Domina los ajustes de compresión:
Si estás leyendo este artículo es porque estás a punto de mezclar tus propias voces. Puede ser una tarea intimidante, pero llevo diez años grabando y mezclando voces y he aprendido prácticamente todo lo que deberías y no deberías hacer al mezclar tus voces. En este artículo voy a compartir exactamente lo que he aprendido de 10 años de trabajo en la industria, para que puedas conseguir mejores mezclas de tus voces.
¿Necesitas compresión en las voces? Cosas que revisar antes de comprimir
Como todo en la producción musical, depende de lo que necesite la canción y el proyecto. Si por ejemplo estás grabando una producción minimalista con solo voces y un instrumento acompañante como una guitarra o piano, vas a necesitar poca o ninguna compresión.
Si por otro lado estás insertando voces en una producción de rock repleta de elementos, o sobre un beat de hip-hop animado, vas a tener que ser un poco más astuto. En estos casos necesitarás aplicar ciertas técnicas que permitirán que tus voces se sitúen al frente y en el centro.
Clip vocal que no necesita compresión (ejemplo de audio)
En el clip anterior solo hay dos pistas: las voces y la guitarra. Como hay mucho espacio para ambos elementos no hay necesidad inmediata de compresión.
He añadido un poco de reverb al gusto y listo, eso es todo.
Podrías aplicar algo de compresión de pegamento en el bus de mezcla para controlar algunos transitorios, pero en general esto puede permanecer sin comprimir.
Clip vocal que necesita compresión (ejemplo de audio)
En el siguiente clip notarás que hay bastantes más elementos a considerar. Hay una batería completa, además de bajo y guitarra.
Para que las voces se asienten bien en la mezcla he aplicado algo de compresión para levantar las partes más suaves y controlar los transitorios más fuertes.
Finalmente, he añadido un poco de reverb de sala para un sonido natural y dar la impresión auditiva de una banda completa tocando en vivo.
Si tus voces suenan débiles asegúrate de que no haya problemas de fase. Esto generalmente solo ocurre si has grabado tus voces usando dos micrófonos diferentes.
Automatización
Si bien está perfectamente bien simplemente comprimir las voces, si buscas una mezcla verdaderamente de clase mundial lista para la radio, se recomienda aplicar automatización frontal. Por frontal nos referimos a automatizar manualmente la señal vocal antes de que llegue al compresor.
Al hacer esto equilibras muchos de los transitorios y controlas la dinámica para que el compresor no tenga que trabajar tan duro. Esto dará un sonido mucho más natural y dejará que la musicalidad de tu compresor brille.
Un gran consejo es aumentar el final de una palabra para resaltar la emoción en ella. Tiene un efecto sutil pero agradable al oído.
Puedes elegir ir a fondo y automatizar cada sílaba, o solo frases individuales o líneas vocales. Depende de ti cuánto detalle quieras aportar al proceso. Piénsalo así: cada pequeño detalle y cambio que hagas sí se acumula.
Puede que no notes la eficacia de la automatización manual de inmediato, pero compara la versión sin automatizar con la versión automatizada y verás mucha más claridad.
Una herramienta popular es el Waves Vocal Rider, un plugin que maneja esta tarea automáticamente. Por supuesto, un plugin no sabe cuál es tu sonido deseado, solo puede aproximarlo según su programación.
Por lo tanto, el mejor enfoque es usar el Waves Vocal Rider para hacer la mayor parte de la automatización, y luego entrar y aumentar manualmente los finales de las frases o cambiar cualquier otra dinámica al gusto.
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Cómo configurar tu compresor para obtener mejores resultados
1. Estructura de ganancia adecuada
La estructura de ganancia, o etapas de ganancia, reconoce cada etapa en la ruta de señal y asegura una buena relación señal-ruido. El ruido en este caso es el zumbido de fondo de los circuitos o el sangrado de otros instrumentos.
El objetivo es tener una señal lo suficientemente fuerte sin clipping, lo que a su vez disminuye la probabilidad de ruido de fondo audible.
Considera las etapas de señal desde tu micrófono hasta tu DAW. ¿Qué tan cerca estás del micrófono? ¿Qué volumen tiene tu preamplificador o ganancia de entrada de la tarjeta de sonido? ¿Estás usando algún equipo externo o software? Debes buscar tener una señal fuerte sin clipping que alimente la siguiente etapa en cada nivel.
El piso de ruido es el ruido ambiental de una etapa particular en tu cadena de señal, por ejemplo, el zumbido inherente de un preamplificador relativo a tu señal.
Cada etapa tiene la posibilidad de introducir ruido, y también de amplificar cualquier ruido de todas las etapas anteriores en la cadena. Por lo tanto el objetivo es aumentar tu señal a un punto donde no haya clipping y también un headroom cómodo. Cualquier cosa entre -8 y -15dB es lo que deberías buscar.
2. Elegir el estilo de compresor adecuado
Tipos de compresores
Aquí están los 4 tipos principales de compresión:
- VCA
- Los compresores VCA usan un amplificador controlado por voltaje (VCA) para atenuar la señal, de ahí el nombre.
- Tubo (vari-mu)
- Este tipo de compresor usa un tubo de vacío para atenuar la señal. Mu es el término técnico para ganancia, así que vari-mu significa compresión de ganancia variable.
- FET
- FET obtiene su nombre de los transistores de efecto de campo que emplea para recrear el sonido de tubo de un compresor de variable-mu.
- Compresores Opto
- Los compresores opto usan una fuente de luz y una fotocelda para modular la compresión. Esencialmente, cuanto más brillante es la luz, más fuerte es la compresión. Son populares con las voces debido a su attack lento, que ofrece una compresión muy suave. Como se mencionó anteriormente, los attack rápidos pueden ahogar una toma vocal.
Cómo elegir el compresor adecuado para voces
Para elegir el mejor compresor necesitas considerar qué tipo de ajustes de compresión requieres.
¿Tus voces tienen mucho rango dinámico que necesitas controlar? ¿Son voces de rock que quieres aplastar e inyectar con mucho carácter? ¿Quieres transparencia o coloración? Veamos algunos estilos:
Transparencia
Si no quieres ninguna coloración o distorsión armónica aplicada a la señal comprimida, entonces un compresor VCA o un compresor Opto es tu mejor opción.
Hay momentos en que se necesita transparencia, como en la mezcla o el mastering, donde solo quieres controlar transitorios sin añadir ningún color o calidez adicional.
El Universal Audio Teletronix LA-2A es un excelente compresor opto conocido por ser contundente y transparente.
Sonido Natural
Si quieres algo con attack y release lentos que comprimirá tu señal sin ser demasiado notorio, entonces los compresores Opto y vari-mu son los mejores para este trabajo.
Un ejemplo de un compressor variable-mu popular es el Audified U73b, un antiguo compressor de transmisión alemán, utilizado inicialmente para nivelar picos y transitorios en transmisiones de radio.
Color
Si deseas inyectar algo de vida a una interpretación poco impresionante o añadir distorsión armónica y sabor a un bus de mezcla, entonces los transformadores en un compresor FET o un compresor vari-mu te ayudarán.
Nota: la transparencia es una elección personal. Por lo tanto, al masterizar una pista debes decidir si usar un compresor transparente o con color
Tiempo de attack/release rápido
Si tienes muchos transitorios rápidos, por ejemplo, una voz de hip-hop, entonces necesitarás algo con el poder de actuar rápida y decisivamente.
Para esto necesitarás un compresor FET o VCA.
Generalmente considerado como el compresor preeminente para voces, el UA 1176 es un compresor FET. Funciona particularmente bien con el attack en su configuración más lenta y el release en su más rápido. Ten en cuenta que las perillas de attack y release están invertidas en este equipo, así que girar de izquierda a derecha tendrá el efecto opuesto.
3. Ajustes de threshold
El threshold controla en qué punto entra tu compresión. Se mide en dB y cualquier cosa por encima de ese nivel será atenuada.
Para jazz, pop y cualquier cosa bastante pulida solo quieres atenuar alrededor de -2 a -4dB, pero para rock o metal donde quieres las cosas más contundentes, entonces atenuar alrededor de -5 a -10dB es preferible.
Ajusta el threshold hasta que sea audible y suene bastante agresivo. Una vez que hayas llegado a este punto, retrocede hasta que sea apenas perceptible.
4. Configurar tus controles de ratio
El ratio está intrínsecamente ligado al threshold. Es la tasa a la que la señal que pasa el threshold se comprime. Un ratio de 1:1 por ejemplo no comprimirá nada que pase el threshold. Un ratio de 2:1 significa que 4dB que pasen el threshold serán atenuados a 2dB. 8dB que pasen el threshold se reducirán a 4dB, y así sucesivamente.
5. Configurar tus tiempos de attack y release
Attack
El attack dicta qué tan rápido entra la compresión. Imagina una manita alcanzando la perilla de volumen cada vez que algo pasa el threshold.
Intenta no usar attack rápidos en tus voces ya que va a apagar los transitorios. Los attack rápidos empujarán la señal de audio hacia atrás, así que si buscas cierta cantidad de profundidad entonces por supuesto usa un attack más rápido, pero generalmente para voces es mejor mantenerse alrededor de 10-20ms.
Si alguna vez quieres escuchar qué está haciendo el attack, simplemente baja el threshold muy bajo para obtener una imagen más clara. Un attack rápido sonará muy agresivo, mientras que un attack más lento será bastante apagado.
Liberación
El release es cuánto tiempo tarda esa manita en soltar la perilla.
Si tu compresor tiene una función 'auto' entonces se recomienda que la uses. De lo contrario, simplemente comienza con un release medio de alrededor de 40ms y ajústalo hasta que la compresión respire con la música.
Alternativamente, prueba un release rápido para un efecto poderoso. Ten cuidado ya que puede no adaptarse a tu toma vocal, así que es mejor experimentar hasta que estés satisfecho.
Knee
No todos los compresores tienen un parámetro knee, así que no te preocupes si no ves uno en tu plugin o hardware.
El knee dicta el ritmo al que entra la compresión. Si quieres que la compresión entre bastante agresivamente entonces usa un hard knee, o si quieres que sea un poco más sutil y musical entonces un soft knee es preferible.
6. Gestionar la reducción de ganancia con ganancia compensatoria
Una vez que hayas controlado todos los transitorios y atenuado todo lo que pasa el threshold, puede que descubras que el volumen general de tus voces ahora está reducido. Carecen de presencia y están situadas más atrás en la mezcla. Ahí es donde entra la ganancia compensatoria.
Esta función aumenta la señal atenuada para que tus voces vuelvan al frente de la mezcla.
Usar técnicas avanzadas de compresión vocal
Ahora que hemos repasado los conceptos básicos de compresión, echemos un vistazo a algunas técnicas avanzadas. ¡Te sorprenderá gratamente descubrir que en realidad son bastante sencillas!
1. Compresión paralela
La compresión paralela es una técnica que simplemente mezcla la señal dry sin comprimir con la señal comprimida. También conocida como 'compresión de Nueva York', este proceso te permite conservar la dinámica de la señal sin comprimir, mientras también te beneficias del pegamento y la energía de un compresor, dándote un sonido agradable y natural.
2. Compresión en serie
Este tipo de compresión implica combinar dos o más compresores para realizar diferentes tareas de compresión que uno solo no podría hacer.
Por ejemplo, puede que quieras un compresor por su capacidad de pegamento para controlar transitorios, mientras el segundo añade color y emoción.
Además, en lugar de tener un compresor atenuando 3-4dB, tener dos compresores reduciendo la señal 1-2dB cada uno tendrá el mismo efecto pero sonará más natural y sin procesar. ¡Compartiendo la carga!
3. Compresión sidechain
La compresión sidechain es cuando la señal de un canal activa la compresión en otro.
Por ejemplo, puedes hacer sidechain de tu bajo al bombo para que se atenúe cada vez que el bombo suena. Si configuras un attack y release rápidos, atenuará el golpe inicial del bajo y dejará que el bombo brille, antes de devolver el bajo a volumen completo.
Esto se utiliza a menudo para obtener el golpe del bombo, mientras se conserva el cuerpo completo del bajo.
Puedes experimentar con el efecto sidechain en plugins para obtener un sonido de bombeo estilo EDM, por ejemplo, configurando un release más lento. Obviamente, esto puede no funcionar en todos los géneros y a menudo se usa con moderación para mantener ciertos instrumentos al frente en una mezcla ocupada donde muchos elementos pueden estar compitiendo por espacio.
4. Compresión multibanda
La compresión multibanda es el proceso de aplicar compresión solo a ciertas frecuencias. Un ejemplo sería comprimir los graves para realzar el bombo. Como la compresión solo se aplica entre 50-200Hz no necesitas preocuparte de que los agudos se vean afectados.
Esto te permite comprimir los medios usando diferentes ajustes que son más adecuados para esas frecuencias. Esto es muy útil para la compresión en el bus máster, donde puedes aplicar un attack lento y release rápido a los medios para enfocarte solo en las voces.
Esto se puede lograr usando múltiples compresores en buses de instrumentos individuales, o usando un compresor multibanda dedicado como MO-TT de Slate Digital que divide la compresión en tres bandas de frecuencia.
5. Limitación
Un limitador es similar a un compresor. El ratio es muy alto (por encima de 10:1), así que si 10dB pasan el threshold se reducirán a 1dB. Cuando el ratio está en 'infinito' eliminará todo lo que pase el threshold, y esto a menudo se llama limitación de 'muro de ladrillos'.
Como todo lo que pasa el threshold se reduce instantáneamente en volumen, no deberían usarse para añadir armónicos o musicalidad. Su mejor cualidad es su transparencia, en la que se puede confiar para eliminar picos inconsistentes.
Si tus voces están muy atrás en la mezcla, un limitador puede usarse como ganancia compensatoria transparente. Comienza con un threshold alto y reduce el techo de salida hasta que estés satisfecho con los resultados. Aumenta tu ganancia de entrada y observa el medidor de reducción de ganancia para ver cuánto estás reduciendo el volumen.
Descarga Gratuita: Póster con Tabla de Frecuencias EQ
El rango de frecuencias de cada instrumento en una tabla codificada por colores. Imprímela, pégala sobre tus monitores y deja de adivinar dónde cortar.
Preguntas Frecuentes
La mayoría de las cadenas de procesamiento vocal tienen tres cosas:
- EQ
- Compresión
- Reverb
Y generalmente en ese orden, aunque no siempre.
El EQ ayudará a que las voces se asienten en la mezcla eliminando cualquier frecuencia innecesaria y realzando aquellas que quieres que sobresalgan.
La compresión es lo siguiente, para recortar cualquier transitorio y quizás aumentar el sonido general con algo de ganancia compensatoria.
Después de eso puedes aplicar algo de reverb, pero como regla general usa siempre mucho menos de lo que piensas. La reverb da la ilusión de espacio y distancia, y demasiada empujará tus voces hacia atrás en la mezcla. Igual que con tu compresión, ajusta tu reverb hasta que sea audible, y luego retrocede. De esta manera puedes asegurar un resultado que suene más natural.
Si tus voces están dobladas y también tienen coros adicionales, podría ser mejor agrupar todas tus voces en un canal bus para que tu cadena de procesamiento vocal se aplique uniformemente en todas las pistas.
Esto te ahorrará mucha potencia de procesamiento y no necesitarás duplicar todos estos efectos en canales individuales.
Después de aplicar tu cadena básica de EQ, compresión y reverb puedes experimentar y probar algo de delay slapback o incluso chorus y ver cómo suena.
En general, si la compresión es 'audible' entonces ya has aplicado demasiada. Cualquier tipo de sonido de bombeo o resultado excesivamente aplastado es señal de demasiada compresión. Por supuesto en EDM ese sonido de bombeo puede ser estilísticamente relevante, pero generalmente significa que el threshold está demasiado bajo o el ratio demasiado alto.
Demasiada compresión también puede matar tu dinámica, eliminando el impacto de ciertas partes de tu interpretación vocal. Para algunas interpretaciones de rock, un muro consistente de señal vocal puede ser deseable, pero para profundidad emocional, debería haber dinámica en su lugar.
Una voz que suene natural requiere un ratio de alrededor de 2:1 o 3:1. Esto funciona genial para producciones minimalistas y para folk, pero para interpretaciones de rock y pop algo más alto como 5:1 o incluso tan alto como 8:1 hará el trabajo.
Ten cuidado de no tener un attack demasiado rápido. Alrededor de 60-100ms es el punto ideal. El release debería ser medio a largo. Si tu compresor no tiene una configuración de 'auto-release' entonces simplemente configura el release en su punto más alto y retrocede hasta que se sienta bien. Generalmente alrededor de 100-500ms es donde deberías apuntar.
Asegúrate de configurar tu ganancia compensatoria para que compense la atenuación causada por los ajustes de threshold y ratio. Si se está atenuando 1-4dB querrás aumentar la señal de salida mediante la ganancia compensatoria en consecuencia.
Gareth is a freelance producer and sound designer from Dublin, based in Southeast London. After completing his Bachelor of Arts in Music Production at Leeds Beckett University, he worked as a tutor at the Royal Arsenal School of Music before embarking on a career in film and podcasts. He specialises in mixing and song composition and is a regular on the London DIY scene, where he performs as Gareth Freiheit.