCkS bRO!*

7. Beschäftige dich mit Studio-Equipment, Monitoren & Akustikbehandlung

Wenn du dir einen Music Producer vorstellst, denkst du wahrscheinlich an einen Typen im Studio, umgeben von Tonnen an Equipment und Synthesizern. Brauchst du das, um Musik zu machen? Und wenn ja, was sind die Grundlagen, die du brauchst?

Einfach gesagt: Technisch brauchst du nur einen Computer oder ein Smartphone, um mit Musikmachen anzufangen. Wenn du aber Instrumente aufnehmen willst, wirst du Hardware brauchen.

Schauen wir uns genauer an, was du brauchst!

Studio-Equipment

Die Grundlagen jedes Musikproduktions-Setups sind Input und Output.

Du brauchst ein Audio-Interface, um den Input zu verarbeiten. 2-Kanal-Interfaces können ziemlich günstig sein und erlauben dir, Vocals und Instrumente aufzunehmen sowie deine Lautsprecher oder Kopfhörer anzuschließen.

Der Output ist das Wichtigste. Die Musik, die du machst, so zu hören, wie sie wirklich klingt, ist wichtig, um Musik zu erstellen, die gut klingt.

Aus diesem Grund ist ein gutes Abhör-Setup wichtig.

Ein Paar Audio-Technica- oder Beyerdynamic-Kopfhörer ist ein toller Einstieg für alle Music Producer. Sie bieten großartige Transparenz und eine flache Frequenzantwort, sodass du genauer hörst, was du machst.

Wenn du nach Kopfhörern suchst, ist es wichtig, ein Paar zu finden, das in dein Budget passt und zu dir passt.

Musik, die ausschließlich mit Kopfhörern gemacht wurde, kann dumpf und klaustrophobisch klingen – daher ist ein Set Studio-Monitore eine großartige Ergänzung für dein Setup.

Versuch bei Monitoren nicht zu sparen. Wenn du in Produktionslautsprecher investierst, stell sicher, dass sie flach und transparent klingen. ADAM Audio-Lautsprecher sind großartig – die T5V- und T7V-Monitore sind preislich vernünftig und bieten unglaubliche Klangqualität.

Wenn du dir Monitore zulegst, stößt du allerdings auf ein neues Problem: die Akustik.

Akustik

Wenn es dir ernst damit ist, dass deine Musik gut klingt, ist die Akustik der Schlüssel zu einer guten Abhörumgebung.

Raumakustik ist so wichtig, dass wir lieber 300-Dollar-Monitore in einem guten Raum wählen würden als 5000-Dollar-Monitore in einem schlechten Raum.

Wenn der Raum, in dem du produzierst, viele Reflexionen, stehende Wellen und Dröhnen hat, werden diese Probleme nicht verschwinden, egal wie viel du für deine Lautsprecher ausgibst – und sie werden sich auf deine Mixes übertragen.

Die Grundlagen deiner Raumakustik zu verbessern, ist der Schlüssel zu gut klingender Musik. Teppichböden sind großartig, weil sie eine riesige reflektierende Fläche abdecken. Auch deine Wände zu behandeln, kann ziemlich günstig sein.

Überraschenderweise sind Handtücher eines der besten Materialien zur Schallabsorption. Wenn du Holzrahmen baust und 3–5 Lagen Handtücher darüberspannst, entsteht ein super effektives Akustikpanel.

Mehrere davon zu bauen, kann deinen Raum sofort deutlich akustisch verbessern.

Mikrofone

Wenn du planst, irgendeinen Sound aufzunehmen, brauchst du ein Mikrofon. Mikrofone sind situationsabhängig – manche sind besser für Gitarrenaufnahmen, manche besser für Vocals.

Allerdings willst du als Anfänger wahrscheinlich nicht 10 Mikrofone kaufen, um deine Grundlagen abzudecken. Wenn du planst, immer nur ein Instrument oder einen Kanal gleichzeitig aufzunehmen, brauchst du nur ein gut klingendes und vielseitiges Mikrofon.

Das Shure SM7B ist wahrscheinlich das beste und vielseitigste Mikrofon, das du als Anfänger bekommen kannst. Es ist nicht gerade billig, aber es ist großartig für alles – von Drums über Vocals bis Gitarren und alles andere.

Wenn du etwas Günstigeres willst, sind ein SM58A oder SM57 Budget-Klassiker – und du kannst eins gebraucht für unter 60 Dollar bekommen.

Alternativ, wenn du gerne draußen aufnimmst oder portable Instrumente nutzt, um Musik zu machen, ist ein Zoom-Recorder ein tolles Gerät. Ein Zoom H6 hat 4 Kombi-XLR-TRS-Eingänge, sodass der Zoom-Recorder gleichzeitig als Audio-Interface und als Mikrofon dienen kann.

Tatsächlich sollte jeder Producer einen Zoom-Recorder haben – sie sind einfach so großartig.

8. Erstelle eine Übungsroutine, an die du dich hältst

Eine Routine zu entwickeln, die für dich funktioniert, ist wirklich der Weg zum Erfolg – egal wobei.

Unser Rat ist, die meiste Zeit in deiner DAW-Software zu verbringen, damit herumzuspielen und herauszufinden, was alles macht – statt gedankenlos Musikproduktions-Tutorials anzuschauen.

Du solltest wirklich darauf abzielen, deine ersten 50 Songs von Anfang bis Ende zu machen.

Es ist egal, wie gut sie sind – schließ sie einfach ab und mach weiter. Du veröffentlichst ja noch keine Musik, niemand hört sie – also entspann dich und mach einfach was. Du wirst durchs Machen eine Menge lernen.

Fang mit mindestens 30 Minuten Üben pro Tag an.

Das ist wenig Zeit und leicht anzufangen und durchzuhalten.

Konsistenz ist hier das Ziel. Bau also die Gewohnheit auf, dein DAW jeden einzelnen Tag zu öffnen, und fang dann an, die Zeit zu erhöhen, sobald die Gewohnheit sitzt. Das macht es dir leichter, die Zeit zu steigern und konsistent zu bleiben.

Wenn deine Session gut läuft, mach weiter. Wenn sie schlecht läuft und du frustriert wirst, hör auf.

Du kommst nirgendwohin, wenn du dich zwingst, frustriert dazusitzen. Tatsächlich wirst du ausbrennen.

Mach unbedingt Pausen und hör auf, wenn es dir keinen Spaß mehr macht, sonst bist du beim nächsten Mal unmotiviert, dein DAW zu öffnen.

So könnte ein guter Musikproduktions-Zeitplan aussehen:

• Montag: Beatmaking – dein Ziel hier ist, einen Beat zu machen. Wirf ein paar Sachen in deine Session – Drums, Loops, Plugins. Spiel mit allem herum und schau, was es macht. Mach dir keine Sorgen, wenn du keinen kompletten Track hinbekommst – das ist gerade egal – du lernst.
• Dienstag: Sounddesign-Session – schau dir Videos über deine Lieblingskünstler an, such dir einen Synth aus und lerne ihn in- und auswendig. Nachdem du fertig bist mit Zuschauen, spiel mit den Synth-Einstellungen herum, um zu sehen, was jede macht und wie der Sound reagiert. Hab keine Angst, die Einstellungen voll aufzudrehen.
• Mittwoch: Mixing & Mastering – nimm deinen Beat vom Montag oder lade Stems von Cambridge Music Technologyherunter, lade sie in dein DAW und versuch, sie zusammenzumischen. Du willst, dass jeder Sound seinen eigenen Platz hat, und willst, dass es besser klingt als vorher.
• Donnerstag: Musiktheorie-Session – fang an, die Grundlagen der Musiktheorie zu lernen. Schau dir ein paar Tutorials über Musiktheorie für Music Producer an, öffne dann dein DAW und wende an, was du gelernt hast. Mach dir noch keine Sorgen, ob es gut klingt – mach es einfach und denk später darüber nach.
• Freitag: Beatmaking – arbeite an deinem Beat vom Montag weiter oder fang einen neuen an! Liegt ganz bei dir. Es ist am Anfang besser zu versuchen, Tracks fertigzustellen, auch wenn sie nicht gut klingen.
• Samstag: Sounddesign-Session – öffne deinen gewählten Synth und fang an, damit herumzuspielen. Lade ein paar Presets, schau, wie sie gemacht wurden, spiel mit den Einstellungen herum und schau, was jeder Regler macht.
• Sonntag: Mixing & Mastering – schau dir ein paar Tutorials an, lies Artikel und wende dann das Gelernte auf deine eigene Musik an. Du lernst mehr durchs Machen.

Jeder ist anders, also finde eine Routine, die für dich funktioniert. Du wirst Sachen verschieben müssen und Notizen machen, die dir helfen zu erinnern und festzuhalten, was für dich funktioniert und was nicht.

Nach jeder Session Sachen in ein Tagebuch zu schreiben wie:

• Was lief gut?
• Woran muss ich arbeiten?
• Wie habe ich mich dabei gefühlt?
• Was könnte ich beim nächsten Mal besser machen?
• Wie könnte ich es beim nächsten Mal mehr spüren?

Das alles wird dir helfen, deine Routine zu etwas zu machen, das zu dir passt.

Vor allem: Mach Musik. Das ist dein Hauptfokus. Nachdem du 50 Songs geschrieben hast, kannst du anfangen, dich darauf zu konzentrieren, sie besser zu machen und deine Mixing-Fähigkeiten, Sounddesign und mehr zu verbessern.

9. Hol dir Feedback zu deinen Tracks

Du hast einen Track fertig. Nach Wochen daran hast du jede Perspektive verloren, also ist eine zweite und dritte Meinung der Weg herauszufinden, ob er funktioniert. Schick ihn an Freunde, die ehrlich zu dir sind, poste ihn in einem Feedback-Thread einer Producer-Community (r/edmproduction und die meisten Genre-Discord-Server haben wöchentliche Threads), und lass ihn selbst ein paar Wochen liegen, bevor du entscheidest, dass er fertig ist.

Du hörst auf zwei Dinge: ob er nach zehn Durchläufen immer noch funktioniert und wo die Aufmerksamkeit der Leute abdriftet. Beides sagt dir, was du beim nächsten verbessern musst.

Zusammenfassung

Musik zu machen ist eines der erfüllendsten Dinge, die du tun kannst. Das Gefühl, deinen ersten Song fertigzustellen, vergisst niemand. Allerdings kann es schwer und wenig intuitiv sein zu wissen, wie man mit Musikproduktion anfängt.

Ob es nun um digitale Audio-Workstations geht, Musiktheorie-Grundlagen, Mixing und Mastering – Musik zu kreieren kann genauso lohnend sein, wie es frustrierend und hart sein kann.

Der Schlüssel zu großartiger Musik ist jedoch zu wissen, was du mit deinen Ideen, Sounds und Arrangements machst.

Wir haben versucht, alle Grundlagen abzudecken, damit du auf deiner Musikproduktions-Reise starten kannst – der Rest liegt bei dir. Ob du anfangen willst, Musik zu mischen oder deine Musiktheorie-Grundlagen zu vertiefen – Wachstum ist das, was dich von anderen Producern unterscheiden wird.